Een warme zomerdag in Newport, Rhode Island, vormt het decor voor JAZZ ON A SUMMER'S DAY, de legendarische concertfilm van fotograaf Bert Stern. Intieme optredens van Louis Armstrong, Mahalia Jackson, Thelonious Monk en Anita O’Day worden afgewisseld met beelden van zeilboten, dansende festivalgangers en de bruisende energie van het Amerika van de late jaren 1950.
Dankzij een schitterende 4K-restauratie straalt JAZZ ON A SUMMER'S DAY als nooit tevoren. En maar goed ook. Meer dan een muziekregistratie voelt deze film vandaag immers als een sfeervolle tijdcapsule waarin muziek, beweging en licht in een los ritme samenkomen — als een onstuimige en zwoele zomerdag gevangen op film.
JAZZ ON A SUMMER'S DAY is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
A warm summer day in Newport, Rhode Island, sets the scene for JAZZ ON A SUMMER'S DAY, the legendary concert film by photographer Bert Stern. Intimate performances by Louis Armstrong, Mahalia Jackson, Thelonious Monk, and Anita O’Day are interwoven with images of sailboats, dancing festival-goers, and the vibrant energy of late 1950s America.
Thanks to a stunning 4K restoration, JAZZ ON A SUMMER'S DAY shines brighter than ever. More than just a music recording, the film feels like an atmospheric time capsule where music, movement, and light blend in a loose rhythm—capturing the spirited and sultry essence of a summer day on film.
JAZZ ON A SUMMER'S DAY is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Theater FroeFroe stort zich deze zomer op de legendarische dwaaltocht van Don Quixote: een waanzinnige val tussen vrijheid en onderwerping, waarheid en leugen.
In deze gloednieuwe beeldende voorstelling, doordrenkt met live muziek, ondoorgrondelijke personages en mysterieuze taferelen, leggen we de ziel van het iconische meesterwerk van Miguel de Cervantes bloot. Een satirisch spektakel voor een wereld die steeds waanzinniger vecht tegen haar windmolens.
Met een scherpe, brutale blik, een stevige dosis humor en zelfspot, tasten we in de diepe krochten van onze krachten, angsten en de grillen van ons menselijk bestaan. Bereid je voor op een theaterervaring die je onderdompelt en niet meer loslaat.
Deze zomer te zien als locatieproject in de Blikfabriek.
THE OUTRUN is de openhartige verfilming van de gelijknamige Britse bestseller, met een Oscarwaardige hoofdrol van Saoirse Ronan (LADY BIRD, LITTLE WOMEN). Wanneer Rona (Ronan) de hectiek van London achter zich laat en terugkeert naar de adembenemende natuur van de Schotse Orkney-eilanden, vindt ze zichzelf beetje bij beetje terug.
De 29-jarige Rona leeft al 10 jaar in Londen, waar het drukke stadsleven haar heeft opgeslokt. Alcohol en drugs nemen de overhand, tot ze besluit om haar fysieke en mentale gezondheid voorop te zetten. Om haar verslavingen definitief te overwinnen, keert ze terug naar de Orkney-eilanden waar ze opgroeide. Hier versmelten de herinneringen van haar jeugd met het ontspoorde leven dat ze in Londen leidde. Als ze zich overgeeft aan het overweldigende landschap, begeleiden de wind en de zee Rona op haar weg naar herstel.
“Saoirse Ronan laat in 'The Outrun' met een fragiele vertolking, getekend door compassie en nuance, de worstelende mens achter het stomdronken cliché zien.” Ruben Aerts, De Standaard
THE OUTRUN is de nieuwe film van Nora Fingscheidt (SYSTEM CRASHER), die samen met Amy Liptrot (schrijfster van de memoires De Uitweer) het scenario schreef. De film ging in wereldpremière op het Sundance Festival en werd geselecteerd voor het Filmfestival van Berlijn.
ENG The film is in English with Dutch/French subtitles
THE OUTRUN is the candid film adaptation of the British bestseller of the same name, with an Oscar-worthy lead role by Saoirse Ronan. When Rona (Ronan) leaves the chaos of London city behind and returns to the breathtaking nature of the Scottish Orkney Islands, she is able to piece herself together little by little.
The 29-year-old Rona has been living in London for ten years, where the busy city life has swallowed her whole. Alcohol and drugs take the upper hand, until she decides to put her physical and mental health first. In order to finally defeat her addictions, she returns to the Orkney Islands where she grew up. Memories of her youth melt together here with the derailed life she lived in London. When she surrenders to the overwhelming landscape, the wind and sea lead Rona towards recovery.
“Architecture on Film” Gecureerd door VAi x De Cinema
ARCHITECTON is een prachtige poëtische studie van de gelauwerde filmmaker Victor Kossakovsky (GUNDA), waarin beton de hoofdrol speelt — als fundament van beschaving én als stille getuige van haar ondergang. Wat zegt onze manier van bouwen over wie we zijn? En wat blijft er over wanneer alles instort?
ARCHITECTON is de openingsfilm van de hoofdtentoonstelling van de Architectuurbiënnale van Venetië, getiteld Intelligens. Natural. Artificial. Collective. De film reflecteert op de cyclus van bouwmaterialen en hun relatie met de natuur.
In hypnotiserende beelden reist Kossakovsky langs oude ruïnes, door aardbevingen verwoeste steden in Turkije en recent gebombardeerde gebouwen in Oekraïne. Hij volgt architect Michele De Lucchi wiens radicale idee – een magische cirkel waar geen mens mag komen, als teken van respect voor de natuur – centraal staat in deze bezwerende reflectie op architectuur, natuur en beschaving.
ENG The film is in English/Italian with Dutch subtitles
“Architecture on Film” Curated by VAi x De Cinema
ARCHITECTON is a beautifully poetic study of the awarded filmmaker Victor Kossakovsky (GUNDA) where concrete plays the main part — as the foundation of civilisation and as a silent witness of her downfall. What does our way of building say about who we are? And what remains if everything collapses?
ARCHITECTON is the opening movie of the Venice Architecture Biennale’s main exhibition, titled Intelligens. Natural. Artificial. Collective. It reflects on the life cycles of building materials and their relationship with nature.
In hypnotic images, Kossakovsky travels along old ruins, Turkish cities ruined by earthquakes and recently bombarded buildings in Ukraine. He follows architect Michele De Lucchi, whose radical idea – a magic circle where no one is allowed, as a sign of respect for nature – is central in this mesmerising reflection on architecture, nature and civilisation.
He was 25 years old. He combed his hair like James Dean. She was 15. She took music lessons and could twirl a baton. For a while they lived together in a tree house. In 1959, she watched while he killed a lot of people.
english below
Terrence Malicks debuut BADLANDS gaat over de relatie tussen een jong koppel, de 15-jarige Holly en 25-jarige Kit. Het is een verhaal dat we kennen, over een paar criminelen die Amerika doorkruisen en een spoor van destructie achterlaten à la BONNIE AND CLYDE. Het duurt niet lang voor ze achternagezeten worden door de politie en we volgen hen op de vlucht door de woestenij van Amerika.
Malick schreef het scenario voor deze film tijdens een road trip en dat emuleert hij in de sfeer van de film. Hij laat Holly vertellen in derde persoon, gedistantieerd van haar eigen leven. Met BADLANDS zette Malick de toon voor zijn verdere oeuvre als een van de belangrijkste Amerikaans auteurs van zijn tijd.
BADLANDS is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
Terrence Malick’s debut BADLANDS tells the story of a relationship between a young couple, the 15-year-old Holly (Sissy Spacek) and the 25-year-old Kit (Martin Sheen). It’s a story we all know, about a couple of criminals who move across America and leave a trail of destruction, like BONNIE AND CLYDE. It doesn’t take long before the police are in hot pursuit, and we follow them on the run across the desert of America.
Malick wrote the screenplay of this film during a road trip, and he emulates that atmosphere in the movie. His character Holly narrates the story in third person, distancing herself from her own life. With BADLANDS, Malick set the tone for the rest of his oeuvre as one of the most important American auteurs of his time.
BADLANDS is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Theater FroeFroe stort zich deze zomer op de legendarische dwaaltocht van Don Quixote: een waanzinnige val tussen vrijheid en onderwerping, waarheid en leugen.
In deze gloednieuwe beeldende voorstelling, doordrenkt met live muziek, ondoorgrondelijke personages en mysterieuze taferelen, leggen we de ziel van het iconische meesterwerk van Miguel de Cervantes bloot. Een satirisch spektakel voor een wereld die steeds waanzinniger vecht tegen haar windmolens.
Met een scherpe, brutale blik, een stevige dosis humor en zelfspot, tasten we in de diepe krochten van onze krachten, angsten en de grillen van ons menselijk bestaan. Bereid je voor op een theaterervaring die je onderdompelt en niet meer loslaat.
Deze zomer te zien als locatieproject in de Blikfabriek.
