SPECIALS

english below

Wat betekent het om in echte harmonie met onze omgeving te leven?

CEIBO volgt surfers Pacha Luque Light en Lucy Small op een indrukwekkende reis door Ecuador. Onderweg ontmoeten ze lokale vrouwen die een diepe connectie hebben met hun omgeving en gemeenschap en die een urgente milieustrijd die voeren. Wanneer Pacha opnieuw contact maakt met haar Ecuadoraanse roots, begint ze haar identiteit ook echt anders te zien. De film laat zien hoe persoonlijke en collectieve verandering hand in hand gaan.

Van de strijd voor landrechten in de Andes en het Amazonegebied, tot het beschermen van het mariene ecosysteem rond de Galapagoseilanden – en het verhaal van Ecuador’s eerste olympische surfer die haar plek opeist in de surfwereld. De film belicht enkele van de meest prangende ecologische en sociale uitdagingen van vandaag. Geregisseerd door Maddie Meddings en Lucy Small, en gecoproduceerd door Pacha Light, brengt deze documentaire een intieme en visueel krachtige ode aan samenleven met de natuur.

Deze speciale vertoning in Antwerpen is de BeNeLux première van CEIBO, mogelijk gemaakt in samenwerking met Haven Surf, Wind & Watersport Vlaanderen en The Fieldwork. Na de film gaan filmmakers en hoofdpersonages Pacha Light, Lucy Small en Maddie Meddings in gesprek over het maakproces, hun avonturen in  Ecuador en de impact van hun werk.

De vertoning maakt deel uit van een internationale tour die niet alleen bewustzijn wil creëren, maar ook concrete actie wil stimuleren. De volledige opbrengst van deze Antwerpse screening gaat naar de vier grassroots organisaties die aan de film meewerkten. De makers maakten het Ceibo Impact Plan op, een digitaal platform rond deze vier organisaties dat de verhalen uit de film vertalen naar blijvende, tastbare verandering.

ENG
The film is spoken in English with English subtitles

What does it mean to truly live in harmony with our environment?

CEIBO follows surfers Pacha Luque Light and Lucy Small on a powerful journey across Ecuador, where they meet and learn from women deeply connected to their surroundings and communities who face urgent environmental struggle. As Pacha reconnects with her Ecuadorian roots, she also begins to redefine her identity, revealing how personal and collective transformation are intertwined.

From the land rights movements in the Andes and the Amazon, to the fight for the Galapagos marine ecosystems, and the legacy of Ecuador’s first Olympic surfer carving out space for women in sport. The film sheds light on some of the most pressing ecological and social challenges of our time. Directed by Maddie Meddings and Lucy Small, and co-produced by Pacha Light, this documentary is an intimate and visually striking exploration of coexistence with nature.

This special screening in Antwerp marks the BeNeLux premiere of CEIBO and is made possible in collaboration with Haven Surf, Wind & Watersport Vlaanderen & The Fieldwork. Following the film, the filmmakers and protagonists Pacha Light, Lucy Small, and Maddie Meddings will be present to discuss the making of the film, their journey through Ecuador, and the ongoing impact of their work.

This screening is part of an international tour designed not only to raise awareness, but also to spark concrete action. All proceeds from the Antwerp screening will be donated to the four grassroots organisations that collaborated on the film. The filmmakers created the Ceibo Impact Plan, a digital platform around these organisations that aims to turn the stories told in the film into lasting, tangible change.

english below

KAPITAL EUROPE volgt twee gastarbeiders in Brussel, terwijl hun dagelijkse leven getekend wordt door onzekerheid en kleine momenten van geluk. Reginald, een Roemeense bouwvakker, worstelt met de informele bouwsector in de stad en denkt eraan om terug te keren naar Roemenië. Niki, een jonge Griekse die net in de stad is aangekomen, begint te werken als een fietskoerier. Hun verhalen onthullen de meedogenloze impact van het kapitalistische systeem.

Regisseur Ben De Raes vermengt documentaire met fictie, en vat zo tegelijkertijd het monotone en het repetitieve van fysieke arbeid, als ook de passie en het doorzettingsvermogen van de arbeiders. Met een ingetogen cinematografie en een naturalistische soundscape, toont KAPITAL EUROPE de essentiële arbeid die de stad doet draaien. De film verweeft hun verhalen met echte gesprekken met Brusselaars, wat diepgang en perspectief creëert.

KAPITAL EUROPE toont een kritische blik op het precaire karakter van arbeid in een geglobaliseerde metropool. Zonder de ervaring te romantiseren en met ruimte voor humor en humaniteit, belicht de film de scheiding tussen de arbeiders en de structuren die hun leven bepalen. KAPITAL EUROPE gaat over hoop, desillusie, en het onmiskenbare belang van de mensen die de stad gaande houden.

