FILM CLASS PASS

english below

In deze compilatie van korte pioniersfilms worden ’s werelds eerste gedocumenteerde filmpjes getoond en gekaderd. We gaan van start aan het eind van de 19de eeuw, met de Lumière broers en Edison. Zij zetten vooral in op het vastleggen van alledaagse taferelen. Daarna trekken we richting Verenigd Koninkrijk met o.a. James Williamson en William Haggar, die in hun one-reelers een eerste narratieve opzet introduceerden. Edwin S. Porter, Georges Méliès en D.W. Griffith maken de compilatie compleet met de echte overstap naar narratieve film.

De films worden live begeleid op piano door Hilde Nash.

De pionierscompilatie wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 over precinema en de pionierscinema in Europa en Amerika. De lezing wordt gegeven door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis KASKA-DKO, RITCS en INSAS en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

O.a. Lumière films, FEEDING THE DOVES, MORNING BATH, BURNING STABLE, NEW YORK SCENES, FIRE!, RESCUED BY ROVER, THE LIFE OF CHARLES PEACE, THE GREAT TRAIN ROBBERY, LE ROYAUME DES FÉES, A CORNER IN WHEAT, THE LONEDALE OPERATOR

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

ENG
The films are silent

In this compilation of short pioneer films, the world’s first documented clips and films are compiled and contextualised. We start our film historic journey at the end of the 19th century, with the Lumière Brothers and Edison. These early filmmakers mostly capture everyday scenes. In the UK, James Williamson and William Haggar are among the first to introduce an early narrative set-up in their one-reelers. Edwin S. Porter, Georges Méliès and D.W. Griffith complete this compilation with the true transition into narrative filmmaking.

The films are scored live on piano by Hilde Nash.

The screening of the compilation of pioneer films is preceded by a lecture at 19h00 on precinema and the pioneer cinema in Europe and America. The lecture is given by Wouter Hessels, professor of film history KASKA-DKO, RITCS and INSAS, and is included in your film ticket.

A.o. Lumière films, FEEDING THE DOVES, MORNING BATH, BURNING STABLE, NEW YORK SCENES, FIRE!, RESCUED BY ROVER, THE LIFE OF CHARLES PEACE, THE GREAT TRAIN ROBBERY, LE ROYAUME DES FÉES, A CORNER IN WHEAT, THE LONEDALE OPERATOR

english below

Twee driehoeksverhoudingen kruisen elkaar in het oude Pompeï. Glaucus koopt de blinde Nidia, een slaaf die door haar eigenaar wordt mishandeld, en zij wordt verliefd op haar nieuwe meester. Glaucus heeft zijn hart echter verloren aan Jone, die in de Egyptische hogepriester Arbace nog een andere aanbidder heeft. Nidia gaat te rade bij Arbace in de hoop Glaucus’ hart voor zich te winnen, zonder te beseffen dat Arbace slechts in de zin heeft.

De uitbarsting van de Vesuvius, moord, waanzin, onbeantwoorde liefde, gladiatoren. GLI ULTIMI GIORNI DI POMPEII is een schouwspel en een van de boegbeelden van de vroege Italiaanse spektakelfilm, die met haar epische inhoud en langspeellengte sterk zijn tijd vooruit was op de films die in andere landen werden gemaakt. Met een release in 1913 liep GLI ULTIMI GIORNI DI POMPEII twee jaar voor op D.W. Griffiths THE BIRTH OF A NATION, dat vaak wordt aanzien als de eerste echte langspeelfilm. De film zorgde in zijn tijd voor opschudding en is van grote historische waarde binnen de stille filmgeschiedenis. 

De Cinema’s vaste muzikale waarde Hilde Nash zal de film live muzikaal begeleiden op piano.

ENG
The film is silent

Two love triangles set in ancient Pompeii. Glaucus buys the blind Nidia, a slave who has been mistreated by her owner, and she falls in love with her new master. However, Glaucus has lost his heart to Jone, who is also desired by Egyptian high priest Arbace. Nidia consults Arbace in the hopes to win Glaucus’ love, without realizing Arbace has bad intentions.

