Luis Buñuels klassieker BELLE DE JOUR is een surrealistische en erotische film die zweeft tussen dagdroom en verlangen, fetisjisme en sociale normen. Het verhaal volgt Séverine Serizy (een moedige rol voor Catherine Deneuve), een Parijse huisvrouw die achter een schijnbaar perfect uiterlijk een tumultueus innerlijk verstopt. Haar huwelijk met haar echtgenoot is liefdevol, maar mist intimiteit. Wanneer een ontmoeting met een stoutmoedige man iets in haar doet ontwaken, begint Séverine in het geheim haar namiddagen door te brengen in een bordeel, waar ze haar seksuele verlangens botviert.
Buñuel vermengt fantasie en realiteit in een cinematografische commentaar op de sociale moraliteit en klassenscheiding in de jaren '60. Deneuve levert een iconische acteerprestatie in de rol van Séverine, een vrouw die zich gevangen voelt in haar eigen leven en bevrijding zoekt in fetisjistisch genot. In haar vertolking brengt Deneuve de complexiteit van Séverine naar buiten, wat resulteert in een doordringende studie van verdrukking, bevrijding en identiteit. Buñuel zou Buñuel niet zijn zonder de symboliek en surrealistische beelden, en in combinatie met Deneuves overtuigende acteerwerk resulteert dat in een provocatief en tijdloos portret van de menselijke psyché.
Een bezeten marionettist wil, ondanks reuma in zijn handen, nog een laatste keer schitteren op Le Grand Concours Des Marionettes et des Poupettes, in aanwezigheid van de keizer zelf. Hiervoor koopt zijn moeder hem een dwergmeisje, Zenna, die beetje bij beetje leert hoe ze Arthurs perfecte marionette kan zijn. Het is hard werken om de bewegingen van een pop perfect na te doen en de touwtjes strak gespannen te houden. Tijdens deze charade van bedrog en manipulatie groeien de autistische Arthur en de kleine Zenna beetje bij beetje naar elkaar toe.
Een mooi en intrigerend verhaal met schitterende sprookjesachtige personages en een verrassend plot. Het baadt in een macabere sfeer vol humor in de beste Tim Burton traditie.
Joost Van den Branden van Theater Tieret liet zijn talent als schrijver reeds meermaals zien bij zijn eigen gezelschap maar ook bij FroeFroe in Labyrint. Nu bewerkt hij het verhaal van Arthur, de beste poppenspeler ter wereld (volgens hemzelf en zijn moeder). Heerlijk onversneden figurentheater met een absolute topcast.
Opnieuw 9 jaar na hun tweede ontmoeting in Parijs, en 18 jaar na hun eerste ontmoeting in Wenen, leven Jesse (Ethan Hawke) en Céline (Julie Delpy) samen in Parijs met hun tweelingdochters. We treffen het gezin in Griekenland tijdens hun zomervakantie op het moment dat Jesse zijn tienerzoon Hank uitwaait. Hank keert terug naar Chicago, waar hij met zijn moeder en Jesses ex-vrouw woont. Jesse en Céline delen een maaltijd met vrienden, reflecteren over de liefde en het leven en stellen levensbeslissingen in vraag.
Ook deze afsluiter van Richard Linklaters BEFORE-trilogie werd geschreven door de regisseur en beide hoofdacteurs. “As with its two predecessors — and with the films of French New Wave director Éric Rohmer, presiding deity of this kind of cinema—MIDNIGHT’s essentially a film about people talking. But when the talk's this good, this absorbing and revealing and witty and true, who's going to complain? A more-than-worthy, expectation-exceeding chapter in one of modern cinema's finest love stories. As honest, convincing, funny, intimate and natural as its predecessors”, vat journalist Philip Kemp de film mooi samen.
We vertonen de volledige trilogie op zondag 7 september. Hiervoor zijn er ook voordelige combotickets beschikbaar.
