FILM CLASS

english below

In deze compilatie van korte pioniersfilms worden ’s werelds eerste gedocumenteerde filmpjes getoond en gekaderd. We gaan van start aan het eind van de 19de eeuw, met de Lumière broers en Edison. Zij zetten vooral in op het vastleggen van alledaagse taferelen. Daarna trekken we richting Verenigd Koninkrijk met o.a. James Williamson en William Haggar, die in hun one-reelers een eerste narratieve opzet introduceerden. Edwin S. Porter, Georges Méliès en D.W. Griffith maken de compilatie compleet met de echte overstap naar narratieve film.

De films worden live begeleid op piano door Hilde Nash.

De pionierscompilatie wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 over precinema en de pionierscinema in Europa en Amerika door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis (KASKA-DKO, RITCS, INSAS), en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

O.a. Lumière films, FEEDING THE DOVES, MORNING BATH, BURNING STABLE, NEW YORK SCENES, FIRE!, RESCUED BY ROVER, THE LIFE OF CHARLES PEACE, THE GREAT TRAIN ROBBERY, LE ROYAUME DES FÉES, A CORNER IN WHEAT, THE LONEDALE OPERATOR

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

ENG
The films are silent with Dutch intertitles

In this compilation of short pioneer films, the world’s first documented clips and films are compiled and contextualised. We start our film historic journey at the end of the 19th century, with the Lumière Brothers and Edison. These early filmmakers mostly capture everyday scenes. In the UK, James Williamson and William Haggar are among the first to introduce an early narrative set-up in their one-reelers. Edwin S. Porter, Georges Méliès and D.W. Griffith complete this compilation with the true transition into narrative filmmaking.

The films are scored live on piano by Hilde Nash.

The screening will be preceded by a lecture (in Dutch) at 19h00 on precinema and the pioneer cinema in Europe and America by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS, and INSAS) and is included in your entrance ticket.

A.o. Lumière films, FEEDING THE DOVES, MORNING BATH, BURNING STABLE, NEW YORK SCENES, FIRE!, RESCUED BY ROVER, THE LIFE OF CHARLES PEACE, THE GREAT TRAIN ROBBERY, LE ROYAUME DES FÉES, A CORNER IN WHEAT, THE LONEDALE OPERATOR

With our FILM CLASS PASS, you can attend all screenings and lectures of the film historic season at a reduced rate.

english below

Het melodrama SHOES volgt een winkelmeisje dat zo arm is dat ze geen schoenen kan kopen, en zo in de verleiding komt om zich te prostitueren. Ze wordt ziek doordat ze met haar kapotte schoenen door de regen loopt. Uiteindelijk zwicht ze voor een aanbod van een man in het cabaret The Blue Goose. De volgende avond gaat ze met hem naar een 'Flat for rent'.

Lois Weber was de meest succesvolle vrouwelijke filmmaker van haar tijd en van grote invloed op de stille cinema. Ze regisseerde en schreef veel baanbrekende films - drama's waarin sociale en politieke kritieken werden gecombineerd met persoonlijke verhaallijnen. Haar beste films waren lang niet beschikbaar of in slechte staat. Deze nieuwe EYE restauratie van Lois Webers baanbrekende melodrama over een arm winkelmeisje wordt live op piano begeleid door Noah Vanden Abeele.

De film wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 over stille Amerikaanse cinema door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis (KASKA-DKO, RITCS, INSAS), en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

ENG
The film is silent with English subtitles

The melodrama SHOES tells the story of a shopgirl that is too poor to buy a pair of shoes and is tempted to prostitute herself to get money. She falls ill after walking in the rain with her broken pair of shoes. In the end, she accepts the offer of a man she meets in The Blue Goose club. The next evening, she follows him to a 'Flat for rent'.

Lois Weber was the most successful female filmmaker of her time and a major influence on silent cinema. She directed and scripted many ground-breaking films – dramas that combined social and political critique with personal storylines. Her best films were long unavailable or else in poor condition. We’re screening the new EYE restoration of Lois Weber’s pioneering melodrama about a poor shop girl with live music by pianist Noah Vanden Abeele.

The film will be preceded by a lecture (in Dutch) at 19h00 on silent American cinema by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS, and INSAS) and is included in your entrance ticket.