THE LAST YEAR OF DARKNESS biedt een intieme blik op de underground clubscene van Chengdu, China, door de ogen van vijf jongeren die hun toevlucht vinden in de bijna verdwenen club Funky Town. In deze neonverlichte ruimte zoeken ze vrijheid, liefde en escapisme, maar de dreigende sluiting van de club dwingt hen om de realiteit onder ogen te zien die hen hier bracht.
Regisseur Ben Mullinkosson, zelf filmmaker en skateboarder, brengt de intieme verhalen van deze queer gemeenschap in beeld, die zich verzet tegen de intolerantie van de buitenwereld. De film balanceert tussen viering en verdriet, tussen vrijheid in de nacht en de pijnlijke realiteit van hun dagelijks bestaan. Hierdoor is THE LAST YEAR OF DARKNESS een krachtige en persoonlijke documentaire die toont en onderzoekt hoe de nachtclub als veilige haven fungeert, en het verlies in kaart brengt van een plek die zoveel betekende voor een hechte gemeenschap.
THE LAST YEAR OF DARKNESS is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
Met dank aan Made In China Festival.
ENG The film is in Chinese with English subtitles
THE LAST YEAR OF DARKNESS offers an intimate look at the underground club scene in Chengdu, China, through the eyes of five young people who seek refuge in the almost-forgotten club Funky Town. In this neon-lit space, they search for freedom, love, and escapism, but the looming closure of the club forces them to confront the reality that brought them there.
Director Ben Mullinkosson, a filmmaker and skateboarder himself, captures the personal stories of this queer community as they resist the intolerance of the outside world. The film balances celebration and sorrow, freedom in the night and the painful realities of their daily lives. As a result, THE LAST YEAR OF DARKNESS is a powerful and personal documentary that shows and explores how the nightclub functions as a safe haven, while charting the loss of a place that meant so much to a close-knit community.
THE LAST YEAR OF DARKNESS is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Theater FroeFroe stort zich deze zomer op de legendarische dwaaltocht van Don Quixote: een waanzinnige val tussen vrijheid en onderwerping, waarheid en leugen.
In deze gloednieuwe beeldende voorstelling, doordrenkt met live muziek, ondoorgrondelijke personages en mysterieuze taferelen, leggen we de ziel van het iconische meesterwerk van Miguel de Cervantes bloot. Een satirisch spektakel voor een wereld die steeds waanzinniger vecht tegen haar windmolens.
Met een scherpe, brutale blik, een stevige dosis humor en zelfspot, tasten we in de diepe krochten van onze krachten, angsten en de grillen van ons menselijk bestaan. Bereid je voor op een theaterervaring die je onderdompelt en niet meer loslaat.
Deze zomer te zien als locatieproject in de Blikfabriek.
Voor zijn epische en bijna vier uur durende A BRIGHTER SUMMER DAY inspireerde de Taiwanese regisseur Edward Yang zich op zijn eigen jeugd. Daarin volgt hij de jonge Hsiao Si’r die begin jaren '60 terechtkomt op het pad van criminaliteit. De rivaliteit tussen twee jeugdbendes en romantische perikelen lopen op tot een gewelddadige climax.
Dit unieke meesterwerk van de Taiwanese cinema is een geobserveerd epos dat zich afspeelt in Taipei, Yangs thuis en de setting van al zijn films. A BRIGHTER SUMMER DAY draait om de onverbiddelijke val van een jonge tiener van onschuld naar jeugddelinquentie en speelt zich af tegen een sudderend decor van rusteloze jeugd, rock and roll en politieke onrust.
Als een soort van Taiwanese REBEL WITHOUT A CAUSE werd de film oorspronkelijk geweigerd op festivals in Cannes en New York en vond die pas geleidelijk aan weerklank bij critici en cinefielen. Tegenwoordig staat de film, zeer terecht, erg hoog genoteerd op menig ‘beste films ooit’-lijstjes.
Van Edward Yang vertonen we dit najaar ook YI YI, zijn diepmenselijke portret over het leven van een middenklasse gezin in Taipei, hun dagelijkse beslommeringen en mijmeringen over keuzes en wat had kunnen zijn.
A BRIGHTER SUMMER DAY is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in Chinese with English subtitles
For his epic and nearly four-hour A BRIGHTER SUMMER DAY, Taiwanese director Edward Yang drew inspiration from his own childhood. In it, he follows young Hsiao Si’r, who ends up on the path of crime in the early 1960s. Rivalry between two youth gangs and romantic explorations escalate to a violent climax.
This unique masterpiece of Taiwanese cinema is a patiently observed epic, set in Taipei, Yang’s home, and the setting of all his seven films. A BRIGHTER SUMMER DAY revolves around a young teenager’s inexorable fall from innocence to juvenile delinquency and is set against a simmering backdrop of restless youth, rock and roll, and political turmoil.
A Taiwanese REBEL WITHOUT A CAUSE, it was originally rejected at festivals in Cannes and New York and only gradually found resonance among critics and cinephiles. Today, the film ranks very high on many “best films ever” lists.
Edward Yang’s YI YI, his profoundly humane portrait of a middle-class Taipei family, is also part of our fall programme.
A BRIGHTER SUMMER DAY is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
LAWRENCE OF ARABIA is een van de grootste epen uit de filmgeschiedenis. Dit indrukwekkende verhaal vertelt over het leven van T.E. Lawrence, beter bekend als Lawrence of Arabia. Als een jonge, idealistische Britse officier in WOI, wordt Lawrence (Peter O’Toole) toegewezen aan het kamp van Prince Faisal (Alec Guinness), hoofd van een Arabisch legereenheid en leider van een revolte tegen de Turkse bezetter. In een reeks van briljante tactische maneuvers leidt Lawrence vijftig van Faisals strijders bij het oversteken van de Nefud Woestijn om de strategisch gelegen haven van Aqaba te heroveren van de vijand. Na zijn succesvolle aanvallen op Turkse troepen en treinen leveren Lawrences triomfantelijke leiderschap en moed hem ook een bijna goddelijke status op onder zijn Arabische broeders.
Met zijn Oscarwinnende cinematografie, magnifieke locaties, Maurice Jarres beroemde score en een scenario dat gebaseerd is op Lawrences eigen dagboeken, creëerde David Lean met LAWRENCE OF ARABIA een filmhistorisch meesterwerk. Over de jaren heen werd de epische film stevig gehermonteerd, maar in 1988 werd de originele cut van de film gereconstrueerd. David Lean en zijn originele monteur Anne V. Coates werkten toen aan een Director’s Cut. Deze versie werd nu digitaal gerestaureerd door Sony Pictures Entertainment en zorgt er zo mee voor dat de film wordt getoond zoals origineel voorzien: met een ouverture, intermissie, entr’acte en afsluitende muziek.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
One of the screen's grandest epics, this monumental story recounts the true life experiences of T.E. Lawrence, better known to the world as Lawrence of Arabia. A young, idealistic British officer in WWI, Lawrence (Peter O'Toole), is assigned to the camp of Prince Faisal (Alec Guinness), an Arab tribal chieftain and leader in a revolt against the Turks. In a series of brilliant tactical manoeuvres, Lawrence leads fifty of Faisal's men in a tortured three-week crossing of the Nefud Desert to attack the strategic Turkish-held port of Aqaba. And following his successful raids against Turkish troops and trains, Lawrence’s triumphant leadership and unyielding courage gain him nearly god-like status among his Arab brothers.
With Oscar-winning cinematography, magnificent locations, Maurice Jarre’s famed score and a screenplay based on Lawrence’s own writings, David Lean’s Lawrence of Arabia is a masterpiece. Over the years, the film was heavily cut, but in 1988, a reconstruction of the film was undertaken. David Lean and original editor Anne V. Coates then worked on the film to create Lean’s Director’s Cut. It is this version that has now been lovingly digitally restored by Sony Pictures Entertainment, ensuring that the film will be seen as it was meant to be, for the first time since its initial release. The film will also be screened in its original roadshow format, with an overture, intermission, entr’acte and exit music.
Theater FroeFroe stort zich deze zomer op de legendarische dwaaltocht van Don Quixote: een waanzinnige val tussen vrijheid en onderwerping, waarheid en leugen.
In deze gloednieuwe beeldende voorstelling, doordrenkt met live muziek, ondoorgrondelijke personages en mysterieuze taferelen, leggen we de ziel van het iconische meesterwerk van Miguel de Cervantes bloot. Een satirisch spektakel voor een wereld die steeds waanzinniger vecht tegen haar windmolens.
Met een scherpe, brutale blik, een stevige dosis humor en zelfspot, tasten we in de diepe krochten van onze krachten, angsten en de grillen van ons menselijk bestaan. Bereid je voor op een theaterervaring die je onderdompelt en niet meer loslaat.
Deze zomer te zien als locatieproject in de Blikfabriek.