BEFORE MIDNIGHT is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
Another 9 years after their second meeting in Paris, and 18 years after their first meeting in Vienna, Jesse (Ethan Hawke) and Céline (Julie Delpy) live together in Paris with their twin daughters. We meet the family on their summer holiday in Greece, when Jesse says goodbye to his teenage son Hank. Hank is returning to Chicago, where he lives with his mother and Jesse’s ex-wife. Jesse and Céline share a meal with friends, reflecting on love and life and questioning life decisions.
This closing chapter of Richard Linklater’s BEFORE-trilogy was again written by the director and the two main actors. “As with its two predecessors — and with the films of French New Wave director Éric Rohmer, presiding deity of this kind of cinema—MIDNIGHT’s essentially a film about people talking. But when the talk's this good, this absorbing and revealing and witty and true, who's going to complain? A more-than-worthy, expectation-exceeding chapter in one of modern cinema's finest love stories. As honest, convincing, funny, intimate and natural as its predecessors”, concludes journalist Philip Kemp beautifully.
For the marathon screening of the entire trilogy on Sunday 7 September, there are also combo tickets.
BEFORE MIDNIGHT is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Omar Rodríguez-López en Cedric Bixler-Zavala schreven muziekgeschiedenis met At the Drive-In en The Mars Volta, maar achter hun explosieve sound schuilt een vriendschap die even intens, teder en chaotisch is. Deze documentaire volgt hun parcours van jeugdvrienden tot creatieve zielsverwanten, getekend door roem, verraad en verlies.
Deze intieme documentaire van Nicolas Jack Davies, die gebaseerd is op honderden uren archiefmateriaal die Omar over vier decennia filmde, breekt radicaal met het format van de klassieke muziekdocu: rauw, persoonlijk en onvoorspelbaar, net als zijn hoofdpersonen. Variety noemde het niet voor niets “a film that mirrors the restless spirit of its subjects while breaking all of the rules of traditional documentary filmmaking”.
Wat begint als een tijdscapsule voor fans, groeit uit tot een universeel verhaal over migratie, identiteit, liefde, succes en verlies. Een zeldzaam eerlijk portret van twee outsiders die elkaar verliezen en terugvinden, en de prijs betalen van radicale artistieke vrijheid.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
Omar Rodríguez-López and Cedric Bixler-Zavala made music history with At the Drive-In and The Mars Volta, but behind their explosive sound lies a friendship just as intense, tender, and chaotic. This documentary traces their journey from childhood friends to creative soulmates, shaped by fame, betrayal, and loss.
This intimate film by Nicolas Jack Davies, built on hundreds of hours of archival footage shot by Omar over four decades, breaks radically with the conventions of traditional music documentaries—raw, personal, and unpredictable, just like its subjects. Variety aptly described it as “a film that mirrors the restless spirit of its subjects while breaking all of the rules of traditional documentary filmmaking”.
What begins as a time capsule for fans evolves into a universal story of migration, identity, love, success, and grief. A rare, honest portrait of two outsiders who lose and find each other again—and who pay the price of radical artistic freedom.
De vrijgevochten 15-jarige Connie Wyatt (Laura Dern) is te jong om zelf te rijden, maar niet te jong om rond te hangen in het plaatselijke shoppingcenter en te flirten met de jongens daar. Dat doet ze vooral om te ontsnappen aan haar saaie thuisleven. Haar wantrouwige moeder – zelf ooit een tienermoeder – wil haar veilig thuis houden. Maar de vrijheid van de lange zomerdagen lonkt en Connie wil plezier maken met haar vriendinnen voordat ze terug naar school moet. Wanneer een mysterieuze James Dean-lookalike interesse toont in Connie en aankondigt dat “I’m watching you”, dreigt er een traumatisch einde te komen aan haar onschuld.
Regisseur Joyce Chopra baseerde zich voor haar fictiedebuut SMOOTH TALK op haar eigen documentaire GIRLS AT 12 (1975), over de transitie van jonge meisjes naar tieners, en het bekroonde kortverhaal Where Are You Going, Where Have You Been? (1966) van Joyce Carol Oates. Laura Dern is in haar doorbraakrol perfect gecast als het zorgeloze 15-jarige meisje dat graag volwassen zou zijn, maar in die wens ook meteen geconfronteerd wordt met de harde realiteiten van het vrouw-zijn.