With our FILM CLASS PASS, you can attend all screenings and lectures of the film historic season at a reduced rate.

english below

Fritz Lang vervoert ons in de stille film DER MÜDE TOD naar “Some Time and Some Place”, waar een jong koppel gelukkig samen onderweg is in een koets. Ze geven een vreemdeling een lift naar het nabijgelegen dorp, niet wetende dat de man de Dood zelf is. Wanneer het koppel in de plaatselijke herberg stopt, wordt de jongeman ontvoerd door de Dood en samen met andere geesten afgezonderd achter een grote muur. De jonge vrouw is ontroostbaar. Na onophoudelijk zoeken, vindt ze een mystieke toegang tot wat zich achter de muur bevindt, maar wordt tegengehouden door de Dood. Hij vertelt haar drie verhalen, waarin een vrouw haar geliefde tracht te redden van een tragisch lot, maar faalt. De Dood stelt de vrouw voor een onmogelijke keuze: een andere ziel in ruil voor het leven van haar geliefde, of hem nooit meer terugzien.

Met fans van het eerste uur Alfred Hitchcock en Luis Buñuel kan de film geen betere woordvoerders vinden. Buñuel beschouwde DER MÜDE TOD als de trigger voor zijn eigen fascinatie met cinema: “Something about this film spoke to something deep in me. It clarified my life and my vision of the world.”

Regisseur Fritz Lang maakte de film in rouw kort na zijn moeders dood. DER MÜDE TOD werd niet enkel een van de technisch meest indrukwekkende parels uit stille cinema, maar ook een van de meest doordachte en empathische visies op sterfelijkheid. Voor Lang is de Dood samengesteld uit horror én liefde, een beeld dat frequent terugkeerde in zijn omvangrijke filmografie.

Gitarist en componist Menno Buggenhout voorziet de film live van een nieuwe soundtrack, die Langs spookachtig mooie stille fabel meer dan ooit van het witte doek doet daveren.

De film wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 over het Duitse filmexpressionisme en haar invloed (1919-1933) door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis (KASKA-DKO, RITCS, INSAS), en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

ENG
The film is silent with English intertitles

In the silent film DER MÜDE TOD, Fritz Lang transports us to “Some Time and Some Place”, where a young couple in love is happily travelling along a country road. They pick up a hitchhiker and give him a ride to the nearby town, not knowing that the man is Death himself. When the couple stops to rest in the local inn, the young man is abducted by Death and together with other ghosts, he is sequestered behind a high wall. The young woman is inconsolable. After a relentless search, she finds a mystical entrance to what’s behind the wall, but she’s stopped by Death. He tells her three stories in which a woman tries to save her beloved from a tragic fate, but fails. Death offers the woman an impossible choice: another soul in exchange for her beloved’s life, or never to see him again.

With fans of the first hour, Alfred Hitchcock and Luis Buñuel, the film couldn’t have had any better spokespersons. Buñuel considered DER MÜDE TOD to be the film that triggered his own fascination with cinema: “Something about this film spoke to something deep in me. It clarified my life and my vision of the world.”

Director Fritz Lang created the film in mourning after the death of his mother. DER MÜDE TOD not only became one of silent cinema’s technically most impressive works, but also became one of the most thoughtful and empathetic visions of mortality. To Lang, Death is built out of horror and love, an image which frequently returned in his extensive filmography.

Guitarist and composer Menno Buggenhout will perform a new soundtrack to Lang’s hauntingly beautiful silent fable.

The film will be preceded by a lecture (in Dutch) at 19h00 on German film expressionism and its influence (1919-1933) by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS, and INSAS) and is included in your entrance ticket.

With our FILM CLASS PASS, you can attend all screenings and lectures of the film historic season at a reduced rate.

MISÈRE AU BORINAGE (Henri Storck & Joris Ivens - BE 1934 - 36' NL/FR TUSSENTITELS)
“Crisis in de kapitalistische wereld. Fabrieken worden gesloten, verlaten. Miljoenen proletariërs lijden honger!” Met die manifest- en revolutiewoorden opent de eerste film in dit genre in de Belgische cinema, één van de belangrijkste referenties van de documentaire film. In 1932 legde een grote staking de Waalse steenkoolontginningen lam. Het antwoord van de patroons en de politie was genadeloos en de rest van het land zag dit gebeuren in een toestand van onverschilligheid omdat er geen informatie over gedeeld werd. André Thirifays, Piet Vermeylen en alle verontwaardigde jongeren van de Club de l’écran besloten over deze zwarte ellende getuigenis te brengen met hun wapen, een camera.

DÉJÀ S'ENVOLE LA FLEUR MAIGRE (Paul Meyer - BE 1960 - 87' NL OT)
Wat een documentaire moest worden over het progressieve België en haar migratiepolitiek, veranderde in iets helemaal anders. Regisseur Paul Meyer was geraakt door wat hij zag in de mijnregio van de Borinage en besloot om het geld dat hij had gekregen van de Belgische regering om een propagandafilm te maken, te gebruiken om te tonen hoe het er echt aan toeging. De belofte van een beter leven voor de immigranten, dat de Belgische regering zo graag wilde tonen, was nergens te bespeuren. In de plaats daarvan toont Meyer de realiteit van het leven in Borinage, met enorme werkloosheid en een heersend gevoel van heimwee en ontheemding.