Op vrijdag 5 september gaan regisseur Ben De Raes en Kathy Vanhout (URSULA Collectief) na de screening in gesprek over de film.

ENG
The film is in English/Dutch/French/Greek/Romanian with Dutch subtitles

KAPITAL EUROPE portrays two migrant workers in Brussels as they navigate a journey marked by uncertainty and singular moments of joy. Reginald, a Romanian construction worker, struggles in the city’s informal building sector and contemplates returning to Romania. Niki, a young Greek newly arrived in the city, takes up work as a bicycle courier. Their stories reveal the unyielding forces of the capitalist system at work.

Director Ben De Raes merges documentary and fiction, capturing both the monotony and the repetition of physical labour, as well as the passion and dedication of the workers. With restrained cinematography and a naturalistic soundscape, KAPITAL EUROPE portrays the indispensable labour that keeps the city moving. Interwoven with their stories are real conversations with working-class Brussels residents, adding depth to the film’s perspective.

KAPITAL EUROPE offers a critical look at the precarious nature of work in a globalised metropolis. Without romanticising the experience, yet leaving room for humour and humanity, the film highlights the divide between the workers and the structures that shape their lives. Ultimately, it is a film about hope, disillusionment, and the undeniable significance of the people who power the city.

On Friday the 5th of September, director Ben De Raes and Kathy Vanhout will talk about the film after the screening.

english below

Een Franse actrice en een Japanse man beleven een korte maar intense liefdesgeschiedenis in het naoorlogse Hiroshima. Hun toevallige ontmoeting vormt de aanleiding voor een hypnotisch en fragmentarisch relaas over liefde, verlies en herinnering. In voice-over dialogeren ze over hun persoonlijke trauma’s en de collectieve littekens van de atoombom.

HIROSHIMA MON AMOUR was het langspeeldebuut van Alain Resnais en werd geschreven door Marguerite Duras, die voor haar scenario een Oscarnominatie ontving. Met zijn poëtische vertelvorm en niet-lineaire structuur geldt de film als een van de eerste werken van de Nouvelle Vague.

Naar aanleiding van de heruitgave van Duras' gelijknamige tekst in een nieuwe Nederlandse vertaling, brengen we deze klassieker opnieuw naar het grote scherm. Het boek verschijnt bij de Antwerpse uitgeverij Cosimo, gekend om haar zorgvuldig uitgegeven moderne klassiekers. Tijdens de vertoning wordt het boek feestelijk gelanceerd. Je kan het nu al hier reserveren.

De vertoning op 8 januari 2026 wordt voorafgegaan door een lezing van Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis KASKA-DKO, RITCS en INSAS, en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

ENG
The film is in French/Japanese with English subtitles

A French actress and a Japanese man share a brief but intense love affair in postwar Hiroshima. Their chance encounter unfolds into a hypnotic and fragmented reflection on love, loss, and memory. In voice-over, they speak of their personal traumas and the collective scars left by the atomic bomb.

HIROSHIMA MON AMOUR marked the feature debut of Alain Resnais and was written by Marguerite Duras, who received an Academy Award nomination for her screenplay. With its poetic narration and non-linear structure, the film is considered one of the first works of the French New Wave.

To mark the release of Duras’ eponymous text in a new Dutch translation, we are bringing this classic back to the big screen. The book is published by the Antwerp-based publishing house Cosimo, known for its carefully crafted editions of modern literary classics. During the screening, the book will be officially launched — you can pre-order it here.

The film will be preceded by a lecture at 19u00 by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS and INSAS) on the 8th of January 2026 and is included in your entrance ticket.

english below

In deze compilatie van korte pioniersfilms worden ’s werelds eerste gedocumenteerde filmpjes getoond en gekaderd. We gaan van start aan het eind van de 19de eeuw, met de Lumière broers en Edison. Zij zetten vooral in op het vastleggen van alledaagse taferelen. Daarna trekken we richting Verenigd Koninkrijk met o.a. James Williamson en William Haggar, die in hun one-reelers een eerste narratieve opzet introduceerden. Edwin S. Porter, Georges Méliès en D.W. Griffith maken de compilatie compleet met de echte overstap naar narratieve film.

De films worden live begeleid op piano door Hilde Nash.