Minnaars Florence en Julien plotten de moord op Florences echtgenoot, die ook Juliens baas is. Ze lijken weg te komen met hun misdaad, totdat Julien beseft dat hij bewijsmateriaal heeft achtergelaten op de plaats delict… Louis Malles debuutfilm vermengt film noir met een eigentijdse stijl en markeerde de opkomst van de Franse Nouvelle Vague-beweging. Jeanne Moreau’s betoverende performance betekende haar grote doorbraak in de cinema, terwijl Miles Davis’ legendarische, volledig geïmproviseerde soundtrack geldt als een baanbrekend meesterwerk op zich.
Dinsdag 19 augustus wordt de film in de buitenlucht vertoond bij Cinema Urbana (Kattendijkdok-Oostkaai 25, 2000 Antwerpen).
ASCENSEUR POUR L'ÉCHAFAUD is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
FR Le film est en français, sous-titré en néerlandais
Florence et Julien, amants passionnés, planifient le meurtre du mari de Florence, qui n’est autre que le patron de Julien. Le plan semble parfait, jusqu’au moment où Julien réalise qu’il a laissé des traces sur les lieux du crime… Premier long métrage de Louis Malle, ce thriller élégant mêle les codes du film noir à une esthétique résolument moderne et annonce l’émergence de la Nouvelle Vague. La performance magnétique de Jeanne Moreau marque un tournant décisif dans sa carrière, tandis que la bande-son mythique, entièrement improvisée par Miles Davis, s’impose comme une œuvre révolutionnaire à part entière.
Nog voor de Zweedse Roy Andersson bekend raakte met zijn strak georchestreerde en cynische taferelen in SONGS FROM THE SECOND FLOOR (2000) en YOU, THE LIVING (2007), maakte hij het zonovergoten en zachte A SWEDISH LOVE STORY.
Deze romantische film brengt de kalverliefde tussen twee tieners teder in beeld, terwijl op de achtergrond volwassenen worstelen met de sleur van het leven. Als verliefd stel geven de pubers alleen maar om zichzelf, onbewust van de grote-mensen-problemen om hen heen. In groot contrast met Anderssons latere en meer astandelijke werk stelen hier vooral de prachige close-ups van Jörgen Persson de show, net als het innemende en prille spel van hoofdacteurs Rolf Sohlmn en Ann-Sofie Kylin.
A SWEDISH LOVE STORY is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in Swedish with English subtitles
Even before Sweden’s Roy Andersson became famous for his tightly orchestrated and cynical scenery in SONGS FROM THE SECOND FLOOR (2000) and YOU, THE LIVING (2007), he made the sun-drenched and gentle A SWEDISH LOVE STORY.
This romantic film tenderly portrays the puppy love between two teenagers, while in the background, adults struggle with the drudgery of life. As a couple deeply in love, the adolescents care only about themselves, oblivious to the problems surrounding them. In stark contrast to Anderson’s later and more austere work, Jörgen Persson's stunning close-ups steal the show, as do the engaging performances of lead actors Rolf Sohlmn and Ann-Sofie Kylin.
A SWEDISH LOVE STORY is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Twee broers keren in 1932 terug naar hun geboortegrond in de Mississippi Delta, waar ze een juke joint willen openen. Maar wat begint als een zinderende ode aan de blues mondt uit in een nachtmerrie: bovennatuurlijke krachten, eeuwenoude legendes en bloeddorstige vampiers nemen het podium over.
Met SINNERS keert Ryan Coogler voor het eerst sinds FRUITVALE STATION (2013) terug met een volledig originele film. Hij grijpt terug naar de orale traditie van het Zuiden, waarin muziek, magie en bloedbanden onlosmakelijk verweven zijn. De film laat zich evenveel inspireren door hoodoo-folklore als door exploitatiecinema, en koppelt scherpe politieke onderstromen aan hypnotiserende tableaus vol rook en kleur.
Onder het genregeweld schuilt een verhaal over trauma en doorgegeven pijn. Muziek fungeert niet enkel als troost, maar als middel tot verzet. In Cooglers nachtmerrie leeft de geschiedenis voort als vloek – en is de enige uitweg collectief, luid en lijfelijk.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
Two brothers return to their birthplace in the Mississippi Delta in 1932, hoping to open a juke joint. But what begins as a rousing ode to the blues soon descends into a nightmare: supernatural forces, ancient legends, and bloodthirsty vampires take over the stage.
With SINNERS, Ryan Coogler delivers his first fully original film since FRUITVALE STATION (2013). He taps into the South’s oral traditions, where music, magic, and blood ties are deeply entwined. Drawing inspiration from hoodoo folklore and exploitation cinema alike, the film pairs sharp political undercurrents with hypnotic, smoke-filled tableaux.
Beneath the genre spectacle lies a story of trauma and generational pain. Music is more than comfort; it’s a form of resistance. In Coogler’s nightmare, history survives as a curse – and the only way out is collective, loud, and bodily.
WATTSTAX is veel meer dan een concertfilm. De film brengt de legendarische benefitshow tot leven die in 1972 werd gehouden ter herdenking van de Watts-rellen van 1965. Met optredens van Stax-iconen als Isaac Hayes, Carla Thomas en The Staple Singers biedt Wattstax niet alleen muziek, maar ook een indringend portret van de Black Power-beweging en de gemeenschap van Watts.
Tussen de concertbeelden door verweeft regisseur Mel Stuart — bekend van WILLY WONKA & THE CHOCOLATE FACTORY — persoonlijke interviews, gospeloptredens en rauwe stand-up van een jonge Richard Pryor. Zo vangt hij niet alleen de energie van het evenement, maar ook de tijdsgeest van de vroege jaren '70. Hoogtepunt is Isaac Hayes' onvergetelijke Theme from Shaft en Soulsville.
WATTSTAX is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English without subtitles
WATTSTAX is much more than just a concert film. It brings to life the legendary benefit show held in 1972 to commemorate the 1965 Watts Riots. Featuring performances by Stax icons such as Isaac Hayes, Carla Thomas, and The Staple Singers, Wattstax offers not only music but also a powerful portrait of the Black Power movement and the Watts community.
Between the concert footage, director Mel Stuart — best known for WILLY WONKA & THE CHOCOLATE FACTORY — weaves in personal interviews, gospel performances, and raw stand-up comedy by a young Richard Pryor. In doing so, he captures not only the energy of the event but also the spirit of the early 1970s. The highlight is Isaac Hayes’ unforgettable renditions of Theme from Shaft and Soulsville.
WATTSTAX is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Na het fenomenale en bekroonde MIJN NAAM IS COURGETTE, komt de Zwitserse regisseur Claude Barras met een nieuwe stop-motion parel. Deze keer trekt hij zich het lot van de jungle aan en maakt hij iedereen warm voor natuurbehoud – én voor schattige orang-oetans.
Kéria woont samen met haar vader aan de rand van het oerwoud in Borneo, als haar neefje Selaï vanuit de jungle een tijdje bij hen komt wonen. Wanneer Kéria een baby oerang-oetan vindt, willen ze die samen verzorgen om het aapje later in het oerwoud vrij te laten. Maar de jungle wordt bedreigd door grote houthakbedrijven. Kéria en Selaï zetten alles op alles om de natuur en hun familie te beschermen.
Een Hollywoodscenarist (Humphrey Bogart) wordt beschuldigd van moord. De politie doet er alles aan om te bewijzen dat hij schuldig is en is zo overtuigend dat zelfs zijn nieuwe geliefde (Gloria Grahame) begint te twijfelen aan zijn onschuld.
In navolging van twee filmische jaargenoten, ALL ABOUT EVE en SUNSET BOULEVARD, graaft IN A LONELY PLACE diep in de zeden en valkuilen van beroemdheid in Hollywood. De morele ambiguïteit, woede-uitbarstingen, atmosferische zwartwit cinematografie en verbluffende acteerprestatie van Humphrey Bogart als man op de rand van een zenuwinzinking maken van deze film noir een tijdloos fascinerend moordmysterie.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
A Hollywood screenwriter (Humphrey Bogart) is accused of murder. The police do everything in their power to prove that he is guilty, and are so convincing that even his new lover (Gloria Grahame) starts to doubt his innocence.
In line with two filmic masterpieces of the same year, ALL ABOUT EVE and SUNSET BOULEVARD, IN A LONELY PLACE studies the morals and vices of fame in Hollywood. The ethical ambiguity, violent outbursts, atmospheric black-and-white cinematography and remarkable acting performance of Humphrey Bogart as a man on the verge of a nervous breakdown, turn this film noir into a timeless, fascinating murder mystery.
"We voelden de gevangenschap van het meisje-zijn, hoe het je geest actief en dromerig maakte." Zo herinneren de jongens zich de vijf Lisbon-zusjes – Cecilia, Lux, Bonnie, Mary en Therese – die opgroeien onder het verstikkende regime van hun ouders. Ze proberen de meisjes te begrijpen, maar raken verstrikt in hun eigen verlangens en projecties. Wie waren de zussen echt? Of beter: wie mochten ze (niet) zijn?