De films worden voorafgegaan door een lezing om 19u00 over de Belgische documentaire cinema door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis (KASKA-DKO, RITCS, INSAS), en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

english below

Tennisster Guy Haines is ongelukkig getrouwd en hoopt op een snelle scheiding, maar zijn vrouw weigert. Op een treinrit ontmoet hij de psychopathische Bruno Antony, die hem onder lichte dwang een theorie uitlegt over hoe je kan wegkomen met moord. Zijn plan is simpel: twee mensen die elkaar niet kennen, vermoorden de persoon die de andere uit de weg wilt. Zonder motief en met een alibi kan de schuld nooit bij hen gelegd worden. Bruno stelt voor de vrouw van Guy uit de weg te ruimen, als hij Bruno’s vader naar de andere wereld zou helpen. Hoewel Guy de ‘deal’ weigert, voert Bruno toch zijn helft van het plan uit. Wanneer Guy zijn deel van de ‘afspraak’ niet nakomt, maakt Bruno hem het leven zuur.

De film wordt 27 november voorafgegaan door een lezing om 19u00 over Hitchcock en Hollywoodcinema door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis (KASKA-DKO, RITCS, INSAS), en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

Na de vertoning van 7 december volgt een nagesprek & live podcast met Fokke van der Meulen.

ENG
The film is in English with Dutch subtitles

Tennis star Guy Haines is unhappily married and wants a quick divorce, but his wife refuses. On a train ride, he meets the psychopath Bruno Antony, who forcibly explains his theory on how to get away with murder. His plan is simple: two strangers kill the person the other one wants gone. Without a motive and with an alibi, the blame can never be placed on them. Bruno suggests to Guy that he could kill his wife for him, if he kills Bruno’s father. Even though Guy refuses the ‘deal’, Bruno goes ahead and carries out his part of the plan. When Guy doesn’t fulfil his part of the ‘bargain’, Bruno tries to ruin his life.

27 November, the film will be preceded by a lecture (in Dutch) at 19h00 on Hitchcok and Hollywood cinema by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS, and INSAS) and is included in your entrance ticket.

With our FILM CLASS PASS, you can attend all screenings and lectures of the film historic season at a reduced rate.

Following the screening of 7 December, Fokke van der Meulen moderates an aftertalk (in Dutch) and a live podcast.

english below

Geen stad en actrice zijn zo onlosmakelijk met elkaar verbonden als Rome en Anna Magnani. De Italiaanse steractrice gaf door iconische rollen leven aan Rome en haar inwoners en wist met de iconische achtervolgingssequentie in ROMA CITTÀ APERTA (Roberto Rossellini, 1945) de doem van de Duitse bezetting als geen ander te vatten. In MAMMA ROMA verlengt Pasolini deze mythische verwevenheid van vrouw en plek door Magnani als symbool te laten staan voor het kapitalistische vagevuur van naoorlogs Rome.

Magnani speelt in de film een prostituee die ’s nachts door de straten van de metropool doolt. Op zoek naar een beter leven voor haar zoon probeert ze een andere job te vinden, maar botst steeds opnieuw op vooroordelen en weerstand van de conservatieve Italiaanse samenleving. Ondanks haar pogingen om ‘eerlijk’ haar brood te verdienen, blijft haar verleden haar achtervolgen. Ze doet er alles aan om haar 16-jarige zoon Ettore te behoeden van de gewelddadige onderwereld, maar het lot in het troosteloze Rome lijkt hen anders gezind.

In lijn met zijn politieke en thematische interesses, presenteert Pasolini in MAMMA ROMA een lappendeken aan verloren zielen, die strijden voor hun overleving in een met beton overdekte woestenij. We tonen de film als eerbetoon voor Pasolini, met oog op het 50ste jubileum van zijn dood.

Tijdens de vertoning op 11 december wordt MAMMA ROMA voorafgegaan door kortfilm STENDALI (1960) van Cecilia Mangini, waarvoor Pasolini samen met haar het scenario schreef. Deze vertoning wordt ook voorafgegaan door een lezing om 19u00 over het Italiaans neorealisme door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis (KASKA-DKO, RITCS, INSAS), en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

MAMMA ROMA maakt deel uit van het MOMMIE DEAREST-programma, waarin De Cinema peilt naar de kracht van moeders en onze perceptie van het ‘ideale’ moederschap in cinema.