Wat een idyllische zomer zou moeten zijn vol zon, hang-outs en naïef geflirt, eindigt met de komst van een opdringerige zwerver (akelig memorabel vertolkt door Treat Williams). Met SMOOTH TALK laat Chopra de conventies van een coming-of-age verhaal overlopen in een diepgaand en verontrustend portret van adolescentie, seksuele ontdekking en het verlies van onschuld.
SMOOTH TALK is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with English subtitles
The free-spirited 15-year-old Connie Wyatt (Laura Dern) is too young to drive, but not too young to hang out at the local shopping mall and flirt with the boys there. She mostly does this to pass the time and to escape her boring home life. Her overbearing mother – herself once a teen mom – wants to keep her home safe. But the freedom of the long summer days beckons, and Connie wants to have fun with her friends before she has to go back to school. When a mysterious James Dean lookalike shows interest in Connie and announces that “I’m watching you”, there threatens to come a traumatic end to her innocence.
For her fiction debut, director Joyce Chopra was influenced by her own documentary GIRLS AT 12 (1975) and the award-winning short story Where Are You Going, Where Have You Been? (1966) by Joyce Carol Oates. Laura Dern is perfectly cast in her breakthrough role as the carefree 15-year-old girl who would love to be an adult, but is immediately confronted by the harsh realities of being a woman.
What should have been an idyllic summer full of sun, hang-outs, and flirtations ends with the arrival of an intrusive drifter (menacingly portrayed by Treat Williams). With SMOOTH TALK, Chopra lets the conventions of the coming-of-age story blend into a profound and troubling portrait of adolescence, sexual exploration and the loss of innocence.
SMOOTH TALK is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Deze eerste kinderfilm over Frida Kahlo is prachtig geanimeerd en roept de levendige sfeer van haar schilderwerken op.
Frida woont in de bruisende wereld van Mexico-Stad, en ze sprankelt van energie. Wanneer ze ziek wordt, gebruikt ze haar weelderige fantasie om de obstakels te overwinnen. Zo groeit ze uit tot een van de beroemdste kunstenaars van de 20ste eeuw.
Surveillance expert Harry Caul (Gene Hackman) staat bekend als de beste in de business. Hij hecht enorm veel belang aan zijn anonimiteit en is zowel in zijn professionele als in zijn persoonlijke leven een eenzaat. Wanneer Harry en zijn partner Stan (John Cazale) ingehuurd worden door een mysterieuze cliënt (Robert Duvall), die zichzelf ‘the Director’ noemt, om een jong koppel te volgen, ontcijfert Harry dat de vrouw de echtgenote is van ‘the Director’ en de man haar affairepartner. Harry is ervan overtuigd dat zijn cliënt het koppel gaat vermoorden. De vroom katholieke Harry draagt nog steeds een zwaar schuldgevoel met zich mee over een andere opdracht die levens eiste en begint zijn eigen onderzoek om de moord te voorkomen.
THE CONVERSATION is een meeslepende psychologische thriller, die gekarakteriseerd wordt door de typische Amerikaanse 70s paranoia atmosfeer, met inventieve montage en sound design. De film is niet enkel een van grootmeester Francis Ford Coppola’s beste films, maar toont ook het uitzonderlijke acteertalent van Gene Hackman. Met deze vertoning brengen we een ode aan Hackman, die onlangs tragisch overleed, en aan zijn onnavolgbare oeuvre.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
Surveillance expert Harry Caul (Gene Hackman) is renowned within the profession as the best in business. He values his anonymity highly and is a solitary man in both his personal and professional life. When he and his partner Stan (John Cazale) are hired by a mysterious client (Robert Duvall), who calls himself ‘the Director’, to follow a young couple, Harry deduces that the woman is ‘the Director’s’ wife and the man is an employee with whom she is having an affair. Harry becomes convinced that his client plans to murder the couple. The devout catholic Harry is still haunted by guilt over a previous assignment where the information he provided resulted in the loss of lives, and he begins his own investigation to prevent the murder.