Sofia Coppola’s debuutfilm uit 1999, naar de roman van Jeffrey Eugenides, is een hypnotiserende bespiegeling over vrouwelijke identiteit in een wereld die meisjes liever inkadert dan begrijpt. Tussen dromerige beelden, fluisterende stemmen en de melancholie van Air ontvouwt zich geen lineair verhaal, maar een vervagende herinnering.
THE VIRGIN SUICIDES is geen mysterie om op te lossen, maar een spiegel die meer onthult over wie kijkt dan over wie bekeken wordt. Een film die het verdriet toont van niet jezelf kunnen zijn – en het verlangen om gezien te worden, los van het beeld dat anderen van je hebben. Een genadeloze klassieker over hoe identiteit verloren kan gaan in de ogen van anderen.
THE VIRGIN SUICIDES is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
“We felt the imprisonment of being a girl, the way it made your mind active and dreamy” That’s how the boys remember the five Lisbon sisters – Cecilia, Lux, Bonnie, Mary, and Therese – growing up under the suffocating rule of their parents. They try to understand the girls, but get lost in their own longings and projections. Who were the sisters, really? Or rather: who were they (not) allowed to be?
Sofia Coppola’s 1999 debut, based on the novel by Jeffrey Eugenides, is a hypnotic meditation on female identity in a world more eager to contain girls than to understand them. Between dreamlike images, whispered narration and the melancholic sounds of Air, unfolds not a clear narrative, but a fading memory.
THE VIRGIN SUICIDES is not a mystery to be solved, but a mirror that reveals more about the observer than the observed. A film that captures the sorrow of not being able to be yourself – and the deep longing to be seen beyond what others project onto you. A quiet, ruthless classic about how identity can disappear in someone else’s gaze.
THE VIRGIN SUICIDES is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
In BLACK DOG laat regisseur Guan Hu zien hoe economische ontwikkelingen de rand van de Gobiwoestijn bereiken en ook daar het dagelijks leven beïnvloeden. Aan de vooravond van de Olympische Spelen van Peking probeert Lang (Eddie Peng) zijn leven weer op te pakken en sluit een bijzondere vriendschap.
De zwijgzame Lang keert na zijn gevangenschap terug naar zijn geboorteplaats aan de rand van de Gobiwoestijn. Hij gaat werken voor de lokale hondenpatrouille, die de zwerfhonden uit de stad moet verdrijven voordat de Olympische Spelen van 2008 beginnen. Lang is gefascineerd door een van de honden die ze moeten vangen. Hij voelt een onwaarschijnlijke band met deze indrukwekkende, zwarte hond (Xin). Terwijl Lang door zijn verleden wordt ingehaald, vormt hij met Xin een uitzonderlijke vriendschap.
“Een mix van western, thriller en sardonische humor, gevat in zanderig gekleurde breedbeeldcomposities waaruit de weemoed sijpelt.” Christophe Verbiest, De Morgen
BLACK DOG won Beste Film van Un Certain Regard en de prijs voor Beste Film op het Filmfestival van Oostende. “A crime thriller and a dazzling piece of landscape cinema” (Jonathan Romney, Financial Times).
“Architecture on Film” Gecureerd door VAi x De Cinema
ARCHITECTON is een prachtige poëtische studie van de gelauwerde filmmaker Victor Kossakovsky (GUNDA), waarin beton de hoofdrol speelt — als fundament van beschaving én als stille getuige van haar ondergang. Wat zegt onze manier van bouwen over wie we zijn? En wat blijft er over wanneer alles instort?
ARCHITECTON is de openingsfilm van de hoofdtentoonstelling van de Architectuurbiënnale van Venetië, getiteld Intelligens. Natural. Artificial. Collective. De film reflecteert op de cyclus van bouwmaterialen en hun relatie met de natuur.
In hypnotiserende beelden reist Kossakovsky langs oude ruïnes, door aardbevingen verwoeste steden in Turkije en recent gebombardeerde gebouwen in Oekraïne. Hij volgt architect Michele De Lucchi wiens radicale idee – een magische cirkel waar geen mens mag komen, als teken van respect voor de natuur – centraal staat in deze bezwerende reflectie op architectuur, natuur en beschaving.
ENG The film is in English/Italian with Dutch subtitles
“Architecture on Film” Curated by VAi x De Cinema
ARCHITECTON is a beautifully poetic study of the awarded filmmaker Victor Kossakovsky (GUNDA) where concrete plays the main part — as the foundation of civilisation and as a silent witness of her downfall. What does our way of building say about who we are? And what remains if everything collapses?
ARCHITECTON is the opening movie of the Venice Architecture Biennale’s main exhibition, titled Intelligens. Natural. Artificial. Collective. It reflects on the life cycles of building materials and their relationship with nature.
In hypnotic images, Kossakovsky travels along old ruins, Turkish cities ruined by earthquakes and recently bombarded buildings in Ukraine. He follows architect Michele De Lucchi, whose radical idea – a magic circle where no one is allowed, as a sign of respect for nature – is central in this mesmerising reflection on architecture, nature and civilisation.
Naast romantiek en ontlading, zijn feesten ook een broeihaard voor portretten over seks, drugs en criminaliteit. Dat alles komt ongefilterd maar übergestileerd samen in Gaspar Noé’s psychedelische drugtrip CLIMAX. Wanneer een dansgroep naar een lege school wordt gelokt, zorgt een kom sangria vol verdovende middelen ervoor dat hun jubelende repetitie verandert in een explosieve nachtmerrie. De trippende groep probeert de nacht te overleven…
Zoals wel vaker ging de spraakmakende Noé op een eerder ongewone manier te werk. De hele productie van de film nam slechts vier weken in beslag en alles werd, eerder atypisch voor een filmproductie, in chronologische volgorde opgenomen in slechts twee weken. Hoewel Noé de premisse had bedacht, bestond het grootste deel van de film uit improvisatie. Daardoor had de cast de volledige vrijheid om te bepalen waar het verhaal en de personages naartoe moesten.
CLIMAX bevat verschillende lange takes, waaronder één die meer dan 42 minuten duurt. Die vormelijke bravoure—opvallende cinematografie, opzwepende soundtrack en indrukwekkende choreografie—kon op veel bijval van critici en publiek rekenen. Tegelijkertijd knapten heel wat mensen af op het vele geweld, waardoor de film door de jaren heen een zekere cultstatus verkreeg.
CLIMAX is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
Toen de Franse televisiezender Arte in 1994 een aantal gerenomeerde filmmakers de opdracht gaf een film te maken geïnspireerd op hun eigen jeugd, leverde Claire Denis het tot op vandaag zelden vertoonde maar krachtige U.S. GO HOME af — wellicht één van haar meest autobiografische werken.
De 14-jarige Martine woont in een flat in de buurt van de Amerikaanse militaire basis aan de rand van Parijs. Als jonge puber wil ze maar één ding: haar maagdelijkheid verliezen. Wanneer ze wordt uitgenodigd voor een feestje, is ze vastberaden die droom waar te maken. Alice Houri vertolkt de jeugdige verbetenheid van Martine met verve, en Grégoire Colin speelt haar oudere broer, zoals ze twee jaar later ook zouden doen in Denis’ NÉNETTE ET BONI, waarvoor U.S. GO HOME in vele opzichten een spirituele voorloper was.
Bijna een derde van de film speelt zich af tijdens het beruchte feest, waar muziek van The Animals, Otis Redding en Chuck Berry de revue passeert. Daarmee onderstreept Denis hoe centraal Engelstalige rockmuziek was voor Franse jongeren in de jaren zestig, en ook het belang van dans als privé- en collectief ritueel. Denis’ finesse om (dansende) lichamen te fotograferen en de psychologische diepten van haar personages te doorgronden, maken van de film een klein meesterwerk.
U.S. GO HOME is deel van de omnibusfilm TOUS LES GARÇONS ET LES FILLES DE LEUR ÂGE, net zoals André Téchiné’s WILD REEDS. Beide films zijn deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in French with English subtitles
In 1994, when the French television channel Arte commissioned several renowned filmmakers to create a film inspired by their own preadolescence, Claire Denis delivered the rarely seen but powerful U.S. GO HOME—arguably one of her most autobiographical works to date.
Fourteen-year-old Martine lives in a flat near the U.S. military base on the outskirts of Paris. As a young adolescent, she wants only one thing: to lose her virginity. When she is invited to a party, she is determined to make that dream come true. Alice Houri wonderfully portrays Martine’s youthful doggedness, and Grégoire Colin plays her older brother, as they would two years later in Denis’ NÉNETTE ET BONI, for which U.S. GO HOME was in many ways a spiritual precursor.
Nearly a third of the film takes place during the infamous party, where music by The Animals, Otis Redding, and Chuck Berry features. In doing so, Denis highlights the central role of English-language rock music in French youth culture of the 1960s, as well as the significance of dance as both a private and collective ritual. Denis’s finesse for capturing (dancing) bodies and fathoming the psychological depths of her characters makes the film a minor masterpiece.