De pionierscompilatie wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 over precinema en de pionierscinema in Europa en Amerika. De lezing wordt gegeven door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis KASKA-DKO, RITCS en INSAS en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

O.a. Lumière films, FEEDING THE DOVES, MORNING BATH, BURNING STABLE, NEW YORK SCENES, FIRE!, RESCUED BY ROVER, THE LIFE OF CHARLES PEACE, THE GREAT TRAIN ROBBERY, LE ROYAUME DES FÉES, A CORNER IN WHEAT, THE LONEDALE OPERATOR

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

ENG
The films are silent

In this compilation of short pioneer films, the world’s first documented clips and films are compiled and contextualised. We start our film historic journey at the end of the 19th century, with the Lumière Brothers and Edison. These early filmmakers mostly capture everyday scenes. In the UK, James Williamson and William Haggar are among the first to introduce an early narrative set-up in their one-reelers. Edwin S. Porter, Georges Méliès and D.W. Griffith complete this compilation with the true transition into narrative filmmaking.

The films are scored live on piano by Hilde Nash.

The screening of the compilation of pioneer films is preceded by a lecture at 19h00 on precinema and the pioneer cinema in Europe and America. The lecture is given by Wouter Hessels, professor of film history KASKA-DKO, RITCS and INSAS, and is included in your film ticket.

A.o. Lumière films, FEEDING THE DOVES, MORNING BATH, BURNING STABLE, NEW YORK SCENES, FIRE!, RESCUED BY ROVER, THE LIFE OF CHARLES PEACE, THE GREAT TRAIN ROBBERY, LE ROYAUME DES FÉES, A CORNER IN WHEAT, THE LONEDALE OPERATOR

“She might have fooled me, but she didn't fool my mother.”
Norman Bates

english below

Kantoorbediende Marion Crane zoekt naar een oplossing om haar leven weer op de rails te krijgen. Wat ze het liefste wil, is trouwen met haar verloofde Sam, maar dat gaat niet wegens geldgebrek. Wanneer ze op vrijdag 40.000 dollar in cash van haar werkgever naar de bank moet brengen, gaat ze ervandoor met het geld. Ze rijdt naar Sams huis in California, maar moet stoppen voor een regenstorm. Gelukkig stuit ze onderweg op het Bates Motel, uitgebaat door een eigenaardige jongeman en zijn dominante moeder.

Berucht om de douchescène, maar onsterfelijk gemaakt door zijn bijdrage aan het horror genre. Master of Suspense Afred Hitchcock slaagde er niet enkel in om met PSYCHO het horrorgenre op de filmhistorische kaart te zetten als een kritisch gewaardeerd filmgenre, maar ook om uitgesproken geweld en psychologisch afwijkend gedrag in Amerikaanse cinema van de jaren '60 aanvaardbaar te maken. Hitchcock maakte er een regel van om niet met sterren te werken, wegens te afleidend voor het publiek. Maar het shockeffect van Hollywoodster Janet Leigh en haar lot in de film, was te groot om te laten liggen.

“What makes PSYCHO immortal, when so many films are already half-forgotten as we leave the theater, is that it connects directly with our fears: Our fears that we might impulsively commit a crime, our fears of the police, our fears of becoming the victim of a madman, and of course our fears of disappointing our mothers.” Filmcriticus Roger Ebert geeft zijn eigen psychologische evaluatie van de film. Waar of niet, na het kijken van PSYCHO neem je gegarandeerd even een douche zonder gordijn.

P.S.: Hou zeker de ogen open voor Hitchcocks signature cameo!

Na afloop van de film gaat cafébaas, comedy coach en zelfverklaarde nerd Fokke van der Meulen in gesprek met een gast en mede-nerd over Hitchcock en PSYCHO tijdens de live FOKCAST.

PSYCHO maakt deel uit van het MOMMIE DEAREST-programma, waarin De Cinema peilt naar de kracht van moeders en onze perceptie van het ‘ideale’ moederschap in cinema.

ENG
The film is in English with Dutch subtitles

Office secretary Marion Crane is looking for a way to get her life back on track. The thing she wants most is to marry her fiancée Sam, but they can’t yet because of money trouble. When her employer gives her 40.000 dollars in cash to deposit at the bank, she runs away with the money. She drives up to Sam’s house in California, but has to take shelter from a rainstorm. Luckily, she passes the Bates Motel, run by a peculiar young man and his domineering mother.

Remembered for its shower scene, but made immortal by its elevation of the horror genre. With PSYCHO, Master of Suspense Alfred Hitchcock not only managed to put the horror genre on the filmhistoric map as a critically acclaimed film genre, but also made gory violence and psychologically deviant behaviour acceptable in American cinema of the 60s. Hitchcock made a rule not to use big stars as they were too distracting to the audience. But the shock effect of Hollywood star Janet Leigh and her fate in the film was too great to pass on.

“What makes PSYCHO immortal, when so many films are already half-forgotten as we leave the theater, is that it connects directly with our fears: Our fears that we might impulsively commit a crime, our fears of the police, our fears of becoming the victim of a madman, and of course our fears of disappointing our mothers.” Film critic gives his own psychological reflection on the movie. True or not, after watching PSYCHO, you’ll be showering without a curtain for a while.