The eruption of the Vesuvius, murder, insanity, unrequited love, gladiators. GLI ULTIMI GIORNI DI POMPEII is one of the frontrunners of the Italian spectacle film, that was ahead of its time with its epic contents and feature length. With its release in 1913, GLI ULTIMI GIORNI DI POMPEII was two years ahead of D.W. Griffith’s THE BIRTH OF A NATION, which was widely considered the first feature-length movie. In its day, the movie caused quite the uproar and it remains hugely influential in the history of silent cinema.

Pianist Hilde Nash is on duty to improvise a live soundtrack to the film.

english below

Fritz Lang vervoert ons in de stille film DER MÜDE TOD naar “Some Time and Some Place”, waar een jong koppel gelukkig samen onderweg is in een koets. Ze geven een vreemdeling een lift naar het nabijgelegen dorp, niet wetende dat de man de Dood zelf is. Wanneer het koppel in de plaatselijke herberg stopt, wordt de jongeman ontvoerd door de Dood en samen met andere geesten afgezonderd achter een grote muur. De jonge vrouw is ontroostbaar. Na onophoudelijk zoeken, vindt ze een mystieke toegang tot wat zich achter de muur bevindt, maar wordt tegengehouden door de Dood. Hij vertelt haar drie verhalen, waarin een vrouw haar geliefde tracht te redden van een tragisch lot, maar faalt. De Dood stelt de vrouw voor een onmogelijke keuze: een andere ziel in ruil voor het leven van haar geliefde, of hem nooit meer terugzien.

Met fans van het eerste uur Alfred Hitchcock en Luis Buñuel kan de film geen betere woordvoerders vinden. Buñuel beschouwde DER MÜDE TOD als de trigger voor zijn eigen fascinatie met cinema: “Something about this film spoke to something deep in me. It clarified my life and my vision of the world.”

Regisseur Fritz Lang maakte de film in rouw kort na zijn moeders dood. DER MÜDE TOD werd niet enkel een van de technisch meest indrukwekkende parels uit stille cinema, maar ook een van de meest doordachte en empathische visies op sterfelijkheid. Voor Lang is de Dood samengesteld uit horror én liefde, een beeld dat frequent terugkeerde in zijn omvangrijke filmografie.

Gitarist en componist Menno Buggenhout voorziet de film live van een nieuwe soundtrack, die Langs spookachtig mooie stille fabel meer dan ooit van het witte doek doet daveren.

De film wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 over het Duitse filmexpressionisme en haar invloed (1919-1933) door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis KASKA-DKO, RITCS en INSAS en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

ENG
The film is silent with English intertitles

In the silent film DER MÜDE TOD, Fritz Lang transports us to “Some Time and Some Place”, where a young couple in love is happily travelling along a country road. They pick up a hitchhiker and give him a ride to the nearby town, not knowing that the man is Death himself. When the couple stops to rest in the local inn, the young man is abducted by Death and together with other ghosts, he is sequestered behind a high wall. The young woman is inconsolable. After a relentless search, she finds a mystical entrance to what’s behind the wall, but she’s stopped by Death. He tells her three stories in which a woman tries to save her beloved from a tragic fate, but fails. Death offers the woman an impossible choice: another soul in exchange for her beloved’s life, or never to see him again.

With fans of the first hour, Alfred Hitchcock and Luis Buñuel, the film couldn’t have had any better spokespersons. Buñuel considered DER MÜDE TOD to be the film that triggered his own fascination with cinema: “Something about this film spoke to something deep in me. It clarified my life and my vision of the world.”

Director Fritz Lang created the film in mourning after the death of his mother. DER MÜDE TOD not only became one of silent cinema’s technically most impressive works, but also became one of the most thoughtful and empathetic visions of mortality. To Lang, Death is built out of horror and love, an image which frequently returned in his extensive filmography.

Guitarist and composer Menno Buggenhout will perform a new soundtrack to Lang’s hauntingly beautiful silent fable.