U.S. GO HOME is part of the omnibus film TOUS LES GARÇONS ET LES FILLES DE LEUR ÂGE, as is André Téchiné’s WILD REEDS. Both films are part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
In het begin van de jaren 2000 floreerde Shakedown als een lesbische stripclub in LA opgericht door en voor Afro-Amerikaanse vrouwen, één van de weinige plekken waar deze specifieke community totale seksuele bevrijding kon ervaren. In 2004 sloot de politie alle deuren.
Regisseur Leilah Weinraub brengt de acht jaar van Shakedown in kaart en probeert “het voor en na van een utopisch moment in beeld te brengen”. SHAKEDOWN, gefilmd met de tederheid van een home movie, vangt de voortstuwende, droomachtige sfeer van de club en toont haar onderwerpen op een verbluffende intieme manier. Gepresenteerd als een old-school mixtape is deze film even moedig als stil betoverend in de manier waarop het niets verbloemt. Deze empatische documentaire is een essentieel relikwie voor het verleden, heden, en de toekomst van de queer community.
SHAKEDOWN kon een paar jaar geleden op veel mond-aan-mond reclame rekenen toen de film gratis te zien was via Pornhub. Ondanks het vele naakt is Weinraub’s intieme portret net heel delicaat in de manier waarop het zijn onderwerpen presenteert lang voordat ze hun kleren beginnen uit te trekken. Een film die het belang van safe(r) spaces voor minderheden broodnodig onderstreept.
De film wordt voorafgegaan door Mirelle Borra’s korte videowerk SAFE SPACE (2021 - 10' EN OT): een compilatie YouTube clips van vroege ballroom performances uit de vroege jaren negentig. Ballroomcultuur werd gecreëerd door trans- en queermensen van kleur als reactie op een maatschappij die hun aanwezigheid marginaliseerde.
SHAKEDOWN is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English without subtitles
In the early 2000s, Shakedown flourished as a lesbian strip club in LA founded by and for African-American women, one of the few places where this particular community could experience total sexual liberation. In 2004, the police closed all the doors.
Director Leilah Weinraub charts the eight years of Shakedown and attempts to “portray the before and after of a utopian moment.” Filmed with the tenderness of a home movie, SHAKEDOWN captures the propulsive, dreamlike atmosphere of the club and showcases its subjects in a stunningly intimate way. Presented as an old-school mixtape, this film is as bold as it is quietly mesmerising in the way it glosses over nothing but just shows everything. This empathetic documentary is an essential relic for the past, present, and future of the queer community.
SHAKEDOWN gained a lot of word-of-mouth publicity a few years ago when the film was available for free viewing via Pornhub. Despite the amount of nudity, Weinraub's intimate portrait is very delicate in the way it presents its subjects long before they start taking off their clothes.
The film will be preceded by Mirelle Borra's short video work SAFE SPACE (2021 - 10' EN SUB): a compilation of YouTube clips of ballroom performances from the early 90s. Ballroom culture was created by coloured trans and queer people as a reaction on a society which marginalized their presence.
SHAKEDOWN is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
In de zomer van 1969 werd een weiland in upstate New York het toneel van een ongezien cultureel moment. Wat begon als een rockfestival groeide uit tot een tijdelijk utopia waar meer dan 400.000 jonge mensen samenkwamen — op zoek naar muziek, vrijheid en een andere manier van samenleven.
Michael Wadleighs WOODSTOCK is de film die dit legendarische weekend niet alleen registreerde, maar ook vormgaf aan het collectieve geheugen ervan. Gedraaid met zestien camera’s, gemonteerd met een revolutionaire flair door onder anderen Thelma Schoonmaker en een jonge Martin Scorsese, dompelt de documentaire je onder in de muziek én in de massa: van de zinderende gitaren van Jimi Hendrix tot de stille momenten in de regen, van de chaos achter de schermen tot de pure overgave voor het podium.
Meer dan vijftig jaar later blijft WOODSTOCK overeind als de ultieme muziekdocumentaire — een portret dat evenveel vertelt over de jaren zestig als over de kracht van muziek en massa. Tijdens het kijken wordt duidelijk hoe diep de muziek (o.a. Janis Joplin, Joan Baez, Crosby Stills & Nash) de energie en de droom van Woodstock in het DNA van een generatie gegrift staan.
WOODSTOCK is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English without subtitles
In the summer of 1969, a field in upstate New York became the stage for an unprecedented cultural moment. What began as a rock festival grew into a temporary utopia where more than 400,000 young people came together — in search of music, freedom, and a different way of living together.
Michael Wadleigh’s WOODSTOCK is the film that not only documented that legendary weekend but also helped shape the collective memory of it. Shot with sixteen cameras and edited with revolutionary flair by, among others, Thelma Schoonmaker and a young Martin Scorsese, the documentary immerses you in both the music and the masses: from Jimi Hendrix’s searing guitar solos to quiet moments in the rain, from backstage chaos to the pure surrender in front of the stage.
More than fifty years later, WOODSTOCK still stands as the ultimate music documentary — a portrait that speaks as much about the 1960s as it does about the power of music and the crowd. As you watch it, it becomes clear just how deeply the music (including Janis Joplin, Joan Baez, and Crosby, Stills & Nash), the energy, and the dream of Woodstock are etched into the DNA of a generation.
WOODSTOCK is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Cinema Soleil richt zich volledig op Afro-Caribische perspectieven en verhalen, en presenteert een zorgvuldig gecureerde selectie van kortfilms. De avond biedt een podium aan films die zelden de spotlight krijgen binnen het traditionele filmcircuit, maar die uitblinken in zeggingskracht, emotie en visuele verbeelding. Het programma geeft ruimte aan stemmen die raken, uitdagen én verbinden.
Naast de vertoningen gaan filmmakers in gesprek met het publiek. Thema’s zoals identiteit, creatie binnen een diaspora-context, persoonlijke narratieven en de kracht van storytelling staan centraal in dit open gesprek. De avond nodigt uit tot ontmoeting, dialoog en inspiratie.
“Met Cinema Soleil willen we niet alleen films tonen, maar ook bruggen bouwen tussen makers, verhalen en gemeenschappen. De Zomerfabriek is de perfecte plek voor deze ontmoeting”, aldus Noémie Ntoto, curator van dienst.
De avond start vanaf 18u30 en de toegang is gratis.
Programma:
18u30 Opening deuren voor publiek
19u00 Welkomstwoord door Noémie Ntoto
19u10 Vertoning TILAPIA van Crispin Yanisi
19u30 Vertoning PAPILLON van Noah Nzeyimana
19u45 Q&A met de twee filmmakers
20u00 Pauze 20:15 Vertoning I THOUGHT OF YOU TODAY van Cianeh A. Kpukuyou (aka Ask)
20u20 Start vertoning ZWARTE IBIS van Black Speaks Back
20u40 Q&A met Cianeh A. Kpukuyou
21u00 Pauze + Performance door Christi Joza Orisha
21u30 Vertoning GBONYO PARTY van Andy Madjitey
21u35 Vertoning STILL PROCESSING van Sonia Dorcas
21u45 Vertoning DA YIE van Anthony Nti
22u05 Q&A met filmmakers Nti en Dorcas + panelgesprek met Elinam Etchi & Rokia Bamba
Een Hollywoodscenarist (Humphrey Bogart) wordt beschuldigd van moord. De politie doet er alles aan om te bewijzen dat hij schuldig is en is zo overtuigend dat zelfs zijn nieuwe geliefde (Gloria Grahame) begint te twijfelen aan zijn onschuld.
In navolging van twee filmische jaargenoten, ALL ABOUT EVE en SUNSET BOULEVARD, graaft IN A LONELY PLACE diep in de zeden en valkuilen van beroemdheid in Hollywood. De morele ambiguïteit, woede-uitbarstingen, atmosferische zwartwit cinematografie en verbluffende acteerprestatie van Humphrey Bogart als man op de rand van een zenuwinzinking maken van deze film noir een tijdloos fascinerend moordmysterie.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
A Hollywood screenwriter (Humphrey Bogart) is accused of murder. The police do everything in their power to prove that he is guilty, and are so convincing that even his new lover (Gloria Grahame) starts to doubt his innocence.
In line with two filmic masterpieces of the same year, ALL ABOUT EVE and SUNSET BOULEVARD, IN A LONELY PLACE studies the morals and vices of fame in Hollywood. The ethical ambiguity, violent outbursts, atmospheric black-and-white cinematography and remarkable acting performance of Humphrey Bogart as a man on the verge of a nervous breakdown, turn this film noir into a timeless, fascinating murder mystery.
Twee extravagante dragqueens en een onverzettelijke transvrouw stappen aan boord van hun lavendelkleurige bus en laten Sydney achter zich. Hun doel? Een knallend drag-optreden in Alice Springs, diep in de meedogenloze woestijn. Het wordt een flamboyante roadtrip door de ruige outback van Australië, waar ze niet altijd klaar zijn voor wie buiten de lijntjes kleurt. In een tijd waarin identiteit en expressie nog steeds onder druk staan, blijft deze klassieker een bruisend eerbetoon aan moed, vriendschap en de kracht van zelfexpressie. Met scherpe humor en onwrikbare trots bewijzen deze showgirls dat ware vrijheid draait om jezelf durven zijn.