P.S.: Keep your eyes open for Hitchcock’s signature cameo!

After the screening, bar owner, comedy coach and self-proclaimed nerd Fokke van der Meulen will invite a guest and fellow nerd to talk about Hitchcock and PSYCHO during the live FOKCAST.

PSYCHO is part of the MOMMIE DEAREST-series, where De Cinema explores the power of mothers and our perception of the ‘ideal’ motherhood in cinema.

“Well, what do you say? Shall we let the poor devils see their film?”
Alfredo

english below

Salvatore, een beroemde regisseur, keert terug naar zijn geboortedorp in Sicilië voor de begrafenis van een oude vriend, de plaatselijke filmprojectionist Alfredo. Die gebeurtenis leidt Salvatore tot mijmeringen over zijn jeugd en hoe Alfredo essentieel was in de ontwikkeling van zijn liefde voor film.

Componist Ennio Morricone spreekt als geen ander tot de harten van de cinefiel. Hoewel zijn opluistering van de spaghettiwestern Morricone’s bekendste wapenfeit is, zal zijn soundtrack bij CINEMA PARADISO nog dagenlang in je hoofd spelen. De film betekende het begin van een heropleving van de Italiaanse cinema, met o.a. de BAFTA en Oscar voor Beste Buitenlandse Film en de Grand Prix du Jury op het Filmfestival van Cannes als bekroning.

CINEMA PARADISO is deel van OPEN CINEMA, OUR CINEMA, een epische, niet te missen marathon van jullie drie meest gekozen favoriete films.

ENG
The film is in Italian with English subtitles

Salvatore, a famous director, returns to his hometown in Sicily for the funeral of an old friend, the local film projectionist Alfredo. This occasion leads Salvatore to reminisce about his childhood and how Alfredo was an essential influence in the development of his love for film.

Composer Ennio Morricone speaks to the hearts of cinephiles like no other. Even though his compositions to spaghetti westerns were his most famous, his soundtrack to CINEMA PARADISO will play in your head for days after the screening. The film jumpstarted a revival of Italian cinema, winning a.o. the BAFTA and Academy Award for Best Foreign Film and the Grand Prix du Jury at the Cannes Film Festival.

CINEMA PARADISO is part of OPEN CINEMA, OUR CINEMA, an epic, must-see marathon of your three most frequently chosen movies.

“It can only be attributable to human error.”
HAL

english below

De ontdekking van een mysterieus artificieel object onder het maanoppervlak leidt tot een queeste naar Jupiter. Met de hulp van supercomputer HAL 9000 trekt een ruimteschip met een beperkte crew erop uit om de oorsprong van het object te achterhalen.

2001: A SPACE ODYSSEY wordt vaak genoemd als de beste scififilm ooit gemaakt. Het kan niet ontkend worden dat de film sinds zijn release een enorme inspiratiebron vormde voor vele na hem. Roger Ebert schreef het mooi: “The genius is not in how much Stanley Kubrick does in the film, but in how little.” Kubrick blies het scifigenre omver met een nieuwe logica: de film hoeft niet sensationeel te zijn, maar moet in zijn geheel ontzag en inspiratie opwekken. In 2001: A SPACE ODYSSEY is het ook de muziekkeuze die dat verwezenlijkt. De klassieke muziek, zoals Richard Strauss' Also Sprach Zarathustra, tilt de film naar een hoger, haast mystiek niveau. De meesterlijke cinematografie, artistieke en filosofische diepgang betekende het begin van een nieuwe lichting intrigerende scificinema.

2001: A SPACE ODYSSEY is deel van OPEN CINEMA, OUR CINEMA, een epische, niet te missen marathon van jullie drie meest gekozen favoriete films.

ENG
The film is in English/Russian with English subtitles

The discovery of a mysterious artificial object under the lunar surface leads to a quest to Jupiter. With the aid of supercomputer HAL 9000, a spacecraft is sent out with a limited crew to discover the origins of the object.

2001: A SPACE ODYSSEY is often cited as the best sci-fi film ever made. It can’t be denied that the film has offered a lot of inspiration to many after its release. As stated by Roger Ebert: “The genius is not in how much Stanley Kubrick does in the film, but in how little.” Kubrick blew the sci-fi genre wide open with a new logic: the movie doesn’t have to be sensational, but it has to be awe-inspiring. In 2001: A SPACE ODYSSEY, it’s also the choice of music that accomplishes this. The classical music, like Richard Strauss’ Also Sprach Zarathustra, lifts the film to a higher, almost mystical level. The masterful cinematography, artistic and philosophical depth heralded the beginning of a new generation of intriguing sci-fi cinema.

