Wanneer de 15-jarige Mike met school stopt, neemt hij een baantje aan bij een badhuis. Daar wordt hij opgeleid door de tien jaar oudere Susan. Mike ontwikkelt al snel een obsessie voor de aantrekkelijke vrouw, die hem met plezier aan het lijntje houdt. Door deze nieuwe seksuele ontwaking raakt Mike stilaan verstrikt in zijn fantasieën en doet hij er als haar stalker alles aan om haar andere relaties te saboteren.
Filmcriticus Andrew Sarris beschreef de film in zijn Films in Focus-reeks in The Village Voice als “the best of Godard, Truffaut, and Polanski, and then some. Nothing less, in fact, than a work of genius on the two tracks of cinema, the visual and the psychological.”
Na de film volgt de lezing ‘Teen Angst and Impossible Desire in the 1970s’ door Cristina Álvarez López.
ENG The film is in English without subtitles
When the 15-year-old Mike drops out of high school, he takes up a job at a public bath house in London. There, he’s trained by the beautiful Susan, ten years his senior. Mike quickly develops an obsession for the attractive woman, who likes to toy with his feelings. Because of this sexual awakening, Mike quickly becomes entangled in his own fantasies and turns into Susan’s stalker, doing everything in his power to sabotage her other relationships.
Film critic Andrew Sarris described the film in his Films in Focus-series in The Village Voice as: “the best of Godard, Truffaut, and Polanski, and then some. Nothing less, in fact, than a work of genius on the two tracks of cinema, the visual and the psychological.”
Wanneer de mater familias plotseling ziek wordt, moet de familie Vuillard noodgedwongen opnieuw samenkomen na jaren zonder contact. Een onverwachte kerstreünie waar geen van hen op zat te wachten. Onder hetzelfde dak komen hun lang onderdrukte gevoelens van wrok en verlangen opnieuw naar boven. Met Catherine Deneuve en dochter Chiara Mastroianni (tevens ook dochter van Marcello Mastroianni) in de hoofdrol.
In aanwezigheid van regisseur Arnaud Desplechin, die de film zal voorzien van een inleiding en een nagesprek.
ENG The film is in French with English/Dutch subtitles
When the mater familias suddenly becomes ill, the Vuillard family is forced to get together again after years with no contact. An unexpected Christmas reunion none of them were waiting for. Under the same roof, their long suppressed feelings of resentment and longing surface again. With Catherine Deneuve and her daughter Chiara Mastroianni (also the daughter of Marcello Mastroianni) as the lead characters.
Director Arnaud Desplechin will introduce the film and discuss it after the screening.
In zijn regiedebuut toont Satyajit Ray een stille mijmering over de jeugd van een Bengaalse jongen uit een arm gezin, het eerste deel van wat later de befaamde Apu-trilogie zou worden. Via loepzuiver symbolisme, visuele poëzie en humanistisch geloof presenteert Ray een subtiele film die in eigen land het publiek kon bekoren.
PATHER PANCHALI wordt gezien als een van de eerste films van de Parallel Cinema (of New Indian Cinema), geïnspireerd door Italiaans Neorealisme, dat zich tegen de commerciële Indische cinema keerde. De realistische voorstelling van armoede en de schoonheid in het dagelijkse leven staan in beide bewegingen voorop. Ray liep de Gouden Palm mis op Cannes (die dat jaar naar LE MONDE DU SILENCE ging), maar wist toch internationaal door te breken.
Na de film volgt de lezing 'Uniqueness and Universality: An Introduction to Satyajit Ray’ door Ritika Kaushik.
Op 1 oktober vertonen we het laatste deel van de Apu-trilogie: APUR SANSAR.
In his directorial debut, Satyajit Ray shows a quiet reverie of the youth of a Bengal boy from a poor family, the first part of what would later become the famous Apu-trilogy. Through flawless symbolism, visual poetry and humanistic faith, Ray presents a subtle film, which charmed audiences in his own country.
PATHER PANCHALI is considered one of the first films of the Parallel Cinema (or New Indian Cinema), inspired by Italian Neorealism, and wanted to counter the commercial Indian cinema. The realistic depiction of poverty and the beauty of daily life are front and center in both cinematic movements. Ray lost out on the Palme d’Or at Cannes (which went to LE MONDE DU SILENCE that year), but nevertheless the film became an international success.
After the screening, Ritika Kaushik will give a lecture on Ray’s work, 'Uniqueness and Universality: An Introduction to Satyajit Ray'.
On 1 October, we screen the final part of the Apu trilogy: APUR SANSAR.
LOVES OF A BLONDE, waarmee Tjechoslawaaks regisseur Miloš Forman internationaal doorbrak, is een aandoenlijke Czech New Wave-film vol pijnlijke obeservatiehumor.
Met een groot tekort aan mannen in een fabrieksstadje voelt de jonge, onschuldige Andula zich gehinderd in haar zoektocht naar liefde. Tijdens een dansfeest wordt Andula verleid door de pianist van het orkest. Ze beslist om hem naar Praag te volgen, waar duidelijk wordt dat de nacht die ze samen doorbrachten voor hem niet hetzelfde betekende als voor haar.
Forman baseerde LOVES OF A BLONDE op een ontmoeting die hij jaren daarvoor had in Praag, waar hij doelloos rondreed en een jonge vrouw zag zeulen met een zware koffer. Ze kwam uit een dorpje buiten de stad op zoek naar de jonge ingenieur die haar een nieuw leven had beloofd, maar bij aankomst bleek hij haar bedrogen te hebben. Forman liet zich inspireren door de ervaring en creëerde met LOVES OF A BLONDE een tedere en humoristische kijk op Andula’s zoektocht, waar de eerste ontdekkingen van de liefde leiden tot onvermijdelijke teleurstellingen. Een film die werkt als subtiele gedragsstudie vol rake dialogen, waarbij Forman ongezouten kritiek spuit op de banaliteit van de Tsjechische middenklasse. Tegelijkertijd vertelt LOVES OF A BLONDE ook een verhaal dat perfect het generatieconflict in het Tsjechoslowakije van de jaren '60 weergeeft.
Na de film volgt de lezing ‘Realist Love and Whimsy in the 1960s’ door Adrian Martin.
ENG The film is in Czech with English subtitles
LOVES OF A BLONDE, Czech director Miloš Forman’s international breakthrough, is a touching Czech New Wave film filled with awkward observational humour.
Dealing with a great shortage of men in a factory town, the young and innocent Andula feels hindered in her search for love. At a dance party, Andula is seduced by the orchestra’s pianist. She decides to follow him to Prague, where it becomes clear that the night they spent together didn’t mean the same to him as it did to her.
Forman based LOVES OF A BLONDE on a meeting he had years before in Prague, where he was driving around and saw a woman dragging a heavy suitcase. She came from a village outside of town looking for the young engineer who had promised her a new life, but turned out to have lied. Forman was inspired by the experience and created a tender and humorous view of Andula’s search, where the first discoveries of love lead to inevitable disappointments. LOVES OF A BLONDE is a subtle behavioural study full of great dialogue, used by Forman to criticise the banality of the Czech middle class. At the same time, the film also tells a story that perfectly resembles the generational conflict in Czechoslovakia of the 60s.
After the film, Adrian Martin will give a lecture on ‘Realist Love and Whimsy in the 1960s’.
Met TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE keert Arnaud Desplechin terug naar het rijke en complexe emotionele landschap van jeugd en herinnering dat hij eerder onderzocht in UN CONTE DE NOËL en COMMENT JE ME SUIS DISPUTÉ…(MA VIE SEXUELLE). Paul mijmert over zijn kindertijd in Roubaix, over zijn ouders, over die schoolreis naar de Sovjet-Unie toen hij zijn identiteit uitleende aan een ander, over zijn studententijd in Parijs… Maar Paul denkt vooral terug aan Esther, zijn grote jeugdliefde, die nooit helemaal uit zijn gedachten is verdwenen.
In aanwezigheid van regisseur Arnaud Desplechin, die de film zal voorzien van een inleiding, en na de film in gesprek zal gaan met Adrian Martin. Nadien wordt in het café een drankje aangeboden om het Zomerfilmcollege in te luiden.
ENG The film is in French with English subtitles
With TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE, Arnaud Desplechin returns to the rich and complex emotional landscape of youth and memories, which he previously investigated in UN CONTE DE NOËL and COMMENT JE ME SUIS DISPUTÉ…(MA VIE SEXUELLE). Paul reminisces about his childhood in Roubaix, about his parents, about that school trip to the Soviet Union when he lent his identity to another person, about his college years in Paris… But above all, Paul remembers his time with Esther, the great love of his youth, who has never really left his mind.
Director Arnaud Desplechin will give an introduction to the film and will talk about his work with Adrian Martin after the screening. Afterwards, we offer a drink in the cafe to celebrate the start of this year's Zomerfilmcollege.
De twaalfde film van de toen onbekende Ingmar Bergman werd in België aanvankelijk onthaald als een pseudo-erotische productie. Niet helemaal onbegrijpelijk wanneer je de internationale poster bekijkt die zinnen bevat zoals “Men wilt under the touch of her lips” en “The story of a bad girl”. Harriet Andersson, de muze van de film, werd voor een hele generatie het symbool van Zweedse extase. Het was pas later dat dit poëtische betoog over onbegrip in de liefde de waardering kreeg die het echt verdiende.
In SOMMAREN MED MONIKA ontmoet Monika de jonge man Harry. Ze vinden in elkaar een manier om uit het dagelijkse leven te ontsnappen. “Let's go away and never come back. We'll see the whole wide world. Are you game?” Wie kan er nee zeggen tegen zo’n uitnodiging? In één zomer wordt hun relatie volledig verteerd: het jonge koppel beleeft een korte, maar extatische zomer op een afgelegen eiland. Kort daarna worden ze ingehaald door de realiteit, zet de kater in en volgt de ontgoocheling. Dit sensuele verhaal over jonge, allesverterende liefde betekende voor Bergman de grote internationale doorbraak.
Na de film volgt de lezing ‘Love on an Island: Bergman’s Melancholic Vision’ door Adrian Martin & Cristina Álvarez López.
ENG The film is in Swedish with English/Dutch/French subtitles
In Belgium, the twelfth film of the then unknown Ingmar Bergman was initially received as a pseudo erotic production. Not entirely surprising when you look at the international poster, which includes taglines such as “Men wilt under the touch of her lips” and “The story of a bad girl”. Harriet Andersson, the film’s muse, became a generational symbol of Swedish ecstasy. It was only decades later that this poetic film on incomprehension in love received the appreciation it really deserved.
In SOMMAREN MED MONIKA, Monika meets a young man, Harry. They find solace in each other and keeping each other’s company is a way to escape daily life. “Let's go away and never come back. We'll see the whole wide world. Are you game?” Who could say no to such an invitation? Over the course of one summer, their relationship is completely consumed: the young couple experiences a short but ecstatic summer on a remote island. Shortly after, they are caught up by reality, and disappointment follows. This sensual story about young, all-consuming love became Bergman’s international breakthrough.
After the film, there is a lecture on ‘Love on an Island: Bergman’s Melancholic Vision’ by Adrian Martin & Cristina Álvarez López.