Dinsdag 12 augustus wordt de film in de buitenlucht vertoond bij Cinema Urbana (Kattendijkdok-Oostkaai 25, 2000 Antwerpen).
ENG The film is in English with Dutch subtitles
Two extravagant drag queens and an unyielding trans woman board their lavender-coloured bus and leave Sydney behind. Their goal? A smashing drag gig in Alice Springs, deep down in the unforgiving desert. What follows is a flamboyant road trip through Australia’s rugged outback, where the people are not always ready for those who colour outside the normative lines. At a time when identity and expression remain under pressure, this queer classic remains a vibrant tribute to courage, friendship and the power of self-expression. With sharp humour and unwavering pride, these showgirls prove that true freedom is about daring to be yourself.
Tuesday 12 August, the film will be screened in the open air at Cinema Urbana (Kattendijkdok-Oostkaai 25, 2000 Antwerpen).
Y TU MAMÁ TAMBIÉN is de doorbraakfilm van Alfonso Cuarón uit 2001. Twee Mexicaanse tieners, Tenoch (Diego Luna) en Julio (Gael García Bernal), trekken op roadtrip met Luisa — de Spaanse vrouw van hun neef. Wat volgt is een zinderende reis vol verlangen, onzekerheid en ontluikende volwassenheid. Deze coming-of-age roadtrip is intiem portret van jongeren én een land in verandering, en een mijlpaal in de Mexicaanse cinema. Mede dankzij de sensuele, levendige fotografie van Emmanuel Lubezki. Dankzij zijn werk voor Terence Malick (THE TREE OF LIFE) en Alejandro G. Iñárritu (BIRDMAN) behoort hij tot één van de beste cinematografen van zijn generatie.
Oorspronkelijk wilde Cuarón liever niet Diego Luna casten omdat hij een tieneridool en telenovellaster was in Mexico. Maar García Bernal overtuigde Cuarón omdat hij vond dat hun al bestaand vriendschap de vertolking van de vriendschap tussen hun personages veel gemakkelijker zou maken.
Y TU MAMÁ TAMBIÉN is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in Spanish with English subtitles
Y TU MAMÁ TAMBIÉN is Alfonso Cuarón’s breakthrough film. Two Mexican teenagers, Tenoch (Diego Luna) and Julio (Gael García Bernal), go on a road trip with Luisa, their cousin's Spanish wife. What follows is a sweltering journey marked by desire, uncertainty, and the complexities of emerging adulthood. An intimate portrait of adolescents and a country in change, and a milestone in Mexican cinema. What makes this screenplay so powerful, so sensorial, so timeless?
Initially, Cuarón preferred not to cast Diego Luna because he was a teen idol and telenovela star in Mexico. But García Bernal convinced Cuarón because he felt their pre-existing friendship would make the portrayal of the friendship between their characters much easier.
Y TU MAMÁ TAMBIÉN is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Vijftig jaar na de première van de film DEATH IN VENICE zien we Björn Andrésen, de voormalige tienerster die ooit het legendarische personage Tadzio belichaamde in Visconti’s meesterwerk. Hij neemt ons mee op een opmerkelijke reis langs persoonlijke herinneringen, filmgeschiedenis, sterrenstof en zijn persoonlijke tragedie.
In 1970 reisde filmmaker Luchino Visconti door Europa op zoek naar de perfecte jongen om de absolute schoonheid te verpersoonlijken in zijn verfilming van Thomas Manns roman Dood in Venetië. In Stockholm ontdekte hij Björn Andrésen, een verlegen 15-jarige tiener die hij van de ene op de andere dag internationale roem bezorgde. Hij bracht hem ertoe een kort maar intens deel van zijn turbulente jeugd door te brengen tussen het Lido in Venetië, Londen, het filmfestival van Cannes en het zo ver weg gelegen Japan, waar hij een korte maar succesvolle carrière als popster had. We vertonen Visconti's film op 7 en 10 augustus.
Vijftig jaar na de première van DEATH IN VENICE maken we met Andrésen een bijzondere reis die voor hem wel eens de laatste poging zou kunnen zijn om zijn leven weer op de rails te krijgen.
Een warme zomerdag in Newport, Rhode Island, vormt het decor voor JAZZ ON A SUMMER'S DAY, de legendarische concertfilm van fotograaf Bert Stern. Intieme optredens van Louis Armstrong, Mahalia Jackson, Thelonious Monk en Anita O’Day worden afgewisseld met beelden van zeilboten, dansende festivalgangers en de bruisende energie van het Amerika van de late jaren 1950.
Dankzij een schitterende 4K-restauratie straalt JAZZ ON A SUMMER'S DAY als nooit tevoren. En maar goed ook. Meer dan een muziekregistratie voelt deze film vandaag immers als een sfeervolle tijdcapsule waarin muziek, beweging en licht in een los ritme samenkomen — als een onstuimige en zwoele zomerdag gevangen op film.
JAZZ ON A SUMMER'S DAY is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
A warm summer day in Newport, Rhode Island, sets the scene for JAZZ ON A SUMMER'S DAY, the legendary concert film by photographer Bert Stern. Intimate performances by Louis Armstrong, Mahalia Jackson, Thelonious Monk, and Anita O’Day are interwoven with images of sailboats, dancing festival-goers, and the vibrant energy of late 1950s America.
Thanks to a stunning 4K restoration, JAZZ ON A SUMMER'S DAY shines brighter than ever. More than just a music recording, the film feels like an atmospheric time capsule where music, movement, and light blend in a loose rhythm—capturing the spirited and sultry essence of a summer day on film.
JAZZ ON A SUMMER'S DAY is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Deze eerste kinderfilm over Frida Kahlo is prachtig geanimeerd en roept de levendige sfeer van haar schilderwerken op.
Frida woont in de bruisende wereld van Mexico-Stad, en ze sprankelt van energie. Wanneer ze ziek wordt, gebruikt ze haar weelderige fantasie om de obstakels te overwinnen. Zo groeit ze uit tot een van de beroemdste kunstenaars van de 20ste eeuw.
Bekroond Italiaans regisseur Luchino Visconti verfilmde de novelle DEATH IN VENICE van Duits auteur Thomas Mann. Het verhaal volgt avant-garde componist Gustave von Aschenbach die naar een Venetiaans kuuroord aan zee reist op zoek naar rust na een periode van ziekte en artistieke en emotionele stress. Maar de componist vindt die beoogde rust niet, integendeel hij ontwikkelt een obsessie voor een tienerjongen, Tadzio, die in de badplaats op vakantie is met zijn familie. Tadzio belichaamt een schoonheidsideaal waarnaar von Aschenbach al lang op zoek was en hij voelt een verontrustende aantrekking tegenover de jongen.
Björn Andrésen, de jonge acteur die Tadzio speelde, werd na de release van de film wereldberoemd. De plotselinge faam en het feit dat hij in de film – en daarbuiten – werd voorgesteld als obsessieobject onder de tagline “the most beautiful boy in the world”, resulteerde in een moeilijke verdere carrière. Voor zijn rol in DEATH IN VENICE had Andrésen in één andere film meegespeeld, A SWEDISH LOVE STORY (1970). Nadien wilde hij zo snel mogelijk van dat imago als lustobject af. De documentaire THE MOST BEAUTIFUL BOY IN THE WORLD (2021) focust op de naweeën van Andrésens ervaring met wereldroem na de première van DEATH IN VENICE. We vertonen de docu op zondag 10 augustus.
Voor haar 10e editie kijkt Send in the Clowns terug én vooruit. In een show waarin de grenzen tussen queer kunsten vervagen brengen oude bekenden en nieuwe performers uit verschillende kunstpraktijken hun interpretaties van thema's uit eerdere edities. Is het een Pageant? Een Club Night? Een talentenjacht? Een queer utopisch eiland? Een koortsdroom? Drag Race? Een cabaret? Een protest? Wel, alles! En zeker dat laatste. Een viering van queerness, gender fuckery en camp culture. Well, yes! Ook voor de afterparty halen de clowns alles uit de kast, met gevestigde waarden, secret guests en vers talent achter de draaitafels.
Showcast:
Elke vorige editie wordt op de mainstage vertegenwoordigd met door Jhaya Destiny Gabbana & Deedee (𝒫𝒶𝑔ℯ𝒶𝓃𝓉), Meglo & Rose Gigot (𝒞𝓁𝓊𝒷 𝒦𝒾𝒹𝓈), Sexi Whispers & Evarista (𝒪𝓅ℯ𝓃 𝒮𝓉𝒶𝑔ℯ graduates), Angel 666 (𝐼𝓈𝓁𝒶𝓃𝒹), Puki Harana + Espressa & Raoul Les Mécaniques + Joh Lala (𝓁𝒾𝓅 𝓈𝓎𝓃𝒸𝒽), Brian Damage & Neal Leemput (𝒫𝓇ℴ𝓉ℯ𝓈𝓉) en Paula Roid & Brenda Aerts (𝒞𝒶𝒷𝒶𝓇ℯ𝓉). En natuurlijk geen SITC zonder 𝓞𝓹𝓮𝓷 𝓢𝓽𝓪𝓰𝓮 show!