ENG
The film is in Italian with English subtitles

No city or actress are as intertwined as Rome and Anna Magnani. The Italian star actress embodied Rome and her inhabitants and knew how to capture the doom of the German occupation like no other in the iconic chase scene in ROMA CITTÀ APERTA (Roberto Rossellini, 1945). In MAMMA ROMA, Pasolini uses this mythical interrelation between woman and place by having Magnani become a symbol for the capitalistic limbo that was post-war Rome.

In the film, Magnani portrays a prostitute who wanders the streets of the metropolis at night. In search of a better life for her son, she tries to find another job, but collides with prejudice and resistance of the conservative Italian society. Despite her efforts to make an ‘honest’ living, her past continues to haunt her. She does everything she can to protect her son from the violent underworld, but fate and the desolate Rome seem to be of a different mind.

In line with his political and thematic interests, Pasolini presents a patchwork of lost souls in MAMMA ROMA, who are fighting for their survival in the concrete desert of Rome. We screen the film in light of the 50th anniversary of Pasolini’s passing.

During the screening on the 11th of December, MAMMA ROMA will be accompanied by short film STENDALI (1960) by Cecilia Mangini, who co-wrote the screenplay to her film together with Pasolini. The film will also be preceded by a lecture (in Dutch) at 19h00 on Italian neorealism by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS, and INSAS) and is included in your entrance ticket.

With our FILM CLASS PASS, you can attend all screenings and lectures of the film historic season at a reduced rate.

MAMMA ROMA is part of the MOMMIE DEAREST-series, where De Cinema explores the power of mothers and our perception of the ‘ideal’ motherhood in cinema.

english below

Een Franse actrice en een Japanse man beleven een korte maar intense liefdesgeschiedenis in het naoorlogse Hiroshima. Hun toevallige ontmoeting vormt de aanleiding voor een hypnotisch en fragmentarisch relaas over liefde, verlies en herinnering. In voice-over dialogeren ze over hun persoonlijke trauma’s en de collectieve littekens van de atoombom.

HIROSHIMA MON AMOUR was het langspeeldebuut van Alain Resnais en werd geschreven door Marguerite Duras, die voor haar scenario een Oscarnominatie ontving. Met zijn poëtische vertelvorm en niet-lineaire structuur geldt de film als een van de eerste werken van de Nouvelle Vague.

Naar aanleiding van de heruitgave van Duras' gelijknamige tekst in een nieuwe Nederlandse vertaling, brengen we deze klassieker opnieuw naar het grote scherm. Het boek verschijnt bij de Antwerpse uitgeverij Cosimo, gekend om haar zorgvuldig uitgegeven moderne klassiekers. Tijdens de vertoning van 16 september wordt het boek feestelijk gelanceerd. Je kan het nu al hier reserveren.

De vertoning op 8 januari wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 over de Franse Nouvelle Vague door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis (KASKA-DKO, RITCS, INSAS), en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

ENG
The film is in French/Japanese with English subtitles

A French actress and a Japanese man share a brief but intense love affair in postwar Hiroshima. Their chance encounter unfolds into a hypnotic and fragmented reflection on love, loss, and memory. In voice-over, they speak of their personal traumas and the collective scars left by the atomic bomb.

HIROSHIMA MON AMOUR marked the feature debut of Alain Resnais and was written by Marguerite Duras, who received an Academy Award nomination for her screenplay. With its poetic narration and non-linear structure, the film is considered one of the first works of the French New Wave.

To mark the release of Duras’ eponymous text in a new Dutch translation, we are bringing this classic back to the big screen. The book is published by the Antwerp-based publishing house Cosimo, known for its carefully crafted editions of modern literary classics. During the screening of 16 September, the book will be officially launched — you can pre-order it here.

The screening of 8 January will be preceded by a lecture (in Dutch) at 19h00 on the French Nouvelle Vague by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS, and INSAS) and is included in your entrance ticket.

With our FILM CLASS PASS, you can attend all screenings and lectures of the film historic season at a reduced rate.

english below

Een gevierde actrice (Liv Ullmann), die herstelt van een zenuwinzinking, en niet meer spreekt of beweegt, ontwikkelt een intense relatie met de verpleegster (Bibi Andersson) die haar verzorgt. Regisseur Ingmar Bergman onderzoekt in dit introspectieve psychologische drama wat menselijkheid en persoonlijke identiteit betekenen en hoe deze in elkaar kunnen overvloeien. PERSONA is een bewijs van Bergmans liefde voor de meesters van de Zweedse stille cinema. De regisseur omarmt de stilte in zijn iconische beelden, die vaak meer zeggen dan woorden.