Het oeuvre van actrice Michelle Yeoh loopt als een rode draad doorheen onze (S)HEROES-focus. Yeoh is als actieheldin de inspiratiebron en het idool geworden van verschillende generaties. En met reden: Yeoh neemt haar actieprojecten enorm serieus en traint zich – soms letterlijk – te pletter. Sinds het daverende succes van EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE, waarvoor ze als eerste vrouw van Aziatische afkomst een Oscar won, schoot Yeohs populariteit opnieuw de hoogte in.
Voor Ang Lees invloedrijke martial arts epos CROUCHING TIGER, HIDDEN DRAGON werkte Yeoh bewust een jaar niet aan andere projecten om te trainen en Mandarijns te leren voor haar rol. Regisseur Lee overtuigde Yeoh van zijn film met de pitch dat CROUCHING TIGER “SENSE AND SENSIBILITY met martial arts” zou worden. Wat een profetische woorden. Ang Lee slaagt erin om romantiek en hartzeer met elkaar te verbinden in een film waar de personages gebukt gaan onder onderdrukte verlangens, net zoals hij dat overtuigend deed in SENSE AND SENSIBILITY en BROKEBACK MOUNTAIN.
Tegen de achtergrond van een adembenemende vergane wereld – een Chinees dorpje tijdens de Qing dynastie – ontmoeten twee zeer bekwame krijgers, de legendarische Wudang zwaardvechter Li Mu Bai (Chow Yun-fat) en strijdster Yu Shu Lien (Michelle Yeoh), elkaar na lange tijd opnieuw. De twee trouwe bondgenoten koesteren onuitgesproken gevoelens voor elkaar. Mu Bai wil zijn zwaard neerleggen en aan een leven als gewone burger beginnen. Hij vraagt aan Shu Lien om zijn mythische zwaard over te leveren aan hun broodheer, waar het gestolen wordt door Jen Yu (Zhang Ziyi), de ambitieuze dochter van een machtige gouverneur. Dit verandert het lot van iedereen die zwoer het zwaard en de tradities van de Wudang krijgers te beschermen.
De film werd overladen door prijzen en nominaties, waarvan 10 Oscarnominaties en 4 keer winst (voor Beste Buitenlandse Film, Beste Cinematografie, Beste Art Direction en Beste Originele Score).
ENG The film is in Chinese and Mandarin with English subtitles
The oeuvre of actress Michelle Yeoh runs like a thread through our (S)HEROES focus programme. As an action hero, Yeoh has inspired many generations. And with great reason: Yeoh takes her action projects very seriously and – sometimes quite literally – trains herself to pieces. Ever since the resounding success of EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE, for which she was the first ever woman of Asian descent to win an Oscar, Yeoh’s popularity has skyrocketed.
For Ang Lee’s influential martial arts epos CROUCHING TIGER, HIDDEN DRAGON Yeoh decided not to take any other film projects for a year, to focus on her training and learning Mandarin for the part. Director Lee convinced her of the film with the pitch that CROUCHING TIGER would become “SENSE AND SENSIBILITY with martial arts”. These became prophetic words. Ang Lee was able to bind romance and heartache together in a film filled with characters who are carrying the burden of repressed longing, just like he convincingly did in SENSE AND SENSIBILITY and BROKEBACK MOUNTAIN.
Against the backdrop of a breath-taking lost world – a Chinese village during the Qing Dynasty – two very skilled warriors meet each other after a long time: the legendary Wudang swordsman Li Mu Bai (Chow Yun-fat) and warrior Yu Shu Lien (Michelle Yeoh). The two loyal allies have long unspoken feelings for each other. Mu Bai wants to lay down his sword and retire. He asks Shu Lien to take his mythical sword to their patron, where it’s stolen by Jen Yu (Zhang Ziyi), the ambitious daughter of a powerful governor.
The film was lauded with countless awards and nominations, among which 10 Academy Award nominations and 4 wins (for Best Foreign Film, Best Cinematography, Best Art Direction and Best Original Score).
Op een nacht ontmoet de jonge Caleb Colton de mooie en mysterieuze Mae in een klein stadje in het Mid-Westen. Ze spenderen de nacht samen en net voordat de zon opkomt, bijt Mae hem in de nek, waarna ze wegloopt. Wanneer even later het zonlicht hem raakt, begint Calebs huid fel te verbranden. Mae en een groep zwervende vampieren pikken hem net op tijd op in een RV en redden hem van een gewisse dood. De charismatische leider van de groep geeft Caleb een week de kans om hun levensstijl te leren. Met andere woorden: te leren moorden.
Kathryn Bigelow is een van de meest interessante filmmakers van onze tijd. Voor het succes van haar Oscarwinnende THE HURT LOCKER (2008), maakte Bigelow naam als genreregisseur. Of het nu groezelige politiefilm BLUE STEEL (1990), Willem Dafoe bikerfilm THE LOVELESS (1981) of de iconische Keanu Reeves surfthriller POINT BREAK (1991) is, geen genre heeft geheimen voor Bigelow. Met NEAR DARK waagt de regisseur zich aan een neo-Western vampierfilm. Bigelow en co-scenarist Eric Red gebruiken de ruwe en ruige setting van het Amerikaanse Mid-Westen in de jaren '80 om overtuigende vampirische en cinematografische folklore op het grote scherm te toveren. Horror, western en cult mixen mooi in Bigelows eerste soloregieproject.
NEAR DARK wordt bevolkt door een iconische ensemble cast: Bill Paxton is even entertainend als ontspoord in de rol van de bloeddorstige Severen, karakteracteur Lance Henriksen is zoals altijd overtuigend als de patriarch van de vampierbende en Adrian Pasdar als Caleb en Jenny Wright als Mae geven als de star-crossed lovers emotionele diepte aan de gotische western. De eeuwige nacht belooft het eeuwige leven aan de groep gewelddadige vampieren, maar het zonlicht dreigt elke dag.
NEAR DARK is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with English subtitles
One night, the young Caleb Colton meets the beautiful and mysterious Mae in a small Midwestern town. They spend the night together, and just before sunrise, Mae bites Caleb’s neck and she runs off. When the sunlight hits him, Caleb’s skin starts to burn severely. Mae and a group of drifting vampires turn up in an RV just in time to save him from a certain death. The charismatic leader of the group gives Caleb a week to learn their lifestyle. In other words: to learn to kill.
Kathryn Bigelow is one of the most interesting filmmakers of our day. Before the success of the Oscar-winning THE HURT LOCKER (2008), Bigelow made a name for herself as a genre director. Whether it be the gritty cop movie BLUE STEEL (1990), the Willem Dafoe biker film THE LOVELESS (1981) or the iconic Keanu Reeves surf thriller POINT BREAK (1991), no genre has any secrets from Bigelow. With NEAR DARK, the director ventures into the territory of a neo-Western vampire film. Bigelow and co-writer Eric Red use the rough and raw setting of the American Midwest in the 80s to create convincing vampiric and cinematographic lore for the big screen. Horror, western and cult mix and match in Bigelow’s first solo feature debut.
NEAR DARK is populated with an iconic ensemble cast: Bill Paxton is as entertaining as he is deranged in the role of bloodthirsty Severen, character actor Lance Henriksen is convincing as always as the patriarch of the vampire gang and Adrian Pasdar as Caleb and Jenny Wright as Mae give the gothic western emotional depth as the star-crossed lovers. The endless night promises eternal life to this group of violent vampires, but the sunlight threatens them every day.
NEAR DARK is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Berlijn speelt een cruciale rol in Sebastian Schippers VICTORIA, waarin een jonge Spaanse vrouw al flirtend een vriendelijke local leert kennen. Onderhuids sluimert een constant unheimlich gevoel, alsof er elk moment iets groots staat te gebeuren, wat wordt aangescherpt door Nils Frahms bijzondere soundtrack.
Victoria woont pas drie maanden in Berlijn. Bij het verlaten van een club na een nacht dansen en drinken, ontmoet ze vier jonge mannen die de toegang tot de club worden geweigerd. Nadat ze alcohol stelen uit een nachtwinkel, belanden ze op het dak van een flatgebouw waar ze samen marihuana roken, wanneer één van hen onthult dat hij in de gevangenis heeft gezeten.
De film werd opgenomen in één lange take, van 4:30 tot 7:00 uur ’s ochtends in de wijken Kreuzberg en Mitte in Berlijn. Het script bestond uit amper twaalf pagina’s en de meeste dialogen werden geïmproviseerd. Het productiebudget liet slechts drie pogingen tot de one-take toe. Volgens de regisseur was die eerste poging te “saai” omdat de acteurs te bang waren om fouten te maken; de tweede poging was het tegenovergestelde, omdat de acteurs te veel “uit hun dak gingen”. Volgens Schipper was de laatste take geslaagd omdat er een element van “agressie” in zat dat in de andere versies ontbrak.
VICTORIA is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in German with English subtitles
Berlin plays a key role in Sebastian Schipper’s VICTORIA, in which a young Spanish woman gets to know a friendly local while flirting. Underneath lurks a constant, uncanny feeling, as if something big is about to happen at any moment—emphasised by German musician Nils Frahm’s special soundtrack.
Victoria has been living in Berlin for three months. Leaving a club after a night of dancing and drinking, she meets four young men who are denied entry to the club. After stealing some alcohol from an all-night shop, they all get on the roof of an apartment building where they smoke marijuana together, while one of them reveals that he spent time in jail for hurting someone.
The film was shot in a single long take, from 4:30 to 7:00 A.M. in the Kreuzberg and Mitte neighbourhoods of Berlin. The script consisted of twelve pages, with most of the dialogue being improvised. The production budget permitted only three attempts at the one-take. According to director Sebastian Schipper, the first attempt was dull because the actors were too cautious, being afraid to make mistakes; the second attempt was the opposite, as the actors went “crazy”. Schipper believes the final attempt was successful because there was an element of “aggression” that was missing in the other versions.
VICTORIA is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Mickey Barnes (Robert Pattinson) is een expendable: een werknemer die keer op keer gevaarlijke missies uitvoert, wetende dat hij daarbij kan sterven – en telkens gekloond wordt om opnieuw te beginnen. Maar wanneer Mickey 17 terugkeert van de dood en ontdekt dat zijn vervanging al is geactiveerd, ontstaat een identiteitscrisis die het systeem op zijn grondvesten doet daveren.
Na het baanbrekende PARASITE keert regisseur Bong Joon Ho terug naar het sciencefictiongenre waarin hij met SNOWPIERCER en OKJA al ijzersterke maatschappijkritiek wist te verpakken in genrevolksvermaak. Ook in dit nieuwe epos is zijn stijl herkenbaar: satirisch, visueel uitgesproken en thematisch gelaagd.
Bong verkent existentiële thema’s met zwarte humor en visuele flair: wat betekent het om jezelf te zijn in een wereld waarin je lichaam vervangbaar is? Mickey’s strijd met zijn eigen kopie roept morele, filosofische en zelfs romantische vragen op. Onder het glanzende oppervlak van sciencefiction schuilt een messcherpe reflectie op arbeid, identiteit en macht.
ENG The film is in English with Dutch/French subtitles
Mickey Barnes (Robert Pattinson) is an expendable: an employee who carries out dangerous missions over and over again, fully aware he might die—only to be cloned and sent out once more. But when Mickey 17 returns from the dead and discovers his replacement has already been activated, an identity crisis erupts that shakes the entire system to its core.