The film will be preceded by a lecture (in Dutch) on German film expressionism and its influence (1919-1933) at 19h00 by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS, and INSAS), and is included in your entrance ticket.

english below

De Amerikaanse toeriste Nancy Worthington is op rondreis in Parijs. Wanneer ze na een museumbezoek samen met de jonge Franse edelman Robert de Belleconte wordt opgesloten in het museum, worden ze verliefd. Maar de jongeman is sinds zijn geboorte verloofd met iemand die zijn ouders voor hem uitkozen en staat op het punt te trouwen. Om de familienaam te beschermen moet Robert de verloving respecteren. Nancy daarentegen voelt zich niet gebonden tot sociale restricties en werkt een plan uit "to get her man".

De film werd geregisseerd door Dorothy Arzner, een van de weinige vrouwelijke regisseurs met een carrière die zowel stille films als geluidsfilms omvatte. Met uitzondering van Lois Weber, was Arzner de enige vrouw in de regisseursstoel in Hollywood bij de start van haar carrière in 1927 tot haar pensioen in 1943. Zoals zo vaak met mensen die hun tijd vooruit zijn, keek Arzner met andere ogen naar sociale vraagstukken van haar tijd. Gender, vrouwelijkheid en vrouwelijke seksualiteit speelden een belangrijke rol in haar pionierswerk. Arzner koos er geregeld voor om in haar films de sociale verwachtingen van vrouwen om te keren, waardoor haar vrouwelijke personages solidariteit vinden bij elkaar en zeggenschap krijgen over hun eigen levens. Flapper icoon, original It Girl en steractrice Clara Bow is in GET YOUR MAN de verpersoonlijking van Arzners vrouwbeeld.

Pianist Noah Van den Abeele zal live een soundtrack improviseren bij de film.

ENG
The film is silent with English intertitles

American tourist Nancy Worthington is travelling in Paris. When she gets locked into a museum overnight with the young nobleman Robert de Belleconte, they fall in love. But the young man is betrothed to someone his parents picked for him, and he is about to get married. In order to protect the family name, Robert has to marry. However, Nancy does not feel restricted by social norms and devises a plan to “get her man”.

The film was directed by Dorothy Arzner, one of the few women directors with a career that spanned silent and sound films. With the exception of Lois Weber, Arzner was the only woman in the directorial chair in Hollywood at the start of her career in 1927 until her retirement in 1943. As often is the case with people ahead of their time, Arzner looked at the social questions of her time with different eyes. Gender, femininity and female sexuality played an important part in her pioneering work. Arzner wanted to switch up the expectations society had of women, so they would be able to find solidarity with each other and have control over their own lives. Flapper icon, original It Girl and movie star Clara Bow becomes the embodiment of Arzner’s female image in GET YOUR MAN.

Pianist Noah Van den Abeele will improvise a live soundtrack to accompany the film.

MISÈRE AU BORINAGE (Henri Storck & Joris Ivens - BE 1934 - 36' NL/FR TUSSENTITELS)
“Crisis in de kapitalistische wereld. Fabrieken worden gesloten, verlaten. Miljoenen proletariërs lijden honger!” Met die manifest- en revolutiewoorden opent de eerste film in dit genre in de Belgische cinema, één van de belangrijkste referenties van de documentaire film. In 1932 legde een grote staking de Waalse steenkoolontginningen lam. Het antwoord van de patroons en de politie was genadeloos en de rest van het land zag dit gebeuren in een toestand van onverschilligheid omdat er geen informatie over gedeeld werd. André Thirifays, Piet Vermeylen en alle verontwaardigde jongeren van de Club de l’écran besloten over deze zwarte ellende getuigenis te brengen met hun wapen, een camera.

DÉJÀ S'ENVOLE LA FLEUR MAIGRE (Paul Meyer - BE 1960 - 87' NL OT)
Wat een documentaire moest worden over het progressieve België en haar migratiepolitiek, veranderde in iets helemaal anders. Regisseur Paul Meyer was geraakt door wat hij zag in de mijnregio van de Borinage en besloot om het geld dat hij had gekregen van de Belgische regering om een propagandafilm te maken, te gebruiken om te tonen hoe het er echt aan toeging. De belofte van een beter leven voor de immigranten, dat de Belgische regering zo graag wilde tonen, was nergens te bespeuren. In de plaats daarvan toont Meyer de realiteit van het leven in Borinage, met enorme werkloosheid en een heersend gevoel van heimwee en ontheemding.