2001: A SPACE ODYSSEY is part of OPEN CINEMA, OUR CINEMA, an epic, must-see marathon of your three most frequently chosen movies.

“The horror… The horror…”
Colonel Kurtz

english below

Tijdens het hoogtepunt van de Vietnamoorlog wordt U.S. Army Captain Willard op een missie gestuurd die officieel “does not exist – nor will it ever exist”. Willard moet de losgeslagen kolonel Walter Kurtz opsporen en elimineren. Hij volgt Kurtz’ spoor via de Mekong rivier naar zijn uitvalsbasis in de jungle van Cambodja.

De shoot van de film was een beproeving voor alle betrokkenen. De hopeloosheid van de Vietnamoorlog leek de cast en crew ook in de making-of te volgen. “APOCALYPSE NOW is the best Vietnam film, one of the greatest of all films, because it pushes beyond the others, into the dark places of the soul. It is not about war so much as about how war reveals truths we would be happy never to discover”, noteerde Roger Ebert. APOCALYPSE NOW rijgt de ene memorabele scène na de andere aan elkaar, met de riviertocht als rode draad. Die helse rit werd door Coppola’s echtgenote Eleanor vastgelegd in de docu HEARTS OF DARKNESS: A FILMMAKER’S APOCALYPSE (1991), ook op ons programma in oktober.

APOCALYPSE NOW is deel van OPEN CINEMA, OUR CINEMA, een epische, niet te missen marathon van jullie drie meest gekozen favoriete films.

ENG
The film is in English/French/Vietnamese with English subtitles

During the height of the Vietnam War, U.S. Army Captain Willard is sent on a mission that officially “does not exist – nor will it ever exist”. Willard has to find the renegade Colonel Walter Kurtz and eliminate him. He follows Kurtz’s trail across the Mekong River to his outpost deep in the Cambodian jungle.

The shoot of the film was an ordeal for all parties involved. The hopelessness of the Vietnam War seemed to follow the cast and crew into the making-of as well. “APOCALYPSE NOW is the best Vietnam film, one of the greatest of all films, because it pushes beyond the others, into the dark places of the soul. It is not about war so much as about how war reveals truths we would be happy never to discover”, noted Roger Ebert. APOCALYPSE NOW strings together one memorable scene after the other, with the river journey as its common thread. That hellish journey was captured by Coppola’s wife Eleanor in the documentary HEARTS OF DARKNESS: A FILMMAKER’S APOCALYPSE (1991), also on our programme in October.

APOCALYPSE NOW is part of OPEN CINEMA, OUR CINEMA, an epic, must-see marathon of your three most frequently chosen movies.

english below

Fritz Lang vervoert ons in de stille film DER MÜDE TOD naar “Some Time and Some Place”, waar een jong koppel gelukkig samen onderweg is in een koets. Ze geven een vreemdeling een lift naar het nabijgelegen dorp, niet wetende dat de man de Dood zelf is. Wanneer het koppel in de plaatselijke herberg stopt, wordt de jongeman ontvoerd door de Dood en samen met andere geesten afgezonderd achter een grote muur. De jonge vrouw is ontroostbaar. Na onophoudelijk zoeken, vindt ze een mystieke toegang tot wat zich achter de muur bevindt, maar wordt tegengehouden door de Dood. Hij vertelt haar drie verhalen, waarin een vrouw haar geliefde tracht te redden van een tragisch lot, maar faalt. De Dood stelt de vrouw voor een onmogelijke keuze: een andere ziel in ruil voor het leven van haar geliefde, of hem nooit meer terugzien.

Met fans van het eerste uur Alfred Hitchcock en Luis Buñuel kan de film geen betere woordvoerders vinden. Buñuel beschouwde DER MÜDE TOD als de trigger voor zijn eigen fascinatie met cinema: “Something about this film spoke to something deep in me. It clarified my life and my vision of the world.”

Regisseur Fritz Lang maakte de film in rouw kort na zijn moeders dood. DER MÜDE TOD werd niet enkel een van de technisch meest indrukwekkende parels uit stille cinema, maar ook een van de meest doordachte en empathische visies op sterfelijkheid. Voor Lang is de Dood samengesteld uit horror én liefde, een beeld dat frequent terugkeerde in zijn omvangrijke filmografie.

Gitarist en componist Menno Buggenhout voorziet de film live van een nieuwe soundtrack, die Langs spookachtig mooie stille fabel meer dan ooit van het witte doek doet daveren.