THE CONVERSATION is a gripping psychological thriller, characterised by the typical American 70s paranoia atmosphere, inventive editing and sound design. The film is not only widely considered one of auteur Francis Ford Coppola’s best films, but also shows the exceptional acting talent of Gene Hackman. With this screening, we pay homage to Hackman, who recently and tragically passed away, and to his unparalleled oeuvre.
Jean-Pierre en Luc Dardenne wonnen hun eerste Gouden Palm voor dit beklemmende en intense drama over een jonge vrouw uit Seraing die haar job verliest en wanhopig probeert een uitweg te vinden.
ROSETTA speelt zich af in een voormalig industriegebied in Wallonië waar de werkloosheid tot ongekende hoogte is gestegen. Op een troosteloze camping woont de 18-jarige Rosetta samen met haar alcoholistische moeder, die zich tegen betaling laat gebruiken door allerlei mannen. Rosetta haat haar moeder en haat de hele wereld. Ze heeft maar één doel: werk vinden en de camping verlaten om te leven zoals 'normale' mensen. Rosetta zet daarvoor alles op het spel... zelfs de vriendschap met haar enige vriend.
De broers Jean-Pierre en Luc Dardenne maken hun schokkerige camera deel van het verhaal, dat op een onsentimentele manier gaat over de impact van wanhoop in een uitzichtloze situatie.
Met deze vertoning brengen we een eerbetoon aan Émilie Dequenne, die onlangs overleed. Op haar zeventiende maakte ze een onvergetelijk debuut in deze film waarvoor ze terecht de prijs voor Beste Actrice op het filmfestival van Cannes won.
Na de film praten we over de impact van ROSETTA op de Belgische cinema. Het gesprek wordt geleid door filmprofessor Wouter Hessels, met als gasten filmmakers Dorothée Van Den Berghe (MY QUEEN KARO) en Laura Wandel (UN MONDE, L'INTÉRÊT D'ADAM). We sluiten de avond – en het Zomerfilmcollege – af met een gezellige afscheidsdrink.
ENG The film is in French with English subtitles
Jean-Pierre and Luc Dardenne won their first Palme D’Or for this haunting and intense drama about a young woman from Seraing who loses her job and desperately tries to find a way out of poverty.
ROSETTA is set in a former industrial area in Wallonia, where unemployment numbers have risen to unprecedented heights. The 18-year-old Rosetta lives on a dreary camping site with her alcoholic mother, who offers sexual services to men for money. Rosetta hates her mother and hates the world. She only has one goal: finding work and getting out of there as soon as she can to finally live like ‘normal’ people do. To reach her goal, Rosetta risks everything… even the friendship with her only friend.
The brothers Dardenne make their shaky camera a part of the unsentimental story about the impact of despair in a desperate situation.
“What makes ROSETTA unique is the dogged way it confines itself solely to its heroine’s direct experience. There is no attempt to explain the whys and wherefores of her circumstances, only the immediate reality. In its impassive observation it is sometimes like an anthropological film but without commentary or intervention and with nearly all sense of distance erased. The viewer is plunged with Rosetta into the mire of urgent need. The implacable handheld camera at her shoulder recalls the late television work of Alan Clarke: ROAD, CHRISTINE, MADE IN BRITAIN. And like Clark’s truculent heroines Rosetta is a girl driven to desperate measures for whom one can’t help but feel a terrible sympathy.” Richard Kelly in: Sight and Sound, Vol. 10, nr. 2, Feb. 2000, p. 22
With this screening, we honour the memory of lead actress Émilie Dequenne, who recently and tragically passed away. When she was seventeen, she made her unforgettable debut in this film, for which she justly won the prize for Best Actress at the Cannes Film Festival.