Voor haar 10e editie kijkt Send in the Clowns terug én vooruit. In een show waarin de grenzen tussen queer kunsten vervagen brengen oude bekenden en nieuwe performers uit verschillende kunstpraktijken hun interpretaties van thema's uit eerdere edities. Is het een Pageant? Een Club Night? Een talentenjacht? Een queer utopisch eiland? Een koortsdroom? Drag Race? Een cabaret? Een protest? Wel, alles! En zeker dat laatste. Een viering van queerness, gender fuckery en camp culture. Well, yes! Ook voor de afterparty halen de clowns alles uit de kast, met gevestigde waarden, secret guests en vers talent achter de draaitafels.
Showcast:
Elke vorige editie wordt op de mainstage vertegenwoordigd met door Jhaya Destiny Gabbana & Deedee (𝒫𝒶𝑔ℯ𝒶𝓃𝓉), Meglo & Rose Gigot (𝒞𝓁𝓊𝒷 𝒦𝒾𝒹𝓈), Sexi Whispers & Evarista (𝒪𝓅ℯ𝓃 𝒮𝓉𝒶𝑔ℯ graduates), Angel 666 (𝐼𝓈𝓁𝒶𝓃𝒹), Puki Harana + Espressa & Raoul Les Mécaniques + Joh Lala (𝓁𝒾𝓅 𝓈𝓎𝓃𝒸𝒽), Brian Damage & Neal Leemput (𝒫𝓇ℴ𝓉ℯ𝓈𝓉) en Paula Roid & Brenda Aerts (𝒞𝒶𝒷𝒶𝓇ℯ𝓉). En natuurlijk geen SITC zonder 𝓞𝓹𝓮𝓷 𝓢𝓽𝓪𝓰𝓮 show!
In een dromerige, Brusselse nocturne vangt Chantal Akerman meer dan twee dozijn mensen in korte vignettes. Tussen gordijnen en achter ramen positioneert de Belgische filmmaker haar personages met grote zorg: elke scène ontsluit een totaal nieuwe wereld.
De mozaïekfilm TOUTE UNE NUIT speelt zich af tijdens een zomerse onweersnacht in Brussel. Tot aan het ochtendgloren, in de vochtige warmte, beleven mannen en vrouwen de liefde, dromen ervan of vinden haar op hun pad. De tijd lijkt stilgezet door het verlangen. Er staat iets te gebeuren, onontkoombaar.
Zo vormt Akerman een soort ballet, een legpuzzel van dansers die elkaar steeds weer kruisen, met fragmenten van gesprekken tussen geliefden als stukjes uit een roman. Er hangt een “coup de foudre” in de lucht, maar de donder drijft de koppels weer uiteen; de waarheid slaat in als een revolverschot. TOUTE UNE NUIT zit vol nachtelijke beeldpoëzie, een hoogtepunt in Akermans oeuvre: de nacht als het moment voor onverwachte ontmoetingen.
De film werd gerestaureerd door CINEMATEK en Fondation Chantal Akerman. Wij vertonen de gerestaureerde versie in 4K.
TOUTE UNE NUIT is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in French with English subtitles
In a dreamy, Brussels nocturne, Chantal Akerman captures more than two dozen people in short vignettes. Between curtains and behind windows, the Belgian filmmaker positions her characters with great care: each scene unlocks a whole new world.
TOUTE UNE NUIT takes place during a stormy summer night in Brussels. Men and women sweat through the tense, sultry heat until dawn, living, dreaming of, or stumbling across love. It’s as if time is suspended, magnified by desire and anticipation. Something will happen this evening: it is inevitable.
And thus a ballet takes shape, a puzzle, a chassé-croisé. Chantal Akerman offers us “fragments of lovers’ discourse”, pieces from a novel. Couples are suddenly split apart by a coup de foudre, and truths shatter the silence like gunfire. TOUTE UNE NUIT is filled to the brim with visual poetry, a high point in Akerman’s career: the night is full of unexpected encounters.
We are screening CINEMATEK and Fondation Chantal Akerman’s 4K restoration of the film.
TOUTE UNE NUIT is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
In het 4K-gerestaureerde MILLENIUM MAMBO van de Taiwanese New Wave pionier Hou Hsiao-hsien tracht de jonge Vicky haar ex-romances te herbeleven door langs Taipei’s clubs te sluimeren, alsof ze gevangen zit in een eeuwigdurende trip down memory lane. In de film onthult Vicky details over haar leven van een decennium eerder. Ze beschrijft haar jeugd en de veranderingen die haar leven onderging aan het begin van het nieuwe millennium, toen ze aan de bak kwam als hostess in een trendy bar.
Ondertussen is hij op pensioen, maar toch wordt Hou Hsiao-hsien nog steeds gezien als één van de belangrijkste hedendaagse filmauteurs. Zijn films hebben een specifieke visuele stijl en bieden vaak een retrospectieve blik op het leven van gewone mensen, waarmee hij enkele van de belangrijkste kenmerken van de Taiwanese New Wave cinema vertegenwoordigde.
MILLENIUM MAMBO maakte destijds kans op de Gouden Palm in Cannes, waar sound designer Tu Duu-chich met de Technical Grand Prize naar huis ging. De film is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in Chinese with English subtitles
In Taiwanese New Wave pioneer Hou Hsiao-hsien's 4K-restored MILLENIUM MAMBO, young Vicky tries to relive her ex-romances by lurching along Taipei’s dance clubs, as if caught in a perpetual trip down memory lane. In the film, Vicky reveals details about her life a decade earlier. She describes her childhood and the changes her life underwent at the beginning of the new millennium, when she landed a job as a hostess in a trendy bar.
He has since retired, yet Hou Hsiao-hsien is still considered one of the most important contemporary film auteurs. His films possess a distinct visual style and frequently offer a retrospective glimpse into the lives of ordinary people, showcasing some of the most significant characteristics of Taiwanese New Wave cinema.
MILLENIUM MAMBO was nominated for the Palme d’Or in Cannes, where sound designer Tu Duu-chich took home the Technical Grand Prize. The film is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Op 8 augustus nodigen Antwerp Queer Arts Festival en De Cinema je uit voor een bijzondere filmvertoning van vijf internationale queer kortfilms die de grenzen van vorm en verwachting oprekken. Van poëtisch en abstract tot persoonlijk en kwetsbaar: deze films vertellen verhalen over gender, liefde, identiteit en het lichaam, elk op een volstrekt eigen manier.
Samen vormen deze films een krachtige staalkaartvan queer ervaringen – visueel verrassend, emotioneel gelaagd en maatschappelijk urgent. Blijf na de films vooral zitten voor het nagesprek met Poespas Producties.
In B&S (IN 2025 - 30’) laat regisseur Lipika Singh Darai zien hoe stiltes soms meer zeggen dan woorden. Met klank, beweging en losse fragmenten onderzoekt ze queer-zijn in een samenleving die niet wil kijken.
SHAME (FR/ES/LB 2024 - 4’) van Hadi Moussally is een visueel indringend portret van schaamte, het queer lichaam en zelfbeeld – confronterend en teder tegelijk.
Het Gouden Beer winnende LLOYD WONG, UNFINISHED (CA 2025 - 29’) is een persoonlijk eerbetoon van Lesley Loksi Chan aan de creatieve erfenis van Lloyd Wong. Een ontroerende film over queer Aziatische identiteit en herinnering.
ORDINARY LIFE (JP 2025 - 10’) van Yoriko Mizushiri vertelt zonder woorden, maar met zachte animatie en zintuiglijke beelden, over de schoonheid van queer intimiteit in het alledaagse.
Ten slotte vormt UIT DE ZON (BE 2025 - 10’) van Poespas Producties een warme ode aan queer vriendschap, verzet en verbondenheid – zacht, zonnig en uitgesproken.
ENG The films are in their original language with English subtitles
You’re invited to an evening of bold, beautiful queer storytelling. Join AQAF for the screening of five powerful international queer short films that push boundaries and open hearts. These shorts explore the intricate worlds of gender, love, identity, and the body through unique artistic lenses—from poetic abstraction to personal archive, from quiet intimacy to collective voice.
Each film offers a different voice—together, they form a chorus of queer experience that is visually rich, emotionally resonant, and politically urgent. Come for the film, stay for the talk. After the screening, we welcome Poespas Producties for a conversation with the audience. Be part of this moment and let the films move you, provoke you, and stay with you long after the screen fades to black.
In B&S (IN 2025 - 30’) by Lipika Singh Darai (India), silence speaks volumes. This experimental short uses sound, gesture, and fragmented moments to explore queerness and invisibility within a rigid social context.