De films worden voorafgegaan door een lezing om 19u00 door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis KASKA-DKO, RITCS en INSAS en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

english below

Op een mistige nacht, rijdt legerdeserteur Jean de havenstad Le Havre binnen. Met hoop op een nieuwe start, hoopt Jean een plekje op een schip naar een nieuw leven te veroveren. Intussen doodt hij de tijd in een café, waar hij de 17-jarige Nelly ontmoet. Het meisje is op haar jonge leeftijd al een object van begeerte van verschillende mannen: haar peetvader Zabel, ex-vriendje Maurice en gangster Lucien. Jean valt ook voor haar en geeft haar het zelfvertrouwen om los te komen van de giftige mannen in haar leven. Maar jaloezie en noodlot lijken hun droom om hun oude leven achter zich te laten, in de weg te staan.

Auteur Lucy Sante beschreef de film als een “definitive example of the style known as poetic realism. The ragged outlines, the lowdown settings, the romantic fatalism of the protagonists, the movement of the story first upward toward a single moment of happiness and then down to inexorable doom—the hallmarks of the style had germinated in some form or other through the decade. (…) LE QUAI DES BRUMES possesses nearly all the qualities that were once synonymous with the idea of French cinema. (…) The hazy lights, the wet cobblestones, the prehensile poplars lining the road out of town, the philosophical gravity of peripheral characters, the idea that nothing in life is more important than passion—such things defined a national cinema that might have been dwarfed by Hollywood in terms of reach and profit but stood every inch as tall as regards grace and beauty and power.”

ENG
The film is in French with English subtitles

On a foggy night, army deserter Jean rides into the port town of Le Havre. With hopes of a fresh start, Jean hopes for a spot on a ship towards a new life. Meanwhile, he kills time in a café, where he meets the 17-year-old Nelly. Even at her young age, the girl has already become the object of desire for several men: her godfather Zabel, ex-boyfriend Maurice, and gangster Lucien. Jean falls for her as well and gives her the confidence to stand up for herself and cut loose from the poisonous men around her. But jealousy and tragic fate seem to stand in the way of their dream to leave their old lives behind.

Author Lucy Sante described the film as a “definitive example of the style known as poetic realism. The ragged outlines, the lowdown settings, the romantic fatalism of the protagonists, the movement of the story first upward toward a single moment of happiness and then down to inexorable doom—the hallmarks of the style had germinated in some form or other through the decade. (…) LE QUAI DES BRUMES possesses nearly all the qualities that were once synonymous with the idea of French cinema. (…) The hazy lights, the wet cobblestones, the prehensile poplars lining the road out of town, the philosophical gravity of peripheral characters, the idea that nothing in life is more important than passion—such things defined a national cinema that might have been dwarfed by Hollywood in terms of reach and profit but stood every inch as tall as regards grace and beauty and power.”

english below

Tennisster Guy Haines is ongelukkig getrouwd en hoopt op een snelle scheiding, maar zijn vrouw weigert. Op een treinrit ontmoet hij de psychopathische Bruno Antony, die hem onder lichte dwang een theorie uitlegt over hoe je kan wegkomen met moord. Zijn plan is simpel: twee mensen die elkaar niet kennen, vermoorden de persoon die de andere uit de weg wilt. Zonder motief en met een alibi kan de schuld nooit bij hen gelegd worden. Bruno stelt voor de vrouw van Guy uit de weg te ruimen, als hij Bruno’s vader naar de andere wereld zou helpen. Hoewel Guy de ‘deal’ weigert, voert Bruno toch zijn helft van het plan uit. Wanneer Guy zijn deel van de ‘afspraak’ niet nakomt, maakt Bruno hem het leven zuur.

De film wordt 27 november voorafgegaan door een lezing om 19u00 door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis KASKA-DKO, RITCS en INSAS, en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

Na de vertoning van 7 december volgt een nagesprek & live podcast met Fokke Van Der Meulen.