Bergman sprak nooit over de betekenis van PERSONA omdat hij het belangrijk vond dat het publiek een eigen conclusie trok. Schrijfster Susan Sontag beschouwde de film als een van de beste ooit gemaakt in haar recensie van de film voor Sight and Sound. “My own view is that, even when turned into a ‘story’, this prevailing account of PERSONA grossly oversimplifies and misrepresents. (…) With PERSONA, it’s the temptation to invent more ‘story’ that has to be resisted.” Bergman kenner en criticus Peter Cowie schreef over de film dat “Everything one says about PERSONA may be contradicted, the opposite will also be true”. Er zit dus niets anders op dan de film met je eigen ogen te komen bekijken.

De film wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 over de Europese cinema van de jaren zestig door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis (KASKA-DKO, RITCS, INSAS), en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

ENG
The film is in Swedish with Dutch subtitles

A celebrated actress (Liv Ullmann), who is recovering from a nervous breakdown and no longer speaks or moves, develops an intense relationship with the nurse (Bibi Andersson) who is taking care of her. In this introspective psychological drama, director Ingmar Bergman examines the meaning of humanity and personal identity and how they can flow into each other. PERSONA is proof of Bergman’s devotion to the masters of Swedish silent cinema. The director embraces silence in his iconic images, which often speaks louder than words.

Bergman never spoke about the meaning of PERSONA, because he thought it was important for the audience to make their own conclusions. Writer Susan Sontag considered the film to be one of the best ever made in her review of the film for Sight and Sound. “My own view is that, even when turned into a ‘story’, this prevailing account of PERSONA grossly oversimplifies and misrepresents. (…) With PERSONA, it’s the temptation to invent more ‘story’ that has to be resisted.” Bergman scholar and film critic Peter Cowie wrote that “Everything one says about PERSONA may be contradicted, the opposite will also be true”. So, there’s nothing else to it but to come and watch the film for yourself.

The film will be preceded by a lecture (in Dutch) at 19h00 on European cinema of the 1960s by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS, and INSAS) and is included in your entrance ticket.

With our FILM CLASS PASS, you can attend all screenings and lectures of the film historic season at a reduced rate.

english below

Braziliaans regisseur Glauber Rocha vertelt in BARRAVENTO het verhaal van arme vissers in het dorpje Bahia. Wat ze vissen, wordt aan een spotprijsje verkocht aan een baas die langskomt vanuit de stad. Firmino is een boer die na enkele jaren is teruggekeerd uit de stad. Hij probeert de vissers te laten begrijpen waarom ze arm blijven en wil hen bevrijden van mysticisme, wat hij beschouwt als een middel voor politieke en sociale onderdrukking. In zijn overtuiging om het dorp uit de armoede te halen, stoot hij op bijgeloof. Het dorpshoofd Aruã, die toegewijd is aan Yemanjá, de patroonheilige van de zee, wordt door Firmino op het slechte pad geleid. Met tragische gevolgen van dien.

Rocha was een van de voortrekkers van de Cinéma Nôvo, een filmbeweging die nieuw leven blies in de Braziliaanse cinema van de jaren 60 en die de socio-politieke problemen in Brazilië aankaart. BARRAVENTO is een van de belangrijkste films van de Cinéma Nôvo-beweging. Rocha’s werk is beïnvloed door de volksverhalen en tradities van Brazilië, vaak in combinatie met uitgebreid onderzoek en politiek activisme. 

De film wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 over de Cinéma Nôvo door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis (KASKA-DKO, RITCS, INSAS), en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

ENG
The film is in Portuguese with English subtitles

In BARRAVENTO, Brazilian director Glauber Rocha tells the story of poor fishermen in the village of Bahia. Whatever they catch in a day, they sell for next to nothing to a boss who comes down from the city. Firmino is a farmer who has returned from the city after several years. He tries to teach the fishermen why they stay poor and wants to free them from mysticism, which he considers to be a tool of political and social repression. In his conviction to save the village from poverty, he comes up against superstition. The village chief Aruã, who is consecrated to Yemanjá, the patron saint of the sea, is led down a bad path by Firmino, with tragic consequences. 

Rocha was one of the founding fathers of the Cinéma Nôvo, a film movement that brought new life to the Brazilian cinema of the sixties and addresses the socio-economic problems in Brazil. BARRAVENTO is one of the most important films of the Cinéma Nôvo movement. Rocha’s work is influenced by the folktales and traditions of Brazil, often combined with extensive research and political activism.

The film will be preceded by a lecture (in Dutch) at 19h00 on the Cinéma Nôyo by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS, and INSAS) and is included in your entrance ticket.