Following the screening, we talk about the impact of ROSETTA on Belgian cinema. The conversation will be moderated by film professor Wouter Hessels, with guest filmmakers Dorothée Van Den Berghe (MY QUEEN KARO) and Laura Wandel (UN MONDE, L'INTÉRÊT D'ADAM). We conclude the evening – and programme – with a closing drink.
Vier tienermeisjes ontdekken samen het leven, de liefde en alles wat daarmee te maken heeft. Doordat de shoot van LA VIE NE ME FAIT PAS PEUR verschillende jaren in beslag nam, groeien de hoofdpersonages ook echt op het scherm op. Ze worden zich bewust van wie ze zijn, waar ze van houden en wat ze willen in het leven.
Regisseur Noémie Lvovsky slaagt erin om het moeilijke evenwicht te vatten tussen de pracht en het angstaanjagende van wat tienerjaren kunnen zijn. Wat daaruit voortkomt, is een authentiek en universeel portret van het leven van deze vier vrouwen in Frankrijk. Grappig, waarachtig en barstensvol muziek: een mooie samenvatting van de titel. La vie ne me fait pas peur, het leven maakt me niet bang, life doesn’t scare me.
Na de film volgt de lezing ‘Energy and Friendship in the Young French Cinema of the 1990s' door Cristina Álvarez López
ENG The film is in French with English subtitles
Four teenage girls discover life, love and everything to do with it together. Because the shoot of LA VIE NE ME FAIT PAS PEUR took up several years, the lead characters really do grow up on screen. They become aware of who they are, what they love and what they want in life.
Director Noémie Lvovsky manages to capture the difficult balance between the beauty and the terrifying aspects of what teenage years can be. The result of this is an authentic and universal portrait of the lives of these four women in France. Funny, truthful and bursting with music: a beautiful summary of the movie’s title. La vie ne me fait pas peur, life doesn’t scare me.
After the film, Cristina Álvarez López will give a lecture on ‘Energy and Friendship in the Young French Cinema of the 1990s’.
In GHARE BAIRE keert Satyajit Ray terug naar de literatuur van Rabindranath Tagore, die ook CHARULATA inspireerde. Tegen de achtergrond van de Swadeshi-beweging in Brits-Indië ontdekt de hoogopgeleide maar afgeschermde Bimala voor het eerst de wereld buiten de muren van haar huis.
Aangespoord door haar idealistische echtgenoot Nikhil, ontmoet ze diens beste vriend Sandip: een charismatische nationalist die zowel haar politieke als haar persoonlijke verlangens aanwakkert. Maar Ray toont hoe revolutionaire vurigheid kan omslaan in egoïsme en manipulatie, en hoe ware integriteit zich vaak stil houdt.
Met sobere intensiteit en morele gelaagdheid onderzoekt Ray de botsing tussen rede en passie, trouw en verleiding – en het pijnlijk ontwaken van een vrouw én een land.
De film wordt gevolgd door de lezing ‘Ray’s Nationalism’ door Rochona Majumdar.
ENG The film is in Bengali with English subtitles
In GHARE BAIRE, Satyajit Ray returns to the literature of Rabindranath Tagore, who also inspired CHARULATA. Against the backdrop of the Swadeshi movement in British India, the educated yet sheltered Bimala experiences the world outside her home for the first time.
Spurred on by her idealistic husband, Nikhil, she meets his best friend, Sandip—a charismatic nationalist who fuels both her political and personal desires. Ray illustrates how revolutionary fervour can turn to selfishness and manipulation, and how genuine integrity often remains silent.
With austere intensity and moral layering, Satyajit Ray explores the clash between reason and passion, fidelity and seduction, and the painful awakening of a woman and a country.
The film will be followed by the lecture ‘Ray’s Nationalism’ by Rochona Majumdar.
SEEMABADDHA is het tweede deel van Satyajit Rays Calcutta-trilogie. Meer nog dan een klassiek drama is deze film uit 1971 een geraffineerde ontleding van morele afbrokkeling in een wereld die uiterlijk vertoon boven alles plaatst.