De film wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 over het Duitse filmexpressionisme en haar invloed (1919-1933) door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis KASKA-DKO, RITCS en INSAS en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

ENG
The film is silent with English intertitles

In the silent film DER MÜDE TOD, Fritz Lang transports us to “Some Time and Some Place”, where a young couple in love is happily travelling along a country road. They pick up a hitchhiker and give him a ride to the nearby town, not knowing that the man is Death himself. When the couple stops to rest in the local inn, the young man is abducted by Death and together with other ghosts, he is sequestered behind a high wall. The young woman is inconsolable. After a relentless search, she finds a mystical entrance to what’s behind the wall, but she’s stopped by Death. He tells her three stories in which a woman tries to save her beloved from a tragic fate, but fails. Death offers the woman an impossible choice: another soul in exchange for her beloved’s life, or never to see him again.

With fans of the first hour, Alfred Hitchcock and Luis Buñuel, the film couldn’t have had any better spokespersons. Buñuel considered DER MÜDE TOD to be the film that triggered his own fascination with cinema: “Something about this film spoke to something deep in me. It clarified my life and my vision of the world.”

Director Fritz Lang created the film in mourning after the death of his mother. DER MÜDE TOD not only became one of silent cinema’s technically most impressive works, but also became one of the most thoughtful and empathetic visions of mortality. To Lang, Death is built out of horror and love, an image which frequently returned in his extensive filmography.

Guitarist and composer Menno Buggenhout will perform a new soundtrack to Lang’s hauntingly beautiful silent fable.

The film will be preceded by a lecture (in Dutch) on German film expressionism and its influence (1919-1933) at 19h00 by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS, and INSAS), and is included in your entrance ticket.

english below

Een close-up van een oog door een cameralens. Een cameraman die boven een stad lijkt te zweven. Een opeenvolging van wat lijkt op de ene superimpositie na de andere. Dat is Dziga Vertovs MAN WITH A MOVIE CAMERA in een notendop. Maar valt de avant-garde stille Sovjetfilm überhaupt wel samen te vatten? De film volgt een man met een camera, terwijl die het stadsleven rondom zich capteert in Moskou en Odessa. Van experimentele documentaire tot kunstfilm en stadssymfonie, menig criticus heeft geprobeerd de film te doorgronden. Maar het blijft moeilijk om een stempel te drukken op MAN WITH A MOVIE CAMERA.

Gelukkig is daar een even groot enigma – maar dan muzikaal – in de vorm van multi-instrumentalist en componist Dijf Sanders die de film live in zijn eigen taal zal interpreteren en zo een originele soundtrack brengt bij MAN WITH A MOVIE CAMERA. De Gentse artiest specialiseert zich in experimentele muziek, sound design en field recording binnen een grenzeloze mix van stijlen en multiculturele invloeden. Net als Vertov exploreert Sanders steeds de mogelijkheden en flirt hij met de limieten van zijn medium. Samenwerkingen met Warhaus, Sylvie Kreusch, Matthias De Craene’s MDC III en Wim Vandekeybus (Die Bakchen – Lasst uns tanzen), zijn maar enkele van de verwezenlijkingen op zijn palmares, net als zijn succesvolle solo albums.

Benieuwd naar wat soundtrance, eclectische beats en mantratechno worden wanneer ze samensmelten met een filmisch meesterwerk? Op donderdag 30 oktober om 20u00 te ontdekken in de concertzaal van De Studio.

MAN WITH A MOVIE CAMERA schuwt het narratieve. Alles wat de film wil zeggen, zegt hij binnen het medium van cinema. Vertov ging in zijn absolute auteurschap zelfs verder, en deed de beroemde uitspraak “I am the camera eye. I am the mechanical eye. I am the machine which shows you the world as only I can see it.”

De absurde composities en gemanipuleerde acties, met trick cuts en gekantelde frames, maakten Vertov beroemd. Maar het is de montage van Vertovs echtgenote Yelizaveta Svilova, die de film zo iconisch maakt. De regisseur werkte daarnaast niet enkel samen met Svilova, maar ook met zijn broer en cinematograaf Mikhail Kaufman. Samen proclameerde het trio aan het begin van hun meesterwerk dat ze erop uit waren om “a truly authentically international language of cinema” te creëren, “based on its absolute separation from the language of theatre and literature”.

Net zoals het bekendere Dogma 95 – waaraan we van september tot oktober een programma wijden (zie het volledige Dogma 95 programma i.s.m. Bozar) – schreef Vertov zijn eigen manifesto over wat een ‘echte film’ moet zijn. Bij de officiële release van MAN WITH A MOVIE CAMERA voegde Vertov een verklaring toe aan het begin van de film:

“Een echte film representeert een experiment binnen de cinematografische communicatie van visuele fenomenen. Zonder het gebruik van tussentitels. Zonder de hulp van een scenario. Zonder de hulp van theater.”