ENG
The film is in English with Dutch subtitles

Tennis star Guy Haines is unhappily married and wants a quick divorce, but his wife refuses. On a train ride, he meets the psychopath Bruno Antony, who forcibly explains his theory on how to get away with murder. His plan is simple: two strangers kill the person the other one wants gone. Without a motive and with an alibi, the blame can never be placed on them. Bruno suggests to Guy that he could kill his wife for him, if he kills Bruno’s father. Even though Guy refuses the ‘deal’, Bruno goes ahead and carries out his part of the plan. When Guy doesn’t fulfil his part of the ‘bargain’, Bruno tries to ruin his life.

27 November, the film will be preceded by a lecture at 19h00 by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS and INSAS), and is included in your entrance ticket.

english below

Geen stad en actrice zijn zo onlosmakelijk met elkaar verbonden als Rome en Anna Magnani. De Italiaanse steractrice gaf door iconische rollen leven aan Rome en haar inwoners en wist met de iconische achtervolgingssequentie in ROMA CITTÀ APERTA (Roberto Rossellini, 1945) de doem van de Duitse bezetting als geen ander te vatten. In MAMMA ROMA verlengt Pasolini deze mythische verwevenheid van vrouw en plek door Magnani als symbool te laten staan voor het kapitalistische vagevuur van naoorlogs Rome.

Magnani speelt in de film een prostituee die ’s nachts door de straten van de metropool doolt. Op zoek naar een beter leven voor haar zoon probeert ze een andere job te vinden, maar botst steeds opnieuw op vooroordelen en weerstand van de conservatieve Italiaanse samenleving. Ondanks haar pogingen om ‘eerlijk’ haar brood te verdienen, blijft haar verleden haar achtervolgen. Ze doet er alles aan om haar 16-jarige zoon Ettore te behoeden van de gewelddadige onderwereld, maar het lot in het troosteloze Rome lijkt hen anders gezind.

In lijn met zijn politieke en thematische interesses, presenteert Pasolini in MAMMA ROMA een lappendeken aan verloren zielen, die strijden voor hun overleving in een met beton overdekte woestenij. We tonen de film als eerbetoon voor Pasolini, met oog op het 50ste jubileum van zijn dood.

Tijdens de vertoning op 11 december wordt MAMMA ROMA voorafgegaan door kortfilm STENDALI (1960) van Cecilia Mangini, waarvoor Pasolini samen met haar het scenario schreef. Deze vertoning wordt ook voorafgegaan door een lezing om 19u00 door Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis KASKA-DKO, RITCS en INSAS, en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

MAMMA ROMA maakt deel uit van het MOMMIE DEAREST-programma, waarin De Cinema peilt naar de kracht van moeders en onze perceptie van het ‘ideale’ moederschap in cinema.

ENG
The film is in Italian with English subtitles

No city or actress are as intertwined as Rome and Anna Magnani. The Italian star actress embodied Rome and her inhabitants and knew how to capture the doom of the German occupation like no other in the iconic chase scene in ROMA CITTÀ APERTA (Roberto Rossellini, 1945). In MAMMA ROMA, Pasolini uses this mythical interrelation between woman and place by having Magnani become a symbol for the capitalistic limbo that was post-war Rome.

In the film, Magnani portrays a prostitute who wanders the streets of the metropolis at night. In search of a better life for her son, she tries to find another job, but collides with prejudice and resistance of the conservative Italian society. Despite her efforts to make an ‘honest’ living, her past continues to haunt her. She does everything she can to protect her son from the violent underworld, but fate and the desolate Rome seem to be of a different mind.

In line with his political and thematic interests, Pasolini presents a patchwork of lost souls in MAMMA ROMA, who are fighting for their survival in the concrete desert of Rome. We screen the film in light of the 50th anniversary of Pasolini’s passing.

During the screening on the 11th of December, MAMMA ROMA will be accompanied by short film STENDALI (1960) by Cecilia Mangini, who co-wrote the screenplay to her film together with Pasolini. The film will be preceded by a lecture at 19h00 (in Dutch) by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS and INSAS) and is included in your entrance ticket.