Following the groundbreaking PARASITE, director Bong Joon Ho returns to the science fiction genre in which he already fused biting social critique with genre entertainment in SNOWPIERCER and OKJA. His signature is unmistakable once again: satirical, visually striking, and thematically layered.
With dark humour and visual flair, Bong explores existential themes: what does it mean to be yourself in a world where your body is replaceable? Mickey’s confrontation with his copy raises moral, philosophical, and even romantic questions. Beneath the glossy surface of science fiction lies a razor-sharp reflection on labour, identity, and power.
“What if you had a second chance with the one that got away?”
english below
SPOILER ALERT: niet verder lezen als je BEFORE SUNRISE nog niet hebt gezien!
9 jaar na hun toevallige ontmoeting in Wenen, treffen Jesse (Ethan Hawke) en Céline (Julie Delpy) elkaar opnieuw, deze keer in Parijs. Jesse heeft een bestseller geschreven over hun memorabele tijd samen en is in Parijs voor een boektournee. Het boek eindigt net zoals hun ontmoeting 9 jaar eerder: met de belofte om 6 maanden later in het treinstation in Wenen af te spreken. Jesse spot Céline in het publiek tijdens zijn lezing en de twee spenderen een uur samen totdat Jesse naar de luchthaven moet vertrekken. Wat is er gebeurd in de 9 jaren na hun ontmoeting? Terwijl ze door Parijs wandelen, praten ze over diep persoonlijke zaken, de liefde, hun werk, passies, politiek en de teleurstellingen in hun leven. Maar dan is de tijd gekomen: wat doen ze met de herkansing die ze hebben gekregen?
Regisseur Richard Linklater schreef het scenario samen met acteurs Delpy en Hawke, alle drie ouder en wijzer, wat maakt dat de dialogen onderbouwd zijn met (pijnlijke) waarheden, die enkel door jaren levenservaring naar boven komen. Lichtjes gekneusd door het leven krijgen de twee in dat uur tijd met elkaar de tweede kans om liefde serieus te nemen.
Niet getreurd! We vertonen ook het derde luik, BEFORE MIDNIGHT, van de BEFORE-trilogie in ons zomerprogramma. Voor de vertoning van de volledige trilogie op zondag 7 september zijn er ook voordelige combotickets beschikbaar.
BEFORE SUNSET is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
SPOILER ALERT: do not continue reading if you haven’t seen BEFORE SUNRISE yet!
9 years after their fateful meeting in Vienna, Jesse (Ethan Hawke) and Céline (Julie Delpy) meet again, this time in Paris. Jesse has written a bestseller about their memorable time together and is in Paris for a book tour. The book ends just like their meeting 9 years earlier did: with the promise to meet again 6 months later in the train station of Vienna. Jesse spots Céline in the audience during his book signing and the two spend the hour he has before having to go to the airport together. What has happened during those 9 years after their meeting? As they walk through Paris, they talk about deeply personal things, love, their work, passions, politics and the disappointments in their lives. But then the time has come: what will they do with the second chance they’ve got now?
Director Richard Linklater wrote the screenplay together with actors Delpy and Hawke, all three of them older and wiser, which substantiates the dialogues with (painful) truths that can only surface after years of life experience. Slightly bruised by life, the two main characters have an opportunity to finally take love seriously.
Don’t worry: we also screen the third instalment, BEFORE MIDNIGHT, of the BEFORE-trilogy in our summer programme. For the marathon screening on Sunday 7 September, there are also combo tickets.
BEFORE SUNSET is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Rachel Talalays cultklassieker TANK GIRL is eens gezien, nooit te vergeten. Zij het de kostuums, de make-up en special effects of de legendarische post-punk soundtrack. Lori Petty belichaamt Tank Girl, een jonge vrouw die in een dystopische wereld leeft waar het tirannieke megaconglomeraat Water & Power, geleid door de wrede Kesslee (prettig gestoorde vertolking van Malcolm McDowell), de watertoevoer in handen heeft. Nadat Tank Girl tot slaaf gemaakt wordt door Kesslee en ontsnapt, gaat ze met een groep zonderlingen – waaronder Ice-T als een mutant kangoeroe-soldaat en Naomi Watts als Jet Girl – de strijd aan tegen de megalomane Kesslee.
De opzwepende actie wordt afgewisseld met geanimeerde sequenties, die refereren naar de comic book serie waarop de film is gebaseerd. De stemmen van Courtney Love, Portishead en Björk begeleiden de punk esthetiek en de vuile humor van de inmiddels iconische en geliefde actieheldin en haar indrukwekkende tank wielding skills.
Deze film is onderdeel van ons programma (S)HEROES, waarmee we vrouwelijke actiehelden doorheen de filmgeschiedenis in de schijnwerper zetten.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
Rachel Talalay’s cult classic TANK GIRL is, once seen, never to be forgotten. Be it the costumes, the make-up and special effects or the legendary post-punk soundtrack. Lori Petty embodies Tank Girl, a young woman who lives in a dystopian world where the tyrannical mega-conglomerate Water & Power, led by the ruthless Kesslee (gleefully disturbed performance by Malcolm McDowell), controls the water supply. After Tank Girl is enslaved and escapes, she and a band of misfits – among whom Ice-T as a mutant kangaroo soldier and Naomi Watts as Jet Girl – fight against the megalomaniac Kesslee.
The quick action is intercut with animated sequences, referencing the comic book series on which the movie is based. The voices of Courtney Love, Portishead and Björk accompany the punk aesthetic and sleazy humour of the iconic and beloved action heroine and her impressive tank-wielding skills.
This is part of our programme (S)HEROES, which puts the spotlight on female action heroes throughout film history.
Mickey Barnes (Robert Pattinson) is een expendable: een werknemer die keer op keer gevaarlijke missies uitvoert, wetende dat hij daarbij kan sterven – en telkens gekloond wordt om opnieuw te beginnen. Maar wanneer Mickey 17 terugkeert van de dood en ontdekt dat zijn vervanging al is geactiveerd, ontstaat een identiteitscrisis die het systeem op zijn grondvesten doet daveren.
Na het baanbrekende PARASITE keert regisseur Bong Joon Ho terug naar het sciencefictiongenre waarin hij met SNOWPIERCER en OKJA al ijzersterke maatschappijkritiek wist te verpakken in genrevolksvermaak. Ook in dit nieuwe epos is zijn stijl herkenbaar: satirisch, visueel uitgesproken en thematisch gelaagd.
Bong verkent existentiële thema’s met zwarte humor en visuele flair: wat betekent het om jezelf te zijn in een wereld waarin je lichaam vervangbaar is? Mickey’s strijd met zijn eigen kopie roept morele, filosofische en zelfs romantische vragen op. Onder het glanzende oppervlak van sciencefiction schuilt een messcherpe reflectie op arbeid, identiteit en macht.
ENG The film is in English with Dutch/French subtitles
Mickey Barnes (Robert Pattinson) is an expendable: an employee who carries out dangerous missions over and over again, fully aware he might die—only to be cloned and sent out once more. But when Mickey 17 returns from the dead and discovers his replacement has already been activated, an identity crisis erupts that shakes the entire system to its core.
Following the groundbreaking PARASITE, director Bong Joon Ho returns to the science fiction genre in which he already fused biting social critique with genre entertainment in SNOWPIERCER and OKJA. His signature is unmistakable once again: satirical, visually striking, and thematically layered.
With dark humour and visual flair, Bong explores existential themes: what does it mean to be yourself in a world where your body is replaceable? Mickey’s confrontation with his copy raises moral, philosophical, and even romantic questions. Beneath the glossy surface of science fiction lies a razor-sharp reflection on labour, identity, and power.
Juni 1967, Californië. Op het Monterey County Fairgrounds barstte een muzikale revolutie los. Drie dagen lang vulden legendarische optredens van Jimi Hendrix, Janis Joplin en Ravi Shankar de lucht met pure energie en creativiteit. Dit festival ontketende de Summer of Love en katapulteerde de hippiebeweging naar de mainstream.
Filmmaker D. A. Pennebaker legde die explosie van stijlen en idealen vast in een opzwepend portret waarin de euforie van de flower power-generatie tastbaar is. Monterey Pop vormde zo de blauwdruk voor latere festivals als Woodstock en groeide uit tot een monument van de pop- en jeugdcultuur.
Naast een onsterfelijk tijdsdocument is Pennebakers swingende concertfilm natuurlijk vooral een uitzinnig rock-'n-rollportret, met de meest iconische live-performances ooit. Van Pete Townshend die zijn gitaar verplettert tot Jimi Hendrix die de zijne in vuur en vlam zet. Wie wil daar nu niet bij zijn?
Be sure to wear some flowers in your hair!
Dinsdag 5 augustus wordt de film in de buitenlucht vertoond bij Cinema Urbana (Kattendijkdok-Oostkaai 25, 2000 Antwerpen).
ENG The film is in English without subtitles
June 1967, California. At the Monterey County Fairgrounds, a musical revolution erupted. For three days, legendary performances by Jimi Hendrix, Janis Joplin, and Ravi Shankar filled the air with pure energy and creativity. The festival ignited the Summer of Love and propelled the hippie movement into the mainstream.
Filmmaker D. A. Pennebaker captured that explosion of styles and ideals in a rousing portrait where the euphoria of the flower power generation is palpable. Monterey Pop became the blueprint for future festivals like Woodstock and evolved into a monument of pop and youth culture.
Beyond being an immortal time capsule, Pennebaker’s swinging concert film is above all a wild rock-’n’-roll portrait, featuring some of the most iconic live performances ever. From Pete Townshend smashing his guitar to Jimi Hendrix setting his on fire—who wouldn’t want to be there?
Be sure to wear some flowers in your hair!
Tuesday 5 August, the film will be screened in the open air at Cinema Urbana (Kattendijkdok-Oostkaai 25, 2000 Antwerpen).
De vrijgevochten 15-jarige Connie Wyatt (Laura Dern) is te jong om zelf te rijden, maar niet te jong om rond te hangen in het plaatselijke shoppingcenter en te flirten met de jongens daar. Dat doet ze vooral om te ontsnappen aan haar saaie thuisleven. Haar wantrouwige moeder – zelf ooit een tienermoeder – wil haar veilig thuis houden. Maar de vrijheid van de lange zomerdagen lonkt en Connie wil plezier maken met haar vriendinnen voordat ze terug naar school moet. Wanneer een mysterieuze James Dean-lookalike interesse toont in Connie en aankondigt dat “I’m watching you”, dreigt er een traumatisch einde te komen aan haar onschuld.
Regisseur Joyce Chopra baseerde zich voor haar fictiedebuut SMOOTH TALK op haar eigen documentaire GIRLS AT 12 (1975), over de transitie van jonge meisjes naar tieners, en het bekroonde kortverhaal Where Are You Going, Where Have You Been? (1966) van Joyce Carol Oates. Laura Dern is in haar doorbraakrol perfect gecast als het zorgeloze 15-jarige meisje dat graag volwassen zou zijn, maar in die wens ook meteen geconfronteerd wordt met de harde realiteiten van het vrouw-zijn.