Voor Vertov is het de vernieuwende filmtechnologie die bepaalt wat er gebeurt, niet de regisseur, niet het scenario en niet de acteurs of sets.

Hij moest eens weten dat de touwtjes van deze vertoning helemaal in handen worden gelegd van de multi-getalenteerde Dijf Sanders in zijn muzikale ontdekkingstocht van dit filmisch meesterwerk. Een samenwerking tussen De Cinema en De Studio onder RE/SCORED.

ENG
Silent film with English subtitles

A close-up of an eye through a camera lens. A cameraman who seems to be floating above a city. A sequence of what seems to be one superimposition after the other. That’s Dziga Vertov’s MAN WITH A MOVIE CAMERA in a nutshell. But is it even possible to summarise the avant-garde silent Soviet movie? The film follows a man with a camera, while he captures the city life around him in Moscow and Odessa. From experimental documentary to art film and city symphony, many critics have tried to analyse the film. But it remains difficult to pinpoint what exactly is MAN WITH A MOVIE CAMERA.

Luckily we can call upon an equally great enigma – but this time musically – in the shape of multi-instrumentalist and composer David ‘Dijf’ Sanders, who will interpret the film live in his own language and will perform an original soundtrack to MAN WITH A MOVIE CAMERA. The Ghent-based artist specialises in experimental music, sound design and field recording in a boundless mix of styles and multicultural influences. Much like Vertov, Sanders uses his medium to explore the possibilities of its abilities. Collaborations with Warhaus, Sylvie Kreusch, Matthias De Craene’s MDC III and Wim Vandekeybus (Die Bakchen – Lasst uns tanzen), are only a few of the feathers in his cap, just like his successful solo albums.

Wondering what sound trance, eclectic beats, mantra style techno fused together with a cinematic masterpiece can become? On Thursday the 30th of October at 8 p.m. in the concert hall of De Studio.

MAN WITH A MOVIE CAMERA renounces the narrative. Everything the movie wants to say, it says through the medium of film. Vertov went even further in his absolute authorship, and made the famous statement “I am the camera eye. I am the mechanical eye. I am the machine which shows you the world as only I can see it.”

The absurd compositions and manipulated actions, with trick cuts and tilted frames, made Vertov famous. But it’s the montage by Vertov’s wife Yelizaveta Svilova, which made the film so iconic. In addition to Svilova, Vertov also worked with his brother and cinematographer Mikhail Kaufman. Together, the trio proclaimed at the beginning of their masterpiece that they were looking to create “a truly authentically international language of cinema” that was “based on its absolute separation from the language of theatre and literature”.

Just like the more well-known Dogma 95 – which we dedicate a programme to from September to October 2025 (check the complete Dogma 95 programme in collaboration with Bozar) – Vertov wrote his own manifesto about what a ‘real film’ should be. Upon the official release of MAN WITH A MOVIE CAMERA, Vertov issued a statement at the beginning of the film, which read:

“A real film represents an experimentation in the cinematic communication of visual phenomena. Without the use of intertitles. Without the help of a scenario. Without the help of theatre.”

To Vertov the innovative film technology is the one to call the shots, not the director, nor the screenplay, or the actors and sets.

If only he knew that the multi-talented Dijf Sanders is pulling the strings of this screening in a musical exploration of a filmic masterpiece. A collaboration with De Cinema and De Studio as part of our RE/SCORED series.

english below

Exact twee jaar geleden lanceerden curatoren Jonas Govaerts en Kwinten Scheepers STUDIODROME met een Halloweenvertoning van RETURN OF THE LIVING DEAD. Voor de eerstvolgende editie selecteerde het cinefiele duo opnieuw een klassieker uit de hoogdagen der horror: EVIL DEAD 2 van Sam Raimi.

Waar deel één nog pure splatter was, voegde Raimi in de sequel een stevige scheut slapstick toe: het splatstick-genre was geboren. “Toen ik op mijn zestiende EVIL DEAD 2 ontdekte, besefte ik dat er maar één ding nóg leuker was dan films kijken,” aldus Govaerts. “Zelf films maken!” Het is Halloween, dus verwacht u naast de film tevens aan een demonisch drankspel, een sinister mini-concert en een bezeten verkleedwedstrijd. Dresscode: groovy!

ENG
The film is in English without subtitles

Exactly two years ago, curators Jonas Govaerts and Kwinten Scheepers launched STUDIODROME with a Halloween screening of RETURN OF THE LIVING DEAD. For the next edition, the cinephile duo selected another classic from the heyday of horror: EVIL DEAD 2 by Sam Raimi.