MAMMA ROMA is part of the MOMMIE DEAREST-series, where De Cinema explores the power of mothers and our perception of the ‘ideal’ motherhood in cinema.

english below

Michel Poiccard is een losbandige sociopaat, die een auto steelt en in een opwelling een politieman doodt. Michel slaat op de vlucht naar Parijs en zoekt contact met Patricia, een Amerikaanse studente met wie hij enkele weken eerder een avontuurtje beleefde. Hij vraagt haar mee te vluchten naar Italië. Maar Michel lijkt niet te beseffen dat hij een gezocht man is en blijft roekeloos zijn liefde voor Amerikaanse films en zijn lust voor de Amerikaanse Patricia najagen. Regisseur en Nouvelle Vague adept Jean-Luc Godard maakte met À BOUT DE SOUFFLE een sleutelfilm die de wetten van cinema herschreef.

Bekende filmcriticus Roger Ebert de blikseminslag die À BOUT DE SOUFFLE was in het filmlandschap mooi samen: “Modern movies begin here, with Jean-Luc Godard’s BREATHLESS in 1960. No debut film since CITIZEN KANE in 1942 has been as influential. It is dutifully repeated that Godard’s technique of “jump cuts” is the great breakthrough, but startling as they were, they were actually an afterthought, and what is most revolutionary about the movie is its headlong pacing, its cool detachment, its dismissal of authority, and the way its narcissistic young heroes are obsessed with themselves and oblivious to the larger society. (…) Godard went on to become the most famous innovator of the 1960s. Here in one quick, sure move, knowing somehow just what he wanted and how to obtain it, he achieved a turning point in the cinema (…).”

We vertonen ook Richard Linklaters "making-of" À BOUT DE SOUFFLE, NOUVELLE VAGUE, zijn ode aan de gelijknamige filmbeweging.

ENG
The film is in French with Dutch subtitles

Michel Poiccard is a riotous sociopath who steals a car and kills a police officer on a whim. Michel goes on the run and heads to Paris, where he contacts American student Patricia, with whom he had a short fling a couple of weeks before. He asks her to flee with him to Italy. But Michel doesn’t seem to realise that he is a wanted man and continues to recklessly pursue his love for American cinema and his lust for Patricia. With À BOUT DE SOUFFLE, director and Nouvelle Vague adept Jean-Luc Godard created a key film that rewrote the laws of cinema.

Renowned film critic Roger Ebert beautifully explained the thunderbolt that À BOUT DE SOUFFLE was in the cinematic landscape: “Modern movies begin here, with Jean-Luc Godard’s BREATHLESS in 1960. No debut film since CITIZEN KANE in 1942 has been as influential. It is dutifully repeated that Godard’s technique of “jump cuts” is the great breakthrough, but startling as they were, they were actually an afterthought, and what is most revolutionary about the movie is its headlong pacing, its cool detachment, its dismissal of authority, and the way its narcissistic young heroes are obsessed with themselves and oblivious to the larger society. (…) Godard went on to become the most famous innovator of the 1960s. Here in one quick, sure move, knowing somehow just what he wanted and how to obtain it, he achieved a turning point in the cinema (…).”

We also screen Richard Linklater's "making of" À BOUT DE SOUFFLE, NOUVELLE VAGUE, his ode to the eponymous film wave.

english below

Een Franse actrice en een Japanse man beleven een korte maar intense liefdesgeschiedenis in het naoorlogse Hiroshima. Hun toevallige ontmoeting vormt de aanleiding voor een hypnotisch en fragmentarisch relaas over liefde, verlies en herinnering. In voice-over dialogeren ze over hun persoonlijke trauma’s en de collectieve littekens van de atoombom.

HIROSHIMA MON AMOUR was het langspeeldebuut van Alain Resnais en werd geschreven door Marguerite Duras, die voor haar scenario een Oscarnominatie ontving. Met zijn poëtische vertelvorm en niet-lineaire structuur geldt de film als een van de eerste werken van de Nouvelle Vague.

Naar aanleiding van de heruitgave van Duras' gelijknamige tekst in een nieuwe Nederlandse vertaling, brengen we deze klassieker opnieuw naar het grote scherm. Het boek verschijnt bij de Antwerpse uitgeverij Cosimo, gekend om haar zorgvuldig uitgegeven moderne klassiekers. Tijdens de vertoning van 16 september wordt het boek feestelijk gelanceerd. Je kan het nu al hier reserveren.