Wat een idyllische zomer zou moeten zijn vol zon, hang-outs en naïef geflirt, eindigt met de komst van een opdringerige zwerver (akelig memorabel vertolkt door Treat Williams). Met SMOOTH TALK laat Chopra de conventies van een coming-of-age verhaal overlopen in een diepgaand en verontrustend portret van adolescentie, seksuele ontdekking en het verlies van onschuld.
SMOOTH TALK is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with English subtitles
The free-spirited 15-year-old Connie Wyatt (Laura Dern) is too young to drive, but not too young to hang out at the local shopping mall and flirt with the boys there. She mostly does this to pass the time and to escape her boring home life. Her overbearing mother – herself once a teen mom – wants to keep her home safe. But the freedom of the long summer days beckons, and Connie wants to have fun with her friends before she has to go back to school. When a mysterious James Dean lookalike shows interest in Connie and announces that “I’m watching you”, there threatens to come a traumatic end to her innocence.
For her fiction debut, director Joyce Chopra was influenced by her own documentary GIRLS AT 12 (1975) and the award-winning short story Where Are You Going, Where Have You Been? (1966) by Joyce Carol Oates. Laura Dern is perfectly cast in her breakthrough role as the carefree 15-year-old girl who would love to be an adult, but is immediately confronted by the harsh realities of being a woman.
What should have been an idyllic summer full of sun, hang-outs, and flirtations ends with the arrival of an intrusive drifter (menacingly portrayed by Treat Williams). With SMOOTH TALK, Chopra lets the conventions of the coming-of-age story blend into a profound and troubling portrait of adolescence, sexual exploration and the loss of innocence.
SMOOTH TALK is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
He was 25 years old. He combed his hair like James Dean. She was 15. She took music lessons and could twirl a baton. For a while they lived together in a tree house. In 1959, she watched while he killed a lot of people.
english below
Terrence Malicks debuut BADLANDS gaat over de relatie tussen een jong koppel, de 15-jarige Holly en 25-jarige Kit. Het is een verhaal dat we kennen, over een paar criminelen die Amerika doorkruisen en een spoor van destructie achterlaten à la BONNIE AND CLYDE. Het duurt niet lang voor ze achternagezeten worden door de politie en we volgen hen op de vlucht door de woestenij van Amerika.
Malick schreef het scenario voor deze film tijdens een road trip en dat emuleert hij in de sfeer van de film. Hij laat Holly vertellen in derde persoon, gedistantieerd van haar eigen leven. Met BADLANDS zette Malick de toon voor zijn verdere oeuvre als een van de belangrijkste Amerikaans auteurs van zijn tijd.
BADLANDS is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
Terrence Malick’s debut BADLANDS tells the story of a relationship between a young couple, the 15-year-old Holly (Sissy Spacek) and the 25-year-old Kit (Martin Sheen). It’s a story we all know, about a couple of criminals who move across America and leave a trail of destruction, like BONNIE AND CLYDE. It doesn’t take long before the police are in hot pursuit, and we follow them on the run across the desert of America.
Malick wrote the screenplay of this film during a road trip, and he emulates that atmosphere in the movie. His character Holly narrates the story in third person, distancing herself from her own life. With BADLANDS, Malick set the tone for the rest of his oeuvre as one of the most important American auteurs of his time.
BADLANDS is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Mickey Barnes (Robert Pattinson) is een expendable: een werknemer die keer op keer gevaarlijke missies uitvoert, wetende dat hij daarbij kan sterven – en telkens gekloond wordt om opnieuw te beginnen. Maar wanneer Mickey 17 terugkeert van de dood en ontdekt dat zijn vervanging al is geactiveerd, ontstaat een identiteitscrisis die het systeem op zijn grondvesten doet daveren.
Na het baanbrekende PARASITE keert regisseur Bong Joon Ho terug naar het sciencefictiongenre waarin hij met SNOWPIERCER en OKJA al ijzersterke maatschappijkritiek wist te verpakken in genrevolksvermaak. Ook in dit nieuwe epos is zijn stijl herkenbaar: satirisch, visueel uitgesproken en thematisch gelaagd.
Bong verkent existentiële thema’s met zwarte humor en visuele flair: wat betekent het om jezelf te zijn in een wereld waarin je lichaam vervangbaar is? Mickey’s strijd met zijn eigen kopie roept morele, filosofische en zelfs romantische vragen op. Onder het glanzende oppervlak van sciencefiction schuilt een messcherpe reflectie op arbeid, identiteit en macht.
ENG The film is in English with Dutch/French subtitles
Mickey Barnes (Robert Pattinson) is an expendable: an employee who carries out dangerous missions over and over again, fully aware he might die—only to be cloned and sent out once more. But when Mickey 17 returns from the dead and discovers his replacement has already been activated, an identity crisis erupts that shakes the entire system to its core.
Following the groundbreaking PARASITE, director Bong Joon Ho returns to the science fiction genre in which he already fused biting social critique with genre entertainment in SNOWPIERCER and OKJA. His signature is unmistakable once again: satirical, visually striking, and thematically layered.
With dark humour and visual flair, Bong explores existential themes: what does it mean to be yourself in a world where your body is replaceable? Mickey’s confrontation with his copy raises moral, philosophical, and even romantic questions. Beneath the glossy surface of science fiction lies a razor-sharp reflection on labour, identity, and power.
Bereid je voor op een stevige realitycheck. Dit boek is niet voor watjes. Hamza Ouamari spaart niemand, ook jou niet. Hij neemt je mee op een ongefilterde trip door de wondere wereld van inclusieve marketing en communicatie, waar goedbedoelde intenties meestal eindigen in stockfoto diversiteit en een regenbooglogo.
In Inclusieve marketing loodst Hamza je door het volledige marketingproces, van briefing tot evaluatie. Onderweg fileert hij alles wat misloopt, zonder geduld voor bullshit. Want Inclusieve marketing is niet zomaar een add-on, het is een keiharde strategische keuze om echt iedereen te bereiken. Een confronterend en tegelijk meeslepend boek met rants, praktijkvoorbeelden, antwoorden op vragen die je liever ontwijkt én concrete methodes om mee aan de slag te gaan.
Voor marketeers, communicatiespecialisten en mensen die het zich kunnen permitteren om nooit over inclusieve marketing na te denken. Van briefing tot evaluatie. Van intenties naar echte impact. 7 stappen. 35 learnings. Eén welgemikte schop onder je kont.
Tijdens de boekpresentatie is Dalilla Hermans host van dienst. Naast een one-on-one gesprek met Hamza Ouamari, zal er ook een panelgesprek plaatsvinden met met Sana Sellami, Johan van Mol, Katrien Heughebaert & Jihad Van Puymbroeck.
Over Hamza Ouamari
Hij is expert in inclusieve marketing en heeft een groot talent voor het zeggen van dingen die je liever niet hoort. Hij ontwikkelt campagnes die merken uitdagen en versterken, met inclusie als strategisch uitgangspunt. Zijn werk creëert verbinding tussen organisaties en diverse doelgroepen, met minder buzzwords en meer realiteit. Hij geeft trainingen in tal van bedrijven en deelt zijn expertise ook als gastdocent in de opleiding Media & Entertainment Business aan de Thomas More-hogeschool in Mechelen.
“Ik ben niet koppig. Het leven is koppig”, betreurt Delphine haar situatie in Éric Rohmers Gouden Leeuw-winnende LE RAYON VERT. Wanneer haar plannen voor de zomer in duigen vallen, weet ze niet wat met zichzelf aan te vangen. Verstikt door sociale angst, voelt Delphine zich overal als een buitenstaander en ook de zomerliefde lijkt niet voor haar weggelegd. Totdat ze op weg naar huis een man ontmoet op het station.
LE RAYON VERT is de vijfde film in Rohmers “Comedies and Proverbs”-reeks die gekenmerkt wordt door serene beelden en praatgrage personages. Ondertussen had Rohmer een gebruikelijke manier van werken ontwikkeld waarbij hij het project in preproductie uitvoerig besprak met de cast en hen zelf hun dialogen liet bepalen. Zo verklaarde hij dat hoofdactrice Marie Rivière grotendeels verantwoordelijk is voor de film: “Marie is the one one who called the shots, not only by what she said, but by the way she’d speak, the way she’d question people, and also by the questions her character evoked from the others.”
LE RAYON VERT is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in French with English subtitles
“I’m not stubborn. Life is stubborn”, Delphine laments her situation in Éric Rohmer’s Golden Lion-winning LE RAYON VERT. When her summer plans fall apart, she doesn’t know what to do with herself. Stifled by social anxiety, Delphine feels like an outsider everywhere, and summer love isn’t coming anytime soon either. Until, on her way home, she meets a man at the train station.
LE RAYON VERT is the fifth film in Rohmer’s “Comedies and Proverbs” series, characterised by serene imagery, love-smitten protagonists, and chatty characters. By then, Rohmer had developed a customary way of working in which he discussed the project at length with the cast members in pre-production and let them decide on their dialogues. He stated that lead actress Marie Rivière was primarily responsible for the film: “Marie is the one who called the shots, not only by what she said, but by the way she'd speak, the way she'd question people, and also by the questions her character evoked from the others.”
LE RAYON VERT is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Mickey Barnes (Robert Pattinson) is een expendable: een werknemer die keer op keer gevaarlijke missies uitvoert, wetende dat hij daarbij kan sterven – en telkens gekloond wordt om opnieuw te beginnen. Maar wanneer Mickey 17 terugkeert van de dood en ontdekt dat zijn vervanging al is geactiveerd, ontstaat een identiteitscrisis die het systeem op zijn grondvesten doet daveren.
Na het baanbrekende PARASITE keert regisseur Bong Joon Ho terug naar het sciencefictiongenre waarin hij met SNOWPIERCER en OKJA al ijzersterke maatschappijkritiek wist te verpakken in genrevolksvermaak. Ook in dit nieuwe epos is zijn stijl herkenbaar: satirisch, visueel uitgesproken en thematisch gelaagd.
Bong verkent existentiële thema’s met zwarte humor en visuele flair: wat betekent het om jezelf te zijn in een wereld waarin je lichaam vervangbaar is? Mickey’s strijd met zijn eigen kopie roept morele, filosofische en zelfs romantische vragen op. Onder het glanzende oppervlak van sciencefiction schuilt een messcherpe reflectie op arbeid, identiteit en macht.
ENG The film is in English with Dutch/French subtitles
Mickey Barnes (Robert Pattinson) is an expendable: an employee who carries out dangerous missions over and over again, fully aware he might die—only to be cloned and sent out once more. But when Mickey 17 returns from the dead and discovers his replacement has already been activated, an identity crisis erupts that shakes the entire system to its core.
Following the groundbreaking PARASITE, director Bong Joon Ho returns to the science fiction genre in which he already fused biting social critique with genre entertainment in SNOWPIERCER and OKJA. His signature is unmistakable once again: satirical, visually striking, and thematically layered.
With dark humour and visual flair, Bong explores existential themes: what does it mean to be yourself in a world where your body is replaceable? Mickey’s confrontation with his copy raises moral, philosophical, and even romantic questions. Beneath the glossy surface of science fiction lies a razor-sharp reflection on labour, identity, and power.