Where part one consisted of pure splatter, Raimi added a good dash of slapstick in the sequel: the splatstick genre was born.  “When I discovered EVIL DEAD 2 at sixteen, I realized only one thing was even more fun than watching movies,” according to Govaerts. “Making movies!” It’s Halloween, so in addition to the film, you can expect a demonic drinking game, a sinister mini concert and a haunted costume contest. Dress code: groovy!

english below

De Amerikaanse toeriste Nancy Worthington is op rondreis in Parijs. Wanneer ze na een museumbezoek samen met de jonge Franse edelman Robert de Belleconte wordt opgesloten in het museum, worden ze verliefd. Maar de jongeman is sinds zijn geboorte verloofd met iemand die zijn ouders voor hem uitkozen en staat op het punt te trouwen. Om de familienaam te beschermen moet Robert de verloving respecteren. Nancy daarentegen voelt zich niet gebonden tot sociale restricties en werkt een plan uit "to get her man".

De film werd geregisseerd door Dorothy Arzner, een van de weinige vrouwelijke regisseurs met een carrière die zowel stille films als geluidsfilms omvatte. Met uitzondering van Lois Weber, was Arzner de enige vrouw in de regisseursstoel in Hollywood bij de start van haar carrière in 1927 tot haar pensioen in 1943. Zoals zo vaak met mensen die hun tijd vooruit zijn, keek Arzner met andere ogen naar sociale vraagstukken van haar tijd. Gender, vrouwelijkheid en vrouwelijke seksualiteit speelden een belangrijke rol in haar pionierswerk. Arzner koos er geregeld voor om in haar films de sociale verwachtingen van vrouwen om te keren, waardoor haar vrouwelijke personages solidariteit vinden bij elkaar en zeggenschap krijgen over hun eigen levens. Flapper icoon, original It Girl en steractrice Clara Bow is in GET YOUR MAN de verpersoonlijking van Arzners vrouwbeeld.

Pianist Noah Van den Abeele zal live een soundtrack improviseren bij de film.

ENG
The film is silent with English intertitles

American tourist Nancy Worthington is travelling in Paris. When she gets locked into a museum overnight with the young nobleman Robert de Belleconte, they fall in love. But the young man is betrothed to someone his parents picked for him, and he is about to get married. In order to protect the family name, Robert has to marry. However, Nancy does not feel restricted by social norms and devises a plan to “get her man”.

The film was directed by Dorothy Arzner, one of the few women directors with a career that spanned silent and sound films. With the exception of Lois Weber, Arzner was the only woman in the directorial chair in Hollywood at the start of her career in 1927 until her retirement in 1943. As often is the case with people ahead of their time, Arzner looked at the social questions of her time with different eyes. Gender, femininity and female sexuality played an important part in her pioneering work. Arzner wanted to switch up the expectations society had of women, so they would be able to find solidarity with each other and have control over their own lives. Flapper icon, original It Girl and movie star Clara Bow becomes the embodiment of Arzner’s female image in GET YOUR MAN.

Pianist Noah Van den Abeele will improvise a live soundtrack to accompany the film.

“Mededogen, empathie en licht in de duisternis.” “Misschien wel de warmste van alle Dardenne-films.” “Waarachtigheid drijft ten alle tijden boven, in de wendingen van deze levens en de pure vertolkingen van de actrices”, zo prijzen HUMO, De Morgen en De Standaard de nieuwste film van de broers Dardenne. Met de winst van Beste Scenario op het Filmfestival van Cannes, verwondert het regisseursduo in hun 13de film naar goede gewoonte met een tedere en humanistische blik op de hedendaagse maatschappij. Opnieuw werken de broers met onervaren, maar overtuigende acteurs, raken ze een prangend maatschappelijk thema aan en laten ze hun camera ongehinderd de scènes aftasten.

Jessica, Perla, Julie, Ariane en Naïma verblijven in een opvangcentrum voor jonge moeders, waar ze hulp krijgen om hun nieuwe leven met een kind op te bouwen. De vijf tienermeisjes delen lief en leed met elkaar, maar vooral ook de hoop op een beter leven voor zichzelf en hun kind. Met ieder een eigen verhaal, eigen zorgen en dromen, zijn het de gedeelde ervaringen en samenhorigheid die hun leven verlichten.

Na de vertoning op 7 mei 2026 gaat filmhistoricus Wouter Hessels in gesprek met Luc Dardenne.

JEUNES MÈRES maakt deel uit van het MOMMIE DEAREST-programma, waarin De Cinema peilt naar de kracht van moeders en onze perceptie van het ‘ideale’ moederschap in cinema. De vertoningen in september sluiten aan bij SCH/OUDERS, een festival over de kracht van ouderschap in de samenleving.