With our FILM CLASS PASS, you can attend all screenings and lectures of the film historic season at a reduced rate.

english below

Siciliaanse mijnwerker Carmelo ‘Mimi’ Mardocheo stemt voor de Communistische Partij, in plaats van voor de maffiapartij, in wat hij dacht dat een anonieme stemming was. Dat kost hem zijn job en hij kan geen ander werk vinden, omdat zijn dorp wordt gestuurd door maffiosi. Mimi laat zijn vrouw achter en vlucht naar Turijn, waar hij illegaal werk vindt en de mooie Fiore het hof maakt. Toch blijft de maffia hem achtervolgen. Wanneer ze Mimi terug lokken naar Sicilië met een betere job, moet Mimi zijn maîtresse – en buitenechtelijk kind – geheim houden.

Met haar herkenbare mix van verwrongen humor, erotiek en onverbloemde kritiek op de Italiaanse samenleving, vestigde filmmaker Lina Wertmüller zich als een van de meest interessante en veelbesproken stemmen in cinema van de jaren '70. Ondanks het feit dat Wertmüller de eerste vrouw was die werd genomineerd voor een Oscar voor Beste Regisseur, beschouwde ze zichzelf niet als een feministisch icoon. “I consider myself a director, not a female director. I think there’s no difference. The difference is between good movies and bad movies.”

De film wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 over Italiaanse cinema en Wertmüllers werk door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis (KASKA-DKO, RITCS, INSAS), en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

ENG
The film is in Italian with English subtitles

Sicilian mine worker Carmelo ‘Mimi’ Mardocheo votes for the Communist Party, instead of the Mob backed Party, in what he thought was an anonymous election. It costs him his job and he can’t find another one in his town, because it is controlled by the Mafia. Mimi leaves his wife and travels to Turin, where he finds an illegal job and courts the beautiful Fiore. However, the mob continues to follow him and they lure him back to Sicily with a better job. Now Mimi has to keep his lover – and love child – a secret.

With her recognisable mixture of outspoken humour, eroticism and harsh unveiled criticism of the Italian society, filmmaker Lina Wertmüller established herself as one of the most interesting voices of the cinema of the 70s. Even though she was the first woman to be nominated for an Oscar for Best Director, she doesn’t consider herself to be a feminist icon.  “I consider myself a director, not a female director. I think there’s no difference. The difference is between good movies and bad movies.”

The film will be preceded by a lecture (in Dutch) at 19h00 on Italian cinema and Wertmüllers work by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS, and INSAS) and is included in your entrance ticket.

With our FILM CLASS PASS, you can attend all screenings and lectures of the film historic season at a reduced rate.

Deze compilatie korte animatiefilms biedt een overzicht van de bloeiende Belgische animatiewereld, met specifieke aandacht voor het werk van makers die zich identificeren als vrouw. We sluiten af met de enige Belgische Oscarwinnaar ooit: EEN GRIEKSE TRAGEDIE van Nicole Van Goethem!

• HET PARADIJS (Laura Vandewynckel, 2014, 6’)
• ZACHTE PLANTEN (Emma De Swaef, 2008, 11’)
• FREEZE FRAME (Soetkin Verstegen, 2019, 5’)
• YOU ARE THE TRUCK AND I AM THE DEER (Max Ferguson, 2023, 5’)
• RODE REUS (Anne Verbeure, 2021, 11’)
• CAMOUFLAGE (Imge Özbilge, 2016, 5’)
• EEN GRIEKSE TRAGEDIE (Nicole Van Goethem, 1985, 7’)

De film wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 over Belgische animatiecinema door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis (KASKA-DKO, RITCS, INSAS), en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

english below

De restauratie van Margot Benacerrafs briljante film ARAYA is een mijlpaal binnen de filmgeschiedenis. De film werd onthaald als een meesterwerk van poëtische cinema en als een voorloper van feministische Latina cinema.

Het schiereiland van Araya in het Noordoosten van Venezuela is een van de meest droge plekken op aarde. Sinds 500 jaar, na de ontdekking door de Spanjaarden, wordt op Araya manueel zout gewonnen. Een 17de-eeuws fort dat gebouwd werd om aanvallen van piraten tegen te houden, staat nog steeds overeind als een herinnering aan de dagen waarin zout bijna zo veel waard was als goud. Regisseur Benacerraf verbeeldt het leven van de salineros (zoutwinners) en het uitputtende werk dat ze leveren in adembenemende beelden. De Peredas familie werkt ’s nachts in de zoutmijnen, de Ortiz familie bestaat uit vissers en de Salaz familie verzamelt zout. Deze drie families en hun verhalen onderstrepen het zware leven in deze regio – een leven op de rand van uitsterven door de komst van de industriële exploitatie.