Aansluitend bij ons MAS EMPATHY-programma tonen we RAIN MAN van Barry Levinson, waarin topacteurs Dustin Hoffman en Tom Cruise het beste van zichzelf geven in een verhaal over anders-zijn en (on)begrip.
Charles ‘Charlie’ Babbit (Cruise) is een egocentrische autoverkoper die werkt in de grijze zone van de legaliteit en in L.A. geniet van een luxe leventje. Charlie wordt achternagezeten door een schuldeiser, wanneer hij verneemt dat zijn vervreemde vader gestorven is en hem een auto en een rozenstruik nalaat. De rest van zijn miljoenenerfenis gaat naar een andere erfgenaam. Die erfgenaam is Raymond Babbit (Hoffman), Charlie’s oudere broer, van wiens bestaan hij niet afwist. Raymond blijkt een bewoner van het Walbrook Institute, een lokale psychiatrische instelling, en is een autistische savant, die in zijn eigen wereldje vol routine en regels leeft. Charlie kidnapt Raymond in een poging om de erfenis op te strijken. Maar onderweg ontdekken de twee tegenpolen wat broederschap echt betekent.
Wij vertonen de film in onze samenwerking MAS x De Cinema 2025, naar aanleiding van de MAS COMPASSION-expo (van 31 januari 2025 tot 31 augustus 2025). Klik hier voor het volledige filmprogramma.
Bezoekers die een ticket van De Cinema kunnen tonen van een vertoning binnen het MAS x De Cinema 2025-programma, krijgen korting op een ticket voor de MAS COMPASSION-expo. Omgekeerd geeft een ticket van de MAS COMPASSION-expo (vanaf 31 januari 2025 tot de vertoningsdag van de betreffende film) recht op een verlaagd tarief (€6,50 i.p.v. €9) bij aankoop van een filmticket voor het MAS x De Cinema 2025-programma.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
As part of our MAS EMPATHY programme, we screen Barry Levinson’s RAIN MAN, in which top actors Dustin Hoffman and Tom Cruise give career-best performances in a story about being different and (mis)understanding.
Charles ‘Charlie’ Babbit (Cruise) is an egocentric car dealer, who works in the grey zone of legality and enjoys the high life in L.A.. Charlie is being chased by a creditor, when he finds out his estranged father died and has left him a bed of roses and an old timer. The rest of his 3 million estate is left to a different heir. This turns out to be Raymond Babbit (Hoffman), Charlie’s older brother, whose existence he never knew of. Raymond turns out to be a resident of the Walbrook institute, a local mental institution, and is an autistic savant, who lives in his own world of routine and rules. Charlie kidnaps Raymond in an effort to claim the inheritance. But along the way, the two opposites find out what brotherhood really means.
We screen the touching and timeless movie in collaboration with MAS, in connection with their COMPASSION expo (from the 31st of January until the 31st of August 2025). Click here for the full film programme.
Visitors with a ticket from a screening from the MAS x De Cinema 2025 programme will receive a reduction on a ticket for the MAS COMPASSION expo. Vice versa, a ticket of the MAS COMPASSION-expo (from the 31st of January until the screening day of the film in question) will entitle the visitor to a reduction ticket (€6,50 instead of €9) for a film from the MAS x De Cinema 2025 programme.
“Can the greatest romance of your life last only one night?”
english below
Die vraag zet meteen de toon van regisseur Richard Linklaters heerlijke stream of consciousness ode aan de jeugd, spontaniteit en de liefde voor het leven, BEFORE SUNRISE.
Een jonge man en vrouw ontmoeten elkaar toevallig op de Eurail-trein van Budapest naar Wenen. Jesse (Ethan Hawke) is een Amerikaanse toerist, die in Wenen een vlucht terug naar de VS zal nemen. Céline (Julie Delpy) is een Franse studente, die op weg is naar Parijs. Ze raken aan de praat en voelen een connectie met elkaar. Wanneer Jesse haar vraagt om van de trein te stappen en de dag samen te spenderen in Wenen, stemt Céline in. Ze doden samen de tijd met praten, wandelen, eten en drinken. Tijdens hun tijd samen kunnen Céline en Jesse zich losmaken van de wereld rondom hen. Gesprekken over liefde, het leven, religie en kleine observaties leiden tot de grote vraag: zullen ze elkaar terugzien of blijft het bij één wondere dag?
Gelukkig moeten we niet al te lang wachten op een antwoord op dit what if?-scenario. Deze zomer vertonen we de volledige BEFORE-trilogie (BEFORE SUNRISE, BEFORE SUNSET en BEFORE MIDNIGHT), apart maar op zondag 7 september ook na elkaar.Voor de volledige trilogie zijn ook voordelige combotickets beschikbaar. BEFORE SUNRISE maakt ook deel uit van onze ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS-focus, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
This question immediately sets the scene for director Richard Linklater’s wonderful stream of consciousness homage to youth, spontaneity and love for life, BEFORE SUNRISE.
A young man and woman meet each other by chance on the Eurail train from Budapest to Vienna. Jesse is an American tourist who will take a flight back to the US from Vienna. Céline (Julie Delpy) is a French student who is on her way back to Paris. They start talking and feel a connection. When Jesse asks her to get off the train and spend the day together in Vienna, Céline agrees. They pass the time together talking, walking, eating and drinking. During this time, Céline and Jesse are able to detach themselves from the world around them. Conversations about love, life, religion and passing observations lead to the big question: will they meet again after this fateful day?
Luckily for us, we won’t have to wait long to find out the answer to this what if?-scenario. This summer, we will screen the entire BEFORE-trilogy (BEFORE SUNRISE, BEFORE SUNSET and BEFORE MIDNIGHT), separately but also in a marathon screening on Sunday 7 September. For the marathon, there are also combo tickets. BEFORE SUNRISE is also part of our ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS focus, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Het Filipijnse LEONOR WILL NEVER DIE daagt elke definitie van genre uit: van melodrama, pulp en geweld tot een surrealistische komedie, waarin het portret van een gewezen filmmaker centraal staat. Actrice Sheila Francisco is het hart van deze hommage aan de ongeregelde glorie van Filipino cinema, over een scenariste die eindelijk de heldin wordt van haar eigen gekke verhaal.
Leonor Reyes was ooit een belangrijke speler in de Filipijnse filmindustrie nadat ze een reeks succesvolle actiefilms creëerde, maar nu heeft ze moeite om haar rekeningen te betalen. Wanneer ze een advertentie tegenkomt die vraagt om scenario’s, begint Leonor te sleutelen aan een onafgewerkt script dat ze ooit schreef over de queeste van de jonge, nobele Ronwaldo, die uit is op wraak na de moord op zijn broer. Haar verbeelding biedt een welkome afleiding van de werkelijkheid. Wanneer ze na een ongeval in een coma terechtkomt, wordt ze getransporteerd naar de wereld van haar scenario.
Dit speelse debuut van Martika Ramirez Escobar brengt ons een van de eerste heldhaftige actie-oma’s die cinema te bieden heeft. “LEONOR WILL NEVER DIE, as the title implies, is ultimately a beautiful, life-affirming celebration of the power of film and art to heal. Yes, even 80s action films.” - Charles Barfield, The Playlist
Deze film is onderdeel van ons programma (S)HEROES, waarmee we vrouwelijke actiehelden doorheen de filmgeschiedenis in de schijnwerper zetten.
ENG The film is in Tagalog with English subtitles
LEONOR WILL NEVER DIE defies every definition of genre: from melodrama, pulp and violence to a surrealist comedy, with at its core the portrait of a former filmmaker. Actress Sheila Francisco is the whirlwind heart of a homage to the ragtag glory of Filipino cinema. She's a former scriptwriter, now old and tired, who falls into a coma and becomes the hero of her own crazy story.
Leonor Reyes was once a major player in the Filipino film industry after creating a string of successful action films, but now her household struggles to pay the bills. When she reads an advertisement looking for screenplays, Leonor begins tinkering with an unfinished script about the quest of young, noble Ronwaldo, forced to avenge his brother’s murder at the hand of thugs. While her imagination provides some escape from reality, she goes all-in after an accident involving a television knocks her out, sends her into a coma, and transports her inside the incomplete movie.
This playful debut by Martika Ramirez Escobar brings us one of the first-ever action-star grandmas cinema has to offer. “LEONOR WILL NEVER DIE, as the title implies, is ultimately a beautiful, life-affirming celebration of the power of film and art to heal. Yes, even 80s action films.” - Charles Barfield, The Playlist
This is part of our programme (S)HEROES, which puts the spotlight on female action heroes throughout film history.
Naast romantiek en ontlading, zijn feesten ook een broeihaard voor portretten over seks, drugs en criminaliteit. Dat alles komt ongefilterd maar übergestileerd samen in Gaspar Noé’s psychedelische drugtrip CLIMAX. Wanneer een dansgroep naar een lege school wordt gelokt, zorgt een kom sangria vol verdovende middelen ervoor dat hun jubelende repetitie verandert in een explosieve nachtmerrie. De trippende groep probeert de nacht te overleven…
Zoals wel vaker ging de spraakmakende Noé op een eerder ongewone manier te werk. De hele productie van de film nam slechts vier weken in beslag en alles werd, eerder atypisch voor een filmproductie, in chronologische volgorde opgenomen in slechts twee weken. Hoewel Noé de premisse had bedacht, bestond het grootste deel van de film uit improvisatie. Daardoor had de cast de volledige vrijheid om te bepalen waar het verhaal en de personages naartoe moesten.
CLIMAX bevat verschillende lange takes, waaronder één die meer dan 42 minuten duurt. Die vormelijke bravoure—opvallende cinematografie, opzwepende soundtrack en indrukwekkende choreografie—kon op veel bijval van critici en publiek rekenen. Tegelijkertijd knapten heel wat mensen af op het vele geweld, waardoor de film door de jaren heen een zekere cultstatus verkreeg.
CLIMAX is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
Omar Rodríguez-López en Cedric Bixler-Zavala schreven muziekgeschiedenis met At the Drive-In en The Mars Volta, maar achter hun explosieve sound schuilt een vriendschap die even intens, teder en chaotisch is. Deze documentaire volgt hun parcours van jeugdvrienden tot creatieve zielsverwanten, getekend door roem, verraad en verlies.
Deze intieme documentaire van Nicolas Jack Davies, die gebaseerd is op honderden uren archiefmateriaal die Omar over vier decennia filmde, breekt radicaal met het format van de klassieke muziekdocu: rauw, persoonlijk en onvoorspelbaar, net als zijn hoofdpersonen. Variety noemde het niet voor niets “a film that mirrors the restless spirit of its subjects while breaking all of the rules of traditional documentary filmmaking”.
Wat begint als een tijdscapsule voor fans, groeit uit tot een universeel verhaal over migratie, identiteit, liefde, succes en verlies. Een zeldzaam eerlijk portret van twee outsiders die elkaar verliezen en terugvinden, en de prijs betalen van radicale artistieke vrijheid.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
Omar Rodríguez-López and Cedric Bixler-Zavala made music history with At the Drive-In and The Mars Volta, but behind their explosive sound lies a friendship just as intense, tender, and chaotic. This documentary traces their journey from childhood friends to creative soulmates, shaped by fame, betrayal, and loss.