De vertoning op 8 januari 2026 wordt voorafgegaan door een lezing om 19u00 van Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis KASKA-DKO, RITCS en INSAS, en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

ENG
The film is in French/Japanese with English subtitles

A French actress and a Japanese man share a brief but intense love affair in postwar Hiroshima. Their chance encounter unfolds into a hypnotic and fragmented reflection on love, loss, and memory. In voice-over, they speak of their personal traumas and the collective scars left by the atomic bomb.

HIROSHIMA MON AMOUR marked the feature debut of Alain Resnais and was written by Marguerite Duras, who received an Academy Award nomination for her screenplay. With its poetic narration and non-linear structure, the film is considered one of the first works of the French New Wave.

To mark the release of Duras’ eponymous text in a new Dutch translation, we are bringing this classic back to the big screen. The book is published by the Antwerp-based publishing house Cosimo, known for its carefully crafted editions of modern literary classics. During the screening of 16 September, the book will be officially launched — you can pre-order it here.

The film will be preceded by a lecture (in Dutch) at 19u00 by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS and INSAS) on the 8 January 2026 and is included in your entrance ticket.

english below

Braziliaans regisseur Glauber Rocha vertelt in BARRAVENTO het verhaal van arme vissers in het dorpje Bahia. Wat ze vissen, wordt aan een spotprijsje verkocht aan een baas die langskomt vanuit de stad. Firmino is een boer die na enkele jaren is teruggekeerd uit de stad. Hij probeert de vissers te laten begrijpen waarom ze arm blijven en wil hen bevrijden van mysticisme, wat hij beschouwt als een middel voor politieke en sociale onderdrukking. In zijn overtuiging om het dorp uit de armoede te halen, stoot hij op bijgeloof. Het dorpshoofd Aruã, die toegewijd is aan Yemanjá, de patroonheilige van de zee, wordt door Firmino op het slechte pad geleid. Met tragische gevolgen van dien.

Rocha was een van de voortrekkers van de Cinéma Nôvo, een filmbeweging die nieuw leven blies in de Braziliaanse cinema van de jaren 60 en die de socio-politieke problemen in Brazilië aankaart. BARRAVENTO is een van de belangrijkste films van de Cinéma Nôvo-beweging. Rocha’s werk is beïnvloed door de volksverhalen en tradities van Brazilië, vaak in combinatie met uitgebreid onderzoek en politiek activisme. 

De vertoning wordt om 19u00 voorafgegaan door een lezing van Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis KASKA-DKO, RITCS en INSAS, en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen. 

ENG
The film is in Portuguese with English subtitles

In BARRAVENTO, Brazilian director Glauber Rocha tells the story of poor fishermen in the village of Bahia. Whatever they catch in a day, they sell for next to nothing to a boss who comes down from the city. Firmino is a farmer who has returned from the city after several years. He tries to teach the fishermen why they stay poor and wants to free them from mysticism, which he considers to be a tool of political and social repression. In his conviction to save the village from poverty, he comes up against superstition. The village chief Aruã, who is consecrated to Yemanjá, the patron saint of the sea, is led down a bad path by Firmino, with tragic consequences. 

Rocha was one of the founding fathers of the Cinéma Nôvo, a film movement that brought new life to the Brazilian cinema of the sixties and addresses the socio-economic problems in Brazil. BARRAVENTO is one of the most important films of the Cinéma Nôvo movement. Rocha’s work is influenced by the folktales and traditions of Brazil, often combined with extensive research and political activism.

The film will be preceded by a lecture (in Dutch) at 19h00 by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS and INSAS) and is included in your entrance ticket.

With our FILM CLASS PASS, you can attend all screenings and lectures of the film historic season at a reduced rate.

english below

Siciliaanse mijnwerker Carmelo ‘Mimi’ Mardocheo stemt voor de Communistische Partij, in plaats van voor de maffiapartij, in wat hij dacht dat een anonieme stemming was. Dat kost hem zijn job en hij kan geen ander werk vinden, omdat zijn dorp wordt gestuurd door maffiosi. Mimi laat zijn vrouw achter en vlucht naar Turijn, waar hij illegaal werk vindt en de mooie Fiore het hof maakt. Toch blijft de maffia hem achtervolgen. Wanneer ze Mimi terug lokken naar Sicilië met een betere job, moet Mimi zijn maîtresse – en buitenechtelijk kind – geheim houden.