Centraal in SEEMABADDHA staat Shyamal, een man die alles heeft: een goedbetaalde job bij een Brits bedrijf, een modern appartement, een loyale vrouw. Zijn schoonzus Tutul komt logeren en kijkt vol bewondering naar zijn leven, zijn welbespraaktheid, zijn idealen. Maar wanneer een belangrijke levering misloopt, zet Shyamal zijn principes opzij: hij organiseert een nepstaking om de vertraging te maskeren. Er valt een gewonde, maar het plan werkt. Hij wordt beloond met een promotie. Hoe is Tutul zo geworden?
Met een scherp oog voor detail toont Satyajit Ray hoe de honger naar succes mensen langzaam uitholt.
De film wordt ingeleid door Rochona Majumdar.
ENG The film is in Bengali with English/Dutch/French subtitles
SEEMABADDHA is the second part of Satyajit Ray’s Calcutta trilogy. More than just a classic drama, this 1971 film is a sophisticated examination of moral decay in a world where ostentation prevails above all else.
At the centre of SEEMABADDHA is Shyamal, a man who has everything: a well-paid job with a British company, a modern apartment, and a loyal wife. His sister-in-law Tutul comes to stay and looks on in admiration at his life, his eloquence, and his ideals. But when an important delivery goes awry, Shyamal sets aside his principles: he organises a fake strike to mask the delay. One person gets injured, but the plan works. He is rewarded with a promotion. How did Tutul become this way?
With a keen eye for detail, Satyajit Ray illustrates how the hunger for success can slowly erode people.
Met PRATIDWANDI opent Satyajit Ray zijn Calcutta-trilogie: een indringende blik op een generatie jongeren die balanceert tussen hoop en berusting. Door flashbacks en subjectieve montage geeft Ray vorm aan de innerlijke onrust van zijn protagonist.
Deze film uit 1970 volgt Siddhartha, die na het plotse overlijden van zijn vader zijn studie moet opgeven om werk te zoeken. Maar zijn idealisme botst met de harde realiteit van Calcutta: een stad verscheurd door protest, propaganda en politieke spanningen. Terwijl zijn broer zich aansluit bij de Naxalieten, dwaalt Siddhartha doelloos rond. Tussen mislukte sollicitaties, dromen en een onmogelijke liefde.
PRATIDWANDI bijzonder portret van een tijdperk waarin alles kantelt, maar niets verandert. Na de film volgt de lezing ‘Ray’s City’ door Rochona Majumdar.
ENG The film is in Bengali with English/Dutch/French subtitles
PRATIDWANDI opens Satyajit Ray’s Calcutta trilogy: a penetrating look at a generation of young people balancing between hope and resignation. Through flashbacks and subjective editing, Ray shapes his protagonist’s inner turmoil.
This 1970 film follows Siddhartha, who, after the sudden death of his father, must abandon his studies to seek work. But his idealism clashes with the harsh reality of Calcutta: a city torn apart by protest, propaganda, and political tensions. While his brother joins the Naxalites, Siddhartha wanders aimlessly. Between failed job applications, dreams, and an impossible love.
PRATIDWANDI is an extraordinary portrait of an era in which everything tilts, but nothing changes. The film will be followed by the lecture ‘Ray’s City’ by Rochona Majumdar.
Na de dood van zijn grootmoeder keert de 13-jarige Bruno terug naar de arme Parijse buitenwijk van Bagnolet en trekt in bij zijn afwezige moeder. In het appartementencomplex ontmoet hij het jonge boefje Jean-Roger, die hem inlijft in een bende van delinquenten en een wereld van geweld.
Regisseur Jean-Claude Brisseau's kijk op de gewelddadige jongeren van de 'banlieue' is tegelijkertijd lucide en fabelachtig, flamboyant en met een documentaire aanvoelen, waarin realisme, droom en lyriek samenkomen. “None of my films are realistic, and certainly not naturalistic, including DE BRUIT ET DE FUREUR, even though it touched on a certain social reality. They all contain a shadow zone,” zei Brisseau zelf over de film.