ARAYA werd bij zijn release vergeleken met grote namen zoals Flaherty’s MAN OF ARAN (1934), Visconti’s LA TERRA TREMA (1947) en Rossellini’s INDIA (1957). Maker Margot Benacerraf beschreef de films als “a cinematic narration based on script writing rather than a spontaneous action, a feature documentary, the opposite of Italian neorealism.” Een film van zo’n blijvende schoonheid dat Jean Renoir na het bekijken ervan tegen Benacerraf zei: “Above all … don’t cut a single image!”

Ter ere van wat het 100ste levensjaar zou zijn van deze uitzonderlijke filmmaker, vertonen we ook haar korte documentairefilm, REVERÓN (VE 1952 - 30' EN OT), waarin Benacerraf de artiest Armando Reverón thuis opzoekt en zijn huiselijke leven en creatieve proces documenteert.

De film wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 over Latijns-Amerikaanse cinema van de jaren vijftig tot zeventig door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis (KASKA-DKO, RITCS, INSAS), en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

ENG
The film is in Spanish with English subtitles

The restoration of Margot Benacerraf's brilliant film ARAYA is a landmark in cinema history. The film was hailed as a masterpiece of poetic cinema and a forerunner of feminist Latina cinema. 

The peninsula of Araya in northeastern Venezuela, is one of the most arid places on earth. For five hundred years, since its discovery by the Spanish, the region’s salt has been exploited manually. A 17th-century fortress built to protect against pirate raids stands as a reminder of the days when salt was worth almost as much as gold and great fortunes were made. Benacerraf captures the life of the salineros and their back-breaking work in breathtaking images. The Peredas family works at night in the salt marshes, the Ortiz are fishermen and the Salaz collect salt. The three stories underline the harsh life of this region — all of which vanished with the arrival of industrial exploitation.

ARAYA was originally compared to Flaherty’s MAN OF ARAN (1934), Visconti’s LA TERRA TREMA (1947) and Rossellini’s INDIA (1957). Margot Benacerraf has described the film as “a cinematic narration based on script writing rather than a spontaneous action, a feature documentary, the opposite of Italian neorealism.” A film of such lasting beauty that Jean Renoir told Benacerraf after seeing the film: “Above all … don’t cut a single image!”

We love to honour this extraordinary filmmaker in what would have been het 100th year of life and will also screen her short documentary film REVERÓN (VE 1952 - 30' ENG ST), where Benacerraf visits the artist Armando Reverón at home to document his domestic life and creative process.

The film will be preceded by a lecture (in Dutch) at 19h00 on Latin-American cinema from the 1950s until the 70s by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS, and INSAS) and is included in your entrance ticket.

With our FILM CLASS PASS, you can attend all screenings and lectures of the film historic season at a reduced rate.

“The strange thing is, I don't think myself silent. That is because of my piano.”
voice-over van Ada (Holly Hunter) in THE PIANO

english below

Voor deze all-time classic van Jane Campion was de Gouden Palm slechts het startschot. De film reeg in 1993 de lovende recensies aaneen, wat zich vertaalde in gevulde filmzalen. Het grote publiek omarmde meteen ook vol overgave de minimalistische muziek van de Britse componist Michael Nyman. De Nieuw-Zeelandse regisseur Jane Campion won een Oscar voor haar originele scenario en de Palme d’Or voor beste film, actrice Holly Hunter won een Oscar en dezelfde prijs op Cannes voor haar hoofdrol en de amper elfjarige Anna Paquin won de Oscar voor haar overtuigende bijrol als de dochter, die ook tolk is voor haar moeder. Tot op vandaag blijft THE PIANO een film die je op groot scherm moet beleven, de beste omgeving voor de woeste landschappen en meeslepende muziek.

Schotland, midden 19e eeuw. De stomme Ada (Holly Hunter) trekt samen met haar dochtertje (Anna Paquin) en haar geliefde piano naar Nieuw-Zeeland voor een gearrangeerd huwelijk met de rijke landeigenaar Stewart (Sam Neill), maar wordt al snel begeerd door een lokale arbeider op de plantage, de intense George (Harvey Keitel). Wanneer Stewart haar piano verkoopt aan George, stelt die een ruilhandel voor. Ada kan haar piano terugverdienen als ze hem pianolessen geeft.

Producer Jan Chapman was meteen overtuigd door de nood om het erotische drama gemaakt te krijgen: “There was an essence that went back to Emily Brontë and WUTHERING HEIGHTS in its expression of female desire. It’s ironic, because it is about male and female attraction and sexuality, but it’s also about a private insight into the female version of that. It ignited me, and I thought it was enough to ignite other people.”