This intimate film by Nicolas Jack Davies, built on hundreds of hours of archival footage shot by Omar over four decades, breaks radically with the conventions of traditional music documentaries—raw, personal, and unpredictable, just like its subjects. Variety aptly described it as “a film that mirrors the restless spirit of its subjects while breaking all of the rules of traditional documentary filmmaking”.
What begins as a time capsule for fans evolves into a universal story of migration, identity, love, success, and grief. A rare, honest portrait of two outsiders who lose and find each other again—and who pay the price of radical artistic freedom.
SELF-LOVING JEW is een korte, intieme documentaire die drie leden van de Anti-Zionist Jewish Alliance in Belgium volgt terwijl ze de confrontatie aangaan met wat het betekent om Joods te zijn in een tijd van genocide. Vaak als ‘self-hating’ bestempeld, reflecteren ze op intergenerationeel trauma, geloof, familiebreuk en politiek ontwaken. Hun boodschap is duidelijk: je verzetten tegen onrecht in onze naam is geen zelfhaat - het is zelfliefde.
Na de film volgt een Q&A met Sterre Volders, Eitan Bronstein Aparicio en 'Miriam Klein'.
ENG The film is in English with English subtitles
SELF-LOVING JEW is a short, intimate documentary following three members of the Anti-Zionist Jewish Alliance in Belgium as they confront what it means to be Jewish in a time of genocide. Often labeled as self-hating, they reflect on intergenerational trauma, faith, family rupture, and political awakening. Their message is clear: to oppose injustice in our name is not self-hatred — it’s self-love.
Ook in animatie zijn vrouwen onstopbaar. Of cyborgvrouwen in het geval van Mamoru Oshii’s GHOST IN THE SHELL, de anime cultklassieker gebaseerd op Masamune Shirows originele manga. In het jaar 2029 is technologie zo ver geëvolueerd dat cyborgs helemaal ingeburgerd zijn. Meer nog, het menselijk brein kan nu ook rechtstreeks aangesloten worden op het internet. Hoofdpersonage Major Motoko Kusanagi is een cyborg die een Geheime Inlichtingenoperatie leidt binnen de divisie terreurbestrijding en cybercriminaliteit. Haar team moet onderzoeken of een buitenlandse agent kwaad in de zin heeft en stoot tijdens dat onderzoek op een veel grotere crimineel, de hacker Puppet Master, oftewel “the most dreaded cyber-criminal of all time”.
Motoko en andere cyborgs kunnen van gedaante veranderen, onzichtbaar worden en zelfs in de gedachten duiken van anderen. Een toekomst die met de opmars van artificiële intelligentie in alle facetten van het leven steeds relevanter wordt. GHOST IN THE SHELL stelt de vraag wat het betekent om mens te zijn en welke betekenis identiteit nog heeft in een technologisch geavanceerde wereld. Criticus Roger Ebert noteert de eigenaardige tendens in adult animation om in te zetten op sterke vrouwelijke protagonisten, die echter constant naakt zijn. Heeft dit te maken met het idee dat vrouwen in anime vrij zijn of meer met de ‘male gaze’ van het publiek? Dat laat hij in het midden.
Bij zijn release was de film geen box-office succes, maar intussen heeft de anime een cultstatus bereikt. GHOST IN THE SHELL inspireerde verschillende filmmakers, van de Wachowski’s tot James Cameron, en meest bekend Quentin Tarantino. Toen Tarantino een animesequentie wilde toevoegen om het bloederige achtergrondverhaal van O-Ren Ishii (Lucy Liu) te verbeelden in KILL BILL, was het enige productiehuis dat hij daarmee vertrouwde het Japanse Production I.G., dat zijn favoriete anime GHOST IN THE SHELL creëerde.
Deze film is onderdeel van ons programma (S)HEROES, waarmee we vrouwelijke actiehelden doorheen de filmgeschiedenis in de schijnwerper zetten.
ENG The film is in Japanese with English subtitles
Women are unstoppable in animation as well. Or cyborg women in the case of Mamoru Oshii’s GHOST IN THE SHELL, the anime cult classic based on Masamune Shirow’s original manga. In the year 2029 technology is so highly evolved that cyborgs are commonplace. Moreover, the human brain can now directly connect to the internet. Main character Major Motoko Kusanagi is a cyborg who leads a Secret Intelligence Operation within the counter terrorism and cybercrime division. Her team has to investigate a foreign agent and gets on the trail of a much bigger criminal, the hacker Puppet Master, known as “the most dreaded cyber-criminal of all time”.
Motoko and other cyborgs are able to change shapes, become invisible and can even enter the thoughts of others. A futuristic view which becomes more and more relevant in this day and age of artificial intelligence. GHOST IN THE SHELL poses the question what it means to be human and what meaning identity has in a technologically advanced world. Critic Roger Ebert notes the peculiar tendency in adult animation to feature strong female protagonists, who are nevertheless often depicted naked. Does this have to do with the idea that women in anime are free or is the choice directed to the ‘male gaze’ of the audience? The answer remains fluid.
The film was not a box-office success, but has accumulated a cult status. GHOST IN THE SHELL inspired different directors, from the Wachowskis to James Cameron, and most notably Quentin Tarantino. When Tarantino wanted to add an anime sequence to tell the bloody background story of O-Ren Ishii (Lucy Liu) in KILL BILL, the only production company he trusted, was the Japanese Production I.G., which had created his favourite anime GHOST IN THE SHELL.
This is part of our programme (S)HEROES, which puts the spotlight on female action heroes throughout film history.
Naar aanleiding van de NAVO-top in Den Haag doet Robert D. Kaplan de Lage Landen aan. Dit is een uitgelezen kans om de befaamde Amerikaanse journalist en politicoloog uit te nodigen en zijn nieuwe boek Het Barre Land voor te stellen. Kaplan zal geïnterviewd worden door professor en auteur Tom Sauer (Universiteit Antwerpen). Deze voorstelling is een samenwerking tussen Arenberg, Boeken en Letteren, De Studio en Crossing Border Festival. Zin in nóg meer literatuur en een goeie klets muziek erbij? Zet 9 november alvast in je agenda voor de volgende editie van het Crossing Border in Arenberg.
Het Barre Land
De wereld heeft te kampen met een catastrofale combinatie van oorlogen, klimaatverandering, rivaliserende grootmachten, razendsnelle technologische ontwikkelingen en ontelbare andere uitdagingen. In Het Barre Land onderzoekt Robert D. Kaplan hoe we in deze ogenschijnlijk permanente crisis beland zijn – en welke toekomst ons te wachten staat. Kaplan richt zijn blik op het verleden en op de literatuur, waaronder T.S. Eliots gedicht waaraan de titel is ontleend, om de hedendaagse geopolitieke situatie te duiden. Waar Eliot in het spoor van de Eerste Wereldoorlog schreef over het verval van beschavingen, beargumenteert Kaplan dat de wereld sinds het einde van de Koude Oorlog wordt gekenmerkt door een vorm van zelfobsessie die de val van het Westen kan betekenen. Hij trekt in het bijzonder de vergelijking met de Weimarrepubliek, die met een reeks crises werd geconfronteerd die gevolgen had op het gehele wereldtoneel. Ook nu lijken de problemen van de eenentwintigste eeuw – zoals recessie, massamigratie en machtsconflicten – ervoor te zorgen dat elke regionale ramp een wereldwijde crisis teweeg kan brengen. Net als in Weimar dreigt de situatie uit de hand te lopen, tenzij onze leiders opstaan en de neerwaartse spiraal een halt toebrengen.
Over Robert D.Kaplan
Robert D.Kaplan is de auteur van meer dan twintig boeken over buitenlandpolitiek en reizen, waaronder De geopolitieke tragedie, De wraak van de geografie en Moesson, waarvan wereldwijd vertalingen zijn verschenen. Daarnaast schreef hij ruim dertig jaar lang over buitenlandpolitiek voor The Atlantic. Hij is voorzitter van de afdeling Geopolitiek bij het Foreign Policy Research Institute en werd twee keer opgenomen in de Top 100 Global Thinkers van Foreign Policy. Website
Over Tom Sauer
Tom Sauer is professor internationale politiek aan de Universiteit Antwerpen. Voordien was hij twee jaar verbonden aan Harvard University. Hij specialiseert zich in internationale veiligheidsvraagstukken en schrijft onder andere voor De Standaard, De Morgen, De Tijd en Knack. Daarnaast is hij ook schrijver van het boek De strijd voor vrede.
Het is zomer in het Japan van de jaren '50. Zusjes Satsuki en Mei verhuizen met hun vader naar een nieuw huis op het platteland om dichter bij hun zieke moeder te zijn. Terwijl hun moeder in het nabijgelegen ziekenhuis herstelt van een langdurige ziekte, verkennen de zusjes de natuur bij hun huis. De dichtbegroeide wouden die aan hun tuin grenzen, zijn de thuis van verlegen mythische bosgeesten die enkel door kinderen kunnen worden gezien. Op een stralende ochtend bewegen de bladeren van een kamferboom in de wind en staan de meisjes oog in oog met de ronde en ronkende Totoro. De pluizige bosgeest leidt hen op allerlei wondere avonturen. Totoro heeft magische krachten en verschijnt enkel wanneer hij nodig is. Hij leert de zusjes dat geluk ook in moeilijke tijden aanwezig is. MY NEIGHBOR TOTORO laat je achter met een hernieuwd geloof in menselijkheid – en met een beetje magie in je hart.
Studio Ghibli films zijn universeel geliefd voor hun visuele pracht en in MY NEIGHBOR TOTORO komt de magie van regisseur Hayao Miyazaki’s handgetekende animatie helemaal tot zijn recht. Miyazaki’s lichtovergoten landschappen, vol levendige kleuren brengen de rijstvelden, groene bossen en gloeiende zonsondergangen tot leven op het scherm. Miyazaki brengt met MY NEIGHBOR TOTORO een prachtige ode aan de kracht en schoonheid van de natuur en de weerbaarheid van de mens/het kind in die natuur.
Donderdag 26 juni wordt de film in de buitenlucht vertoond bij Archipel (Slachthuislaan 23, 2060 Antwerpen). Geen zorgen over het weer — de openluchtvertoning is volledig overdekt en dus regenproof. Stoelen zijn voorzien, maar neem gerust je eigen kussen en dekentje mee voor dat extra beetje gezelligheid!
ENG The film is in Japanese with English subtitles
It’s summertime in Japan in the fifties. Sisters Satsuki and Mei move to a new house in the countryside with their father to be closer to their ailing mother. While their mother is recovering from a long illness in the nearby hospital, the sisters explore the woods close to their house. The dense forest is home to shy mythical forest spirits who can only be seen by children. One beautiful morning, the leaves of a tall camphor tree move in the wind and reveal the round and roaring Totoro. This fluffy forest spirit leads the girls on wondrous adventures. Totoro has magical powers and only appears when he is needed. He teaches the girls that happiness is also present during trying times. MY NEIGHBOR TOTORO leaves the audience behind with a renewed belief in humanity – and with a touch of magic in their hearts.
Studio Ghibli movies are universally beloved for their visual beauty, and in MY NEIGHBOR TOTORO, director Hayao Miyazaki’s hand-drawn animation really stands out. Miyazaki’s light-filled landscapes, full of lively colours, bring the rice paddies, green forests and glowing sunsets to life on the screen. With MY NEIGHBOR TOTORO, Miyazaki pays beautiful homage to the power and beauty of nature and the resilience of people.