SHAME (FR/ES/LB 2024 - 4’) by Hadi Moussally is a striking piece that examines internalized shame and the queer male body with bold visual language and raw vulnerability.
In Golden Bear winning LLOYD WONG, UNFINISHED (CA 2025 - 29’), Lesley Loksi Chan blends personal history, and queer Asian identity, reflecting on the creative legacy of Lloyd Wong through a moving archival tribute.
ORDINARY LIFE (JP 2025 - 10’) by Yoriko Mizushiri, soft animation and sensual textures evoke the quiet beauty of everyday queer intimacy—a film that speaks through gesture and feeling more than words.
And finally, UIT DE ZON (BE 2025 - 10’) by Poespas Producties captures the ode to a friendship and queer resistance, but also connection in a sun-drenched setting—intimate, warm, and unafraid.
“Kids lose everything unless there's someone there to look out for them.” Deze harde les deelt de jonge Chris (River Phoenix) met zijn ongelukkige vriend Gordie (Wil Wheaton). Een les die hopelijk elke volwassene kan meedragen en die hopelijk geen enkel kind moet leren.
In STAND BY ME gaan vier 12-jarige vrienden op zoek naar het lichaam van een vermiste jongen in de bossen nabij hun stadje Castle Rock in Oregon tijdens de zomervakantie van 1959. De jongens – Gordie, Chris, Vern en Teddy – dragen elk de last van een moeilijke thuissituatie en vinden troost in elkaars gezelschap. Ze hopen met het vinden van het lichaam lokale helden te worden, maar wat ze onderweg leren over zichzelf, vriendschap, en rechtvaardigheid zullen ze hun verdere leven meedragen. Zoals de volwassen Gordie besluit: “I never had any friends later on like the ones I had when I was twelve. Jesus, does anyone?”
Regisseur Rob Reiner maakte – in de woorden van de schrijver zelf – de beste adaptatie ooit van een werk van Stephen King, in dit geval de novelle The Body. De film is een ode aan kindertijd, vriendschap en herinneringen aan een tijd van toen die eindeloos aanvoelt. STAND BY ME slaagt er overtuigend in om dat nostalgische aanvoelen te recreëren.
“For some, it's the last real taste of innocence, and the first real taste of life. But for everyone, it's the time that memories are made of”, volgens de tagline van deze coming-of-age klassieker die niet kan ontbreken in ons ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS programma, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
"Rob Reiner heeft goed begrepen wat een tocht echt beklijvend maakt: niet levenslessen, maar simpelweg memorabele momenten."
Thomas Heerma van Voss in Humbug Magazine
ENG The film is in English with Dutch subtitles
“Kids lose everything unless there's someone there to look out for them.” This hard lesson is shared by the young Chris (River Phoenix) with his unhappy friend Gordie (Wil Wheaton). A lesson hopefully every adult can carry out, and hopefully no child should ever learn.
In STAND BY ME, four 12-year-old friends go out in search of the missing body of a boy in the woods near their town of Castle Rock, Oregon, during the summer holiday of 1959. The boys – Gordie, Chris, Vern and Teddy – all carry the burden of a difficult homelife, but they find comfort in each other’s company. By finding the body, they hope to become local heroes, but what they learn along the way about themselves, friendship, and justness is something they’ll carry with them the rest of their lives. As concluded by the grown-up Gordie: “I never had any friends later on like the ones I had when I was twelve. Jesus, does anyone?”
Director Rob Reiner made – in the words of the author himself – the best adaptation ever of a Stephen King work, in this case, the novella The Body. The movie pays homage to childhood, friendship and memories of an endless time long past. STAND BY ME convincingly manages to recreate this nostalgic feel.
“For some, it's the last real taste of innocence, and the first real taste of life. But for everyone, it's the time that memories are made of”, according to the tagline of this coming-of-age classic, which can not be missing from our ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS programme, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
WATTSTAX is veel meer dan een concertfilm. De film brengt de legendarische benefitshow tot leven die in 1972 werd gehouden ter herdenking van de Watts-rellen van 1965. Met optredens van Stax-iconen als Isaac Hayes, Carla Thomas en The Staple Singers biedt Wattstax niet alleen muziek, maar ook een indringend portret van de Black Power-beweging en de gemeenschap van Watts.
Tussen de concertbeelden door verweeft regisseur Mel Stuart — bekend van WILLY WONKA & THE CHOCOLATE FACTORY — persoonlijke interviews, gospeloptredens en rauwe stand-up van een jonge Richard Pryor. Zo vangt hij niet alleen de energie van het evenement, maar ook de tijdsgeest van de vroege jaren '70. Hoogtepunt is Isaac Hayes' onvergetelijke Theme from Shaft en Soulsville.
WATTSTAX is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English without subtitles
WATTSTAX is much more than just a concert film. It brings to life the legendary benefit show held in 1972 to commemorate the 1965 Watts Riots. Featuring performances by Stax icons such as Isaac Hayes, Carla Thomas, and The Staple Singers, Wattstax offers not only music but also a powerful portrait of the Black Power movement and the Watts community.
Between the concert footage, director Mel Stuart — best known for WILLY WONKA & THE CHOCOLATE FACTORY — weaves in personal interviews, gospel performances, and raw stand-up comedy by a young Richard Pryor. In doing so, he captures not only the energy of the event but also the spirit of the early 1970s. The highlight is Isaac Hayes’ unforgettable renditions of Theme from Shaft and Soulsville.
WATTSTAX is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Op een nacht ontmoet de jonge Caleb Colton de mooie en mysterieuze Mae in een klein stadje in het Mid-Westen. Ze spenderen de nacht samen en net voordat de zon opkomt, bijt Mae hem in de nek, waarna ze wegloopt. Wanneer even later het zonlicht hem raakt, begint Calebs huid fel te verbranden. Mae en een groep zwervende vampieren pikken hem net op tijd op in een RV en redden hem van een gewisse dood. De charismatische leider van de groep geeft Caleb een week de kans om hun levensstijl te leren. Met andere woorden: te leren moorden.
Kathryn Bigelow is een van de meest interessante filmmakers van onze tijd. Voor het succes van haar Oscarwinnende THE HURT LOCKER (2008), maakte Bigelow naam als genreregisseur. Of het nu groezelige politiefilm BLUE STEEL (1990), Willem Dafoe bikerfilm THE LOVELESS (1981) of de iconische Keanu Reeves surfthriller POINT BREAK (1991) is, geen genre heeft geheimen voor Bigelow. Met NEAR DARK waagt de regisseur zich aan een neo-Western vampierfilm. Bigelow en co-scenarist Eric Red gebruiken de ruwe en ruige setting van het Amerikaanse Mid-Westen in de jaren '80 om overtuigende vampirische en cinematografische folklore op het grote scherm te toveren. Horror, western en cult mixen mooi in Bigelows eerste soloregieproject.
NEAR DARK wordt bevolkt door een iconische ensemble cast: Bill Paxton is even entertainend als ontspoord in de rol van de bloeddorstige Severen, karakteracteur Lance Henriksen is zoals altijd overtuigend als de patriarch van de vampierbende en Adrian Pasdar als Caleb en Jenny Wright als Mae geven als de star-crossed lovers emotionele diepte aan de gotische western. De eeuwige nacht belooft het eeuwige leven aan de groep gewelddadige vampieren, maar het zonlicht dreigt elke dag.
NEAR DARK is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with English subtitles
One night, the young Caleb Colton meets the beautiful and mysterious Mae in a small Midwestern town. They spend the night together, and just before sunrise, Mae bites Caleb’s neck and she runs off. When the sunlight hits him, Caleb’s skin starts to burn severely. Mae and a group of drifting vampires turn up in an RV just in time to save him from a certain death. The charismatic leader of the group gives Caleb a week to learn their lifestyle. In other words: to learn to kill.
Kathryn Bigelow is one of the most interesting filmmakers of our day. Before the success of the Oscar-winning THE HURT LOCKER (2008), Bigelow made a name for herself as a genre director. Whether it be the gritty cop movie BLUE STEEL (1990), the Willem Dafoe biker film THE LOVELESS (1981) or the iconic Keanu Reeves surf thriller POINT BREAK (1991), no genre has any secrets from Bigelow. With NEAR DARK, the director ventures into the territory of a neo-Western vampire film. Bigelow and co-writer Eric Red use the rough and raw setting of the American Midwest in the 80s to create convincing vampiric and cinematographic lore for the big screen. Horror, western and cult mix and match in Bigelow’s first solo feature debut.
NEAR DARK is populated with an iconic ensemble cast: Bill Paxton is as entertaining as he is deranged in the role of bloodthirsty Severen, character actor Lance Henriksen is convincing as always as the patriarch of the vampire gang and Adrian Pasdar as Caleb and Jenny Wright as Mae give the gothic western emotional depth as the star-crossed lovers. The endless night promises eternal life to this group of violent vampires, but the sunlight threatens them every day.
NEAR DARK is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