De film wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 over hedendaagse cinema aan de hand van het werk van Jane Campion door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis (KASKA-DKO, RITCS, INSAS), en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

ENG
The film is in English with Dutch subtitles

For this all-time classic by Jane Campion winning the Palme d’Or was only the beginning. The film was lauded by critics in 1993, which translated into great audience numbers. The public immediately fully embraced British composer Michael Nyman’s minimalist music as well. The New Zealand director Jane Campion won an Oscar for her original screenplay and the Palme d’Or for best film, actress Holly Hunter won an Oscar and the Cannes prize for best actress and the barely 11-year-old Anna Paquin won the Oscar for her convincing supporting role as the daughter, who also serves as her mother’s interpreter. To this day, THE PIANO remains a movie that you have to experience on the big screen, the perfect conditions for the wild landscapes and immersive music.

Mid-19th century, Scotland. The mute Ada (Holly Hunter) and her daughter (Anna Paquin) are sent to New Zealand for an arranged marriage with the rich landowner Stewart (Sam Neill), but is quickly desired by a local plantation worker, the intense George (Harvey Keitel). When Stewart sells her beloved piano – which made the trip from Scotland with them – to George, the latter proposes an exchange. Ada can earn her piano back if she gives him lessons.

Producer Jan Chapman was immediately convinced by the need to get the erotic drama made: “There was an essence that went back to Emily Brontë and WUTHERING HEIGHTS in its expression of female desire. It’s ironic, because it is about male and female attraction and sexuality, but it’s also about a private insight into the female version of that. It ignited me, and I thought it was enough to ignite other people.”

The film will be preceded by a lecture (in Dutch) at 19h00 on contemporary cinema through the works of Jane Campion by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS, and INSAS) and is included in your entrance ticket.

With our FILM CLASS PASS, you can attend all screenings and lectures of the film historic season at a reduced rate.

“Mededogen, empathie en licht in de duisternis.” “Misschien wel de warmste van alle Dardenne-films.” “Waarachtigheid drijft ten alle tijden boven, in de wendingen van deze levens en de pure vertolkingen van de actrices”, zo prijzen HUMO, De Morgen en De Standaard de nieuwste film van de broers Dardenne. Met de winst van Beste Scenario op het Filmfestival van Cannes, verwondert het regisseursduo in hun 13de film naar goede gewoonte met een tedere en humanistische blik op de hedendaagse maatschappij. Opnieuw werken de broers met onervaren, maar overtuigende acteurs, raken ze een prangend maatschappelijk thema aan en laten ze hun camera ongehinderd de scènes aftasten.

Jessica, Perla, Julie, Ariane en Naïma verblijven in een opvangcentrum voor jonge moeders, waar ze hulp krijgen om hun nieuwe leven met een kind op te bouwen. De vijf tienermeisjes delen lief en leed met elkaar, maar vooral ook de hoop op een beter leven voor zichzelf en hun kind. Met ieder een eigen verhaal, eigen zorgen en dromen, zijn het de gedeelde ervaringen en samenhorigheid die hun leven verlichten.

De vertoning van 7 mei wordt voorafgegaan door een inleiding en gevolgd door een gesprek tussen filmhistoricus Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS, INSAS) en regisseur Luc Dardenne.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

JEUNES MÈRES maakt deel uit van het MOMMIE DEAREST-programma, waarin De Cinema peilt naar de kracht van moeders en onze perceptie van het ‘ideale’ moederschap in cinema. De vertoningen in september sluiten aan bij SCH/OUDERS, een festival over de kracht van ouderschap in de samenleving.

Bettina en Marcus wonen in een kantine te midden van een uitgestrekt veld van eindeloze rijen hoogspanningsmasten. Marcus probeert een eigen zaak te starten, maar werkt als ploegbaas voor het onderhoud van die energiemasten totdat zijn droom van de grond komt. Bettina, van haar kant, verveelt zich terwijl ze de kantine uitbaat voor de werkmannen en verlangt naar een beter leven. Hun 9-jarige dochter Tessa doolt rond in het industrieterrein in een poging zich bezig te houden en spijbelt zo vaak ze kan. Wanneer Marcus een Hongaarse ingenieur inhuurt om zijn zaak te versterken, neemt hun onconventionele manier van leven een wending. Een tragisch ongeval ontregelt ieders zoektocht naar geluk.

LOST PERSONS AREA is de eerste in Strubbes Lost Persons-trilogie, met I’M THE SAME, I’M AN OTHER (2013) en haar aankomende film THE SILENT TREATMENT (2026). De vertoning wordt voorafgegaan door een intro en na afloop gaat filmhistoricus Wouter Hessels in gesprek met filmmaker Caroline Strubbe.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.