Thursday 26 June, the film will be screened in the open air at Archipel (Slachthuislaan 23, 2060 Antwerpen). Don’t worry about the weather — the open-air screening is fully covered and rainproof. Seating will be provided, but feel free to make yourself extra cosy with your own cushion and blanket!
SAAT EL TAHRIR DAKKAT (THE HOUR OF LIBERATION HAS ARRIVED) van Libanees filmmaker Heiny Srour uit 1974 is de eerste film van een Arabische vrouw die geselecteerd en vertoond werd op het Filmfestival van Cannes. Op zich is dat feit niet veelzeggend, filmfestivals staan erom bekend dat ze weinig divers zijn. Maar dat Srours film de selectie haalde, is dan weer wel opmerkelijk.
De documentaire focust op de antikoloniale strijd van het ‘Popular Front for the Liberation of Oman and the Arabian Gulf’ (al-Jabhah al-Sha'abiyah li-Tahrir 'Uman wa-al-Khalij al-'Arabi, PFLOAG). Deze democratische en feministische guerrillabeweging kwam in de late jaren '60 in opstand tegen het Sultanaat van Oman, dat door Groot-Brittannië gesteund werd. Heiny Srour en haar crew doorkruiste te voet meer dan 800km woestijn en gebergte, onder constante bombardementen van de Britse Royal Air Force, om de conflictzone te bereiken en deze vergeten oorlog – en de vergeten vrouwelijke en mannelijke strijders – vast te leggen.
Het zuiden van Oman was het epicentrum van een emancipatorisch project om de Arabische Golf te bevrijden van Anglo-Amerikaans kolonialisme. De PFLOAG stond voor een uitgebreid programma van sociale hervorming en voor de uitbreiding – of vaak ook eerste opbouw – van infrastructuur, zoals scholen, boerderijen, ziekenhuizen en wegen. In die regio, tijdens deze vergeten strijd, schreven ongeschoolde tienermeisjes geschiedenis als de meest krachtdadige feministen. Srour schetst een portret van een strijd die wegbleef van mannelijk militarisme, maar gezamenlijk inzette op een betere, gelijke samenleving in een plek waar vrouwen “were not just oppressed by imperialism and class society, but also by their father, husband, brothers.” Deze vrouwen én mannen wachtten niet op de dag van de bevrijding, maar voerden een revolutie door in hun dagelijkse leven. Bekijk Heiny Srours gerestaureerde documentaire als deel van onze (S)HEROES-focus op vrouwelijke (actie)helden.
ENG The film is in Arabic with English subtitles
SAAT EL TAHRIR DAKKAT (THE HOUR OF LIBERATION HAS ARRIVED) by Lebanese filmmaker Heiny Srour from 1974 is the first film by an Arab woman that was selected and screened at the Cannes Film Festival. In itself, that fact doesn’t mean much; film festivals are known for their lack of diversity. But the fact that Srour’s film was selected is very remarkable.
The documentary focuses on the anti-colonial fight of the ‘Popular Front for the Liberation of Oman and the Arabian Gulf’ (al-Jabhah al-Sha'abiyah li-Tahrir 'Uman wa-al-Khalij al-'Arabi, PFLOAG). This democratic and feminist guerrilla movement rose against the Sultanate of Oman, which was backed by Great Britain, in the late sixties. Heiny Srour and her crew crossed more than 800km of desert and mountains, under constant bombardment of the British Royal Air Force, to get to the conflict zone and to capture this forgotten war and its forgotten female and male fighters.
The South of Oman was the epicentre of an emancipatory project to free the Arabian Gulf from Anglo-American colonialism. The PFLOAG stood for a vast programme of social reform and for building infrastructure such as schools, farms, hospitals and roads. In that region, during this forgotten battle, illiterate teenage girls wrote history as the most forceful feminists. Srour films a portrait of a fight that stood far from male militarism, but wanted to create a better, equal society in a place where women “were not just oppressed by imperialism and class society, but also by their father, husband, brothers.” These women and men did not wait for the day of liberation but created a revolution in their everyday life. Watch Heiny Srour’s documentary in our (S)HEROES focus.
Aansluitend bij ons MAS EMPATHY-programma tonen we RAIN MAN van Barry Levinson, waarin topacteurs Dustin Hoffman en Tom Cruise het beste van zichzelf geven in een verhaal over anders-zijn en (on)begrip.
Charles ‘Charlie’ Babbit (Cruise) is een egocentrische autoverkoper die werkt in de grijze zone van de legaliteit en in L.A. geniet van een luxe leventje. Charlie wordt achternagezeten door een schuldeiser, wanneer hij verneemt dat zijn vervreemde vader gestorven is en hem een auto en een rozenstruik nalaat. De rest van zijn miljoenenerfenis gaat naar een andere erfgenaam. Die erfgenaam is Raymond Babbit (Hoffman), Charlie’s oudere broer, van wiens bestaan hij niet afwist. Raymond blijkt een bewoner van het Walbrook Institute, een lokale psychiatrische instelling, en is een autistische savant, die in zijn eigen wereldje vol routine en regels leeft. Charlie kidnapt Raymond in een poging om de erfenis op te strijken. Maar onderweg ontdekken de twee tegenpolen wat broederschap echt betekent.
Wij vertonen de film in onze samenwerking MAS x De Cinema 2025, naar aanleiding van de MAS COMPASSION-expo (van 31 januari 2025 tot 31 augustus 2025). Klik hier voor het volledige filmprogramma.
Bezoekers die een ticket van De Cinema kunnen tonen van een vertoning binnen het MAS x De Cinema 2025-programma, krijgen korting op een ticket voor de MAS COMPASSION-expo. Omgekeerd geeft een ticket van de MAS COMPASSION-expo (vanaf 31 januari 2025 tot de vertoningsdag van de betreffende film) recht op een verlaagd tarief (€6,50 i.p.v. €9) bij aankoop van een filmticket voor het MAS x De Cinema 2025-programma.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
As part of our MAS EMPATHY programme, we screen Barry Levinson’s RAIN MAN, in which top actors Dustin Hoffman and Tom Cruise give career-best performances in a story about being different and (mis)understanding.
Charles ‘Charlie’ Babbit (Cruise) is an egocentric car dealer, who works in the grey zone of legality and enjoys the high life in L.A.. Charlie is being chased by a creditor, when he finds out his estranged father died and has left him a bed of roses and an old timer. The rest of his 3 million estate is left to a different heir. This turns out to be Raymond Babbit (Hoffman), Charlie’s older brother, whose existence he never knew of. Raymond turns out to be a resident of the Walbrook institute, a local mental institution, and is an autistic savant, who lives in his own world of routine and rules. Charlie kidnaps Raymond in an effort to claim the inheritance. But along the way, the two opposites find out what brotherhood really means.
We screen the touching and timeless movie in collaboration with MAS, in connection with their COMPASSION expo (from the 31st of January until the 31st of August 2025). Click here for the full film programme.
Visitors with a ticket from a screening from the MAS x De Cinema 2025 programme will receive a reduction on a ticket for the MAS COMPASSION expo. Vice versa, a ticket of the MAS COMPASSION-expo (from the 31st of January until the screening day of the film in question) will entitle the visitor to a reduction ticket (€6,50 instead of €9) for a film from the MAS x De Cinema 2025 programme.
Randall Casaer en Johan Terryn maken een nieuw seizoen van Tot onze grote spijt. En daarmee overleeft de podcast tegen alle verwachtingen in de voorstelling.
Maar na nominaties op de Belgian Podcast Awards en de Oorkondes konden ze jullie moeilijk met lege oortjes achterlaten.
Centraal in het nieuwe (live) seizoen staat de vraag: van welke zin heb je spijt dat je hem niet gezegd hebt?
Iedereen kent wel zo’n moment dat je bouche b stond en je pas achteraf te binnen schoot wat je eigenlijk had moeten zeggen.
Of dat je iets agressiefs zei en dat alsnog wil vervangen door iets liefs.
Of dat je niet antwoordde en dat die persoon er ondertussen niet meer is.
Je kan een opname van de podcast live bijwonen en je helden van de spijt ontmoeten.
Nieuwe diepe en aangrijpende verhalen staan voor je klaar.
Over een periode van twintig jaar vertolkte de ondertussen legendarische Jean-Pierre Léaud tot vijfmaal toe het alter ego van de al even iconische Franse nouvelle vague regisseur François Truffaut. Als Antoine Doinel is hij voor het eerst te zien in diens doorbraakfilm, en tevens sleutelfilm van de vernieuwingsgolf, LES QUATRE CENTS COUPS (1959). Daarna volgen nog vier films. In mei en juni brengt CINEA de integrale Doinel-reeks terug naar de Vlaamse bioscoopzalen, in een digitaal gerestaureerde 4K-versie!
De in 1944 geboren Léaud werd na een oproep van Truffaut in de krant uit een auditie van enkele honderden kinderen geplukt – hij was toen veertien. Een jaar later werd hij op de schouders van het publiek naar buiten gedragen na de zegetocht van hun film in Cannes, waarin Léaud als Antoine uiting gaf aan Truffauts weinig liefdevolle kindertijd.
Nadat Doinel verliefd wordt in ANTOINE ET COLETTE (1962) en vervolgens een relatie aangaat met de brave Christine in BAISERS VOLÉS (1968), toont DOMICILE CONJUGAL (1970) hun eerste huwelijksjaren. Negen jaar later gaan ze uit elkaar in L’AMOUR EN FUITE, een mozaïekfilm rijk aan nostalgie en gemijmer. Antoine is ondertussen dertig en werkt als proeflezer. Het is de eerste echtscheiding “zonder schuld” in Frankrijk en er barst een mediacircus los dat Antoine's verleden oprakelt. Twijfelend over zijn nieuwe liefde met een winkelbediende, gaat hij er impulsief vandoor met een oude vlam.
Naast L’AMOUR EN FUITE, staan ook Truffauts andere films over ANTOINE DOINEL op ons programma!
Zeven korte documentaires, zeven unieke stemmen. Studenten uit de master Filmstudies en Visuele Cultuur aan de Universiteit Antwerpen presenteren persoonlijke eindprojecten die ontstonden binnen het vak “Documentary Image Production”.
Elke film onderzoekt de relatie tussen technologie en vrijheid in onze hedendaagse samenleving – van algoritmes en artificiële intelligentie tot zelfexpressie en digitale autonomie. De makers benaderen het thema vanuit een unieke invalshoek, met een documentaireblik die zowel kritisch als intiem is.
De master Filmstudies en Visuele Cultuur focust op de theoretische benadering van film, maar biedt via seminarievakken als dit ook ruimte om het onderzoeksproces aan te vullen met artistieke en praktijkgerichte experimenten.
Bereid je voor op een avond vol onderzoek en filmische flair. Na elke film is er een kort gesprek met de maker(s).
Het programma ziet er als volgt uit:
(UN)CHAINED BY SCREENS (Sarah Dingemans, Joran Verbist, Sofie Moortgat & Viktor Vukojevic Ferrari - 11')
Erasmusstudenten van over de hele wereld gebruiken digitale communicatie om verbonden te blijven, vriendschappen te onderhouden en nieuwe connecties te maken. (UN)CHAINED BY SCREENS laat zien hoe deze technologie hun sociale leven vormgeeft.