Met haar herkenbare mix van verwrongen humor, erotiek en onverbloemde kritiek op de Italiaanse samenleving, vestigde filmmaker Lina Wertmüller zich als een van de meest interessante en veelbesproken stemmen in cinema van de jaren '70. Ondanks het feit dat Wertmüller de eerste vrouw was die werd genomineerd voor een Oscar voor Beste Regisseur, beschouwde ze zichzelf niet als een feministisch icoon. “I consider myself a director, not a female director. I think there’s no difference. The difference is between good movies and bad movies.”

De vertoning wordt om 19u00 voorafgegaan door een lezing van Wouter Hessels, docent filmgeschiedenis KASKA-DKO, RITCS en INSAS, en is gratis bij je filmticket inbegrepen.

In de vorm van onze FILM CLASS PASS kan je de vertoningen en lezingen van het hele filmhistorische seizoen aan een aantrekkelijk combitarief volgen.

ENG
The film is in Italian with English subtitles

Sicilian mine worker Carmelo ‘Mimi’ Mardocheo votes for the Communist Party, instead of the Mob backed Party, in what he thought was an anonymous election. It costs him his job and he can’t find another one in his town, because it is controlled by the Mafia. Mimi leaves his wife and travels to Turin, where he finds an illegal job and courts the beautiful Fiore. However, the mob continues to follow him and they lure him back to Sicily with a better job. Now Mimi has to keep his lover – and love child – a secret.

With her recognisable mixture of outspoken humour, eroticism and harsh unveiled criticism of the Italian society, filmmaker Lina Wertmüller established herself as one of the most interesting voices of the cinema of the 70s. Even though she was the first woman to be nominated for an Oscar for Best Director, she doesn’t consider herself to be a feminist icon.  “I consider myself a director, not a female director. I think there’s no difference. The difference is between good movies and bad movies.”

The film will be preceded by a lecture (in Dutch) at 19h00 by film history professor Wouter Hessels (KASKA-DKO, RITCS and INSAS) and is included in your entrance ticket.

With our FILM CLASS PASS, you can attend all screenings and lectures of the film historic season at a reduced rate.

“Mededogen, empathie en licht in de duisternis.” “Misschien wel de warmste van alle Dardenne-films.” “Waarachtigheid drijft ten alle tijden boven, in de wendingen van deze levens en de pure vertolkingen van de actrices”, zo prijzen HUMO, De Morgen en De Standaard de nieuwste film van de broers Dardenne. Met de winst van Beste Scenario op het Filmfestival van Cannes, verwondert het regisseursduo in hun 13de film naar goede gewoonte met een tedere en humanistische blik op de hedendaagse maatschappij. Opnieuw werken de broers met onervaren, maar overtuigende acteurs, raken ze een prangend maatschappelijk thema aan en laten ze hun camera ongehinderd de scènes aftasten.

Jessica, Perla, Julie, Ariane en Naïma verblijven in een opvangcentrum voor jonge moeders, waar ze hulp krijgen om hun nieuwe leven met een kind op te bouwen. De vijf tienermeisjes delen lief en leed met elkaar, maar vooral ook de hoop op een beter leven voor zichzelf en hun kind. Met ieder een eigen verhaal, eigen zorgen en dromen, zijn het de gedeelde ervaringen en samenhorigheid die hun leven verlichten.

Na de vertoning op 7 mei 2026 gaat filmhistoricus Wouter Hessels in gesprek met Luc Dardenne.

JEUNES MÈRES maakt deel uit van het MOMMIE DEAREST-programma, waarin De Cinema peilt naar de kracht van moeders en onze perceptie van het ‘ideale’ moederschap in cinema. De vertoningen in september sluiten aan bij SCH/OUDERS, een festival over de kracht van ouderschap in de samenleving.