Brisseau creëert in DE BRUIT ET DE FUREUR (SOUND AND FURY) een harde, voyeuristische en surrealistische schaduwwereld waar de personages bestookt worden door seks en geweld. De film is een visionaire voorloper van de hedendaagse maatschappelijke en sociale onrust in de Parijse banlieues. Brisseau stelt de gevaren aan de kaak van een maatschappij die op het individu gericht is en geeft een oprechte reflectie op de verantwoordelijkheden van de maatschappij met betrekking tot opvoeding, wat resulteert in een visuele en emotionele schok.
Na de film volgt de lezing ‘Anger, Revolt and Dreaming in the Cinema of Brisseau’ door Cristina Álvarez López.
ENG The film is in French with English subtitles
After the death of his grandmother, the 13-year-old Bruno returns to the poor Parisian suburb of Bagnolet and moves in with his absent mother. In the apartment building, he meets young criminal Jean-Roger, who recruits him into a gang of delinquents and a world of violence.
Director Jean-Claude Brisseau’s view on the violent youngsters of the ‘banlieue’ is at the same time lucid and fantastical, flamboyant and with a documentary feel, where realism, dream and lyricism come together. “None of my films are realistic, and certainly not naturalistic, including DE BRUIT ET DE FUREUR, even though it touched on a certain social reality. They all contain a shadow zone,” said Brisseau about the film.
In DE BRUIT ET DE FUREUR (SOUND AND FURY), Brisseau creates a surreal shadow world where the characters are taken over by sex and violence. The film is a visionary predecessor to the contemporary societal and social unrest in the Parisian banlieues. Brisseau addresses the dangers of a society that is focused on the individual and shows an authentic reflection on the responsibilities of society as a whole when it comes to education and upbringing, which results in a visual and emotional shock.
After the film, Cristina Álvarez López will give a lecture on ‘Anger, Revolt and Dreaming in the Cinema of Brisseau’.
In NAYAK volgt Satyajit Ray een Bengaalse filmster tijdens een treinreis naar Delhi, waar hij een prestigieuze prijs in ontvangst zal nemen. Wat begint als een banale verplaatsing, verandert in een innerlijke odyssee: in gesprekken en droomsequenties confronteert de acteur zichzelf met twijfel, spijt en de leegte achter zijn roem. Is hij werkelijk de held (‘nayak’) die het publiek in hem ziet?
NAYAK is een van Rays meer introspectieve en symbolische films – een zeldzame inkijk in de psyche van een beroemdheid, maar ook een reflectie op de illusies van cinema zelf. Genuanceerd, kritisch en onverwacht persoonlijk.
De film wordt ingeleid door Rochona Majumdar.
ENG The film is in Bengali with English subtitles
In NAYAK, Satyajit Ray follows a Bengali film star on a train journey to Delhi, where he is to receive a prestigious award. What starts as a banal journey turns into an inner odyssey: in conversations and dream sequences, the actor confronts himself with doubt, regret, and the emptiness behind his fame. Is he truly the hero (“nayak”) the audience sees in him?
NAYAK is one of Ray’s more introspective and symbolic films—a rare insight into the psyche of a celebrity, but also a reflection on the illusions of cinema itself. Nuanced, critical, and unexpectedly personal.
"What you really need isn’t more time, but something else."
english below
In KAPURUSH keert Satyajit Ray terug naar het domein van verloren blikken, onuitgesproken verlangens en onvergeeflijke zwakheid. Een gestrande scenarioschrijver wordt opgevangen door een vreemdeling, wiens vrouw niet zo onbekend blijkt. In de korte tijd die volgt, ontvouwt zich een subtiel spel van herinnering, afstand en falen – zonder grote confrontaties, maar met alleszeggende stiltes.
Met acteurs Soumitra Chatterjee en Madhabi Mukherjee, in hun laatste gezamenlijke werk met Ray, wordt deze korte film van zeventig minuten een meesterlijk miniatuur over verloren liefde en morele lafheid. Deze film