SILENCED SOUNDS (Evelyn Defoort & Nele Kuypers - 9')
Een documentaire die je onderdompelt in enkele persoonlijke getuigenissen over noise cancelling.
SCROLLDRIFT (Sarai Schaek & Jenthe De Maeyer - 10')
In SCROLLDRIFT bekijken we op een abstracte en poëtische manier de relatie tussen brainrot en schermverslaving. Een groeiend probleem dat onze concentratie, mentale gezondheid en sociale interacties beïnvloedt.
UNPLUGGED & CONNECTED (Emilie Joris, Hendrik Willems & Ella Oelbrandt - 13')
UNPLUGGED & CONNECTED volgt drie Belgische artiesten en hun relatie met technologie: vormt het digitale tijdperk een wereld vol kansen of juist het einde van artistieke creativiteit?
BEYOND THE HUMAN TOUCH (Ines Denissen, Silke Schröder, Lenny Deryckere & Benedicte Dobbels - 18')
BEYOND THE HUMAN TOUCH onderzoekt hoe AI-gebruik invloed heeft op de creatieve vrijheid en het creatieve proces van kunstenaars. Via verschillende Vlaamse kunstenaars en hun perspectieven verkent de documentaire welke rol AI-gegenereerde kunst speelt en zal spelen binnen de kunstsector.
ME & MY MACHINE (Mattijs Verhorst - 11')
Een documentering van het leven met diabetes en de effecten van medische technologie.
TAY & ALLIS TAKE THE WORLD BY STORM (Allister Mees - 40')
TAY & ALLIS TAKE THE WORLD BY STORM volgt twee vriendinnen in hun vriendschap en hun trots. Het is een portret van queer vreugde, radicale aanwezigheid en het belang van fysieke gemeenschap in een wereld die toenemend virtueel wordt.
Randall Casaer en Johan Terryn maken een nieuw seizoen van Tot onze grote spijt. En daarmee overleeft de podcast tegen alle verwachtingen in de voorstelling.
Maar na nominaties op de Belgian Podcast Awards en de Oorkondes konden ze jullie moeilijk met lege oortjes achterlaten.
Centraal in het nieuwe (live) seizoen staat de vraag: van welke zin heb je spijt dat je hem niet gezegd hebt?
Iedereen kent wel zo’n moment dat je bouche b stond en je pas achteraf te binnen schoot wat je eigenlijk had moeten zeggen.
Of dat je iets agressiefs zei en dat alsnog wil vervangen door iets liefs.
Of dat je niet antwoordde en dat die persoon er ondertussen niet meer is.
Je kan een opname van de podcast live bijwonen en je helden van de spijt ontmoeten.
Nieuwe diepe en aangrijpende verhalen staan voor je klaar.
Pompende beats en bezwete lichamen zijn vaste waarden in discotheken. Talloze filmmakers grijpen gretig naar die mysterieuze plekken van ontmoeting als een spannende arena voor hun films: de club als tweestrijd tussen collectiviteit en een uiterst individuele beleving. Zo storten Paul en zijn vrienden zich als DJ-collectief in de Parijse underground scene van de jaren negentig in Mia Hansen-Løves EDEN — een elliptische vertelling vol seks, drugs, en muziek, featuring Greta Gerwig en Daft Punk.
Hansen-Løves dramafilm viert de euforie van dancemuziek maar schrikt er ook niet voor terug om te laten zien wat er gebeurt zodra het feest voorbij is. Het verhaal volgt het leven van Paul, een DJ, levensgenieter en verloren ziel. Net als zijn vrienden in Daft Punk maakt hij deel uit van de opkomst van French touch, maar in tegenstelling tot het Get Lucky duo is zijn succes vluchtig. Paul is gebaseerd op Sven Hansen-Løve, Mia Hansen-Løves broer en voormalig DJ, die de film samen met haar schreef. Daarover vertelde de regisseur:
“It was so exciting for the both of us, just being aware that there was no film that really took [club culture] seriously. There were films that used house music here and there, scenes set in clubs, but not a film about a DJ. Ours would be a film that would show the euphoria of it but also the reality.”
EDEN is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
Toen Steven Spielberg in 1975 zijn witte-haai-thriller op het publiek losliet, schudde hij niet alleen strandgangers wakker. Hij vond ook de zomerblockbuster uit. Gebaseerd op de roman van Peter Benchley, vertelt de film het verhaal van een kuststadje in de greep van een bloeddorstige haai.
Maar JAWS is veel meer dan een monsterfilm: het is een les in hoe je spanning tot spektakel kneedt. Spielberg, toen pas 27, wist technische tegenslag om te buigen tot creatieve kracht. Omdat de mechanische haai zelden werkte, koos hij voor suggestie, geluid en spanning. Dat maakte het allemaal nóg beangstigender—zeker met John Williams’ iconische tweeklank die de angst muzikaal aanwakkerde.
Wij vertonen JAWS zoals hij bedoeld was: op 35mm, met dank aan CINEMATEK. Voor al die keren dat je dacht: “I’m gonna need a bigger screen.” Dit is je kans om deze klassieker opnieuw (of voor het eerst) op het grote scherm te zien.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
When Steven Spielberg released his white shark thriller to the public in 1975, he did more than terrify beach lovers. He invented the summer blockbuster. Based on Peter Benchley's novel, the film tells the story of a seaside town confronted with a bloodthirsty shark.
But JAWS is much more than a monster film: it is a lesson on how to turn tension into spectacle. Spielberg, only 27 at the time, knew how to bend technical setbacks to creative strength. Because the mechanical shark seldom worked, he went for suggestion, sound, and tension. This choice makes the film even more terrifying—especially with John Williams's iconic diphthong, which musically triggers fear.
We screen JAWS like it is supposed to: on 35mm, courtesy of CINEMATEK. For all those times that you thought: "I'm gonna need a bigger screen." This is your chance to revisit (or discover) this classic on the big screen.
China in de 9de eeuw. Nie Yinniang wordt op 10-jarige leeftijd door een taoïstische non ontvoerd en opgeleid tot een meedogenloze moordenares, met als doel het elimineren van wrede en corrupte lokale bestuurders. Wanneer Yinniang jaren later op missie wordt gestuurd naar haar geboortestreek, krijgt ze het bevel om haar eerste liefde, die nu de grootste militaire macht in Noord-China leidt, te doden. Voor het eerst sinds lang wordt de jonge vrouw geconfronteerd met haar verleden, haar herinneringen en lang onderdrukte gevoelens. Ze staat voor een verscheurende keuze: blijft ze loyaal aan haar meesteres, of redt ze de man van wie ze houdt?
Dit betoverend en visueel verbluffend meesterwerk van Hou Hsiao-Hsien won de Prijs voor Beste Regie op het Festival van Cannes 2015. Van Hou Hsiao-Hsien vertonen we deze zomer ook het niet te missen MILLENNIUM MAMBO (2001).
Deze film is onderdeel van ons programma (S)HEROES, waarmee we vrouwelijke actiehelden doorheen de filmgeschiedenis in de schijnwerper zetten.
In zijn tweede langspeler YOUNG SOUL REBELS, door critici vaak vergeleken met Spike Lees DO THE RIGHT THING, schetst Isaac Julien een intens beeld van het Londen van de late jaren '70 aan de vooravond van de aidsepidemie. Jongeren zetten zich in subculturen (van punks tot soulboys) af tegen de verstikkende norm. Een queer liefdesverhaal ontluikt enkele dagen voor de viering van het zilveren jubileum van Queen Elizabeth.
De hedonistische wereld van de DJ-piraten Chris en Caz wordt verstoord wanneer een goede vriend wordt vermoord tijdens het cruisen in een plaatselijk park. De zwarte gemeenschap verdenkt het National Front, maar de politie houdt er een andere theorie op na.
De Britse filmmaker Isaac Julien was in 1983 medeoprichter van het Sankofa Film and Video Collective, een van de vele initiatieven uit de jaren tachtig die een onafhankelijk ecosysteem voor de Black British Cinema ontwikkelde ten tijde van grote sociale onrust. YOUNG SOUL REBELS kaart aan hoe openlijk seksistisch, racistisch en homofoob de eerste punk wave scene werkelijk was. De film viel in de prijzen op het filmfestival van Cannes en straalt nog steeds een aanstekelijk jeugdig enthousiasme uit, mede door een sfeervolle cinemafotografie en seventies soundtrack.
YOUNG SOUL REBELS is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English without subtitles
In his second feature film, YOUNG SOUL REBELS, often compared by critics to Spike Lee’s DO THE RIGHT THING, Isaac Julien paints an intense picture of late 1970s London on the eve of the AIDS epidemic. In subcultures (from punks to soulboys), young people fight against the norm. A queer love story buds just days before Queen Elizabeth’s silver jubilee celebrations.
The hedonistic world of DJ pirates Chris and Caz is disrupted when a close friend is murdered while cruising in a local park. The Black community suspects the National Front, but the police hold a different theory.
Isaac Julien co-founded the Sankofa Film and Video Collective in 1983, one of many 80s initiatives that developed an independent ecosystem for Black British Cinema at a time of great social upheaval. YOUNG SOUL REBELS charts how openly sexist, racist, and homophobic the early punk wave scene was. The film won awards at the Cannes Film Festival and still exudes an infectious youthful enthusiasm, helped by atmospheric cinematic photography and a 1970s soundtrack.
YOUNG SOUL REBELS is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
De dromerige Gelsomina wordt door haar moeder verkocht aan Zampanò, een rondreizende krachtpatser die optreedt op dorpspleinen en zijn hoed laat rondgaan voor een fooi. Terwijl ze samen door het Italiaanse platteland trekken – een tocht vol botsingen, stil verdriet en onverwachte zachtheid – groeit ze aan zijn zijde van schuchtere assistente tot gevoelige performer uit.
LA STRADA is Federico Fellini’s tedere ode aan het zwervende circusbestaan, aan de buitenstaanders, de zoekers, de zonderlingen. Wat begon als een neorealistisch vertelsel ontpopte zich tot een poëtische fabel over mededogen en eenzaamheid – met Giulietta Masina als de onvergetelijke Gelsomina, Anthony Quinn als haar brute tegenpool, en Nino Rota’s weemoedige score als kloppend hart.
Een film die balanceert tussen rauwheid en ontroering, werkelijkheid en verbeelding. Een klassieker die je niet alleen ziet, maar voelt.
Wij vertonen de film in onze samenwerking MAS x De Cinema 2025, naar aanleiding van de MAS COMPASSION-expo (van 31 januari 2025 tot 31 augustus 2025). Klik hier voor het volledige filmprogramma.
Bezoekers die een ticket van De Cinema kunnen tonen van een vertoning binnen het MAS x De Cinema 2025-programma, krijgen korting op een ticket voor de MAS COMPASSION-expo. Omgekeerd geeft een ticket van de MAS COMPASSION-expo (vanaf 31 januari 2025 tot de vertoningsdag van de betreffende film) recht op een verlaagd tarief (€6,50 i.p.v. €9) bij aankoop van een filmticket voor het MAS x De Cinema 2025-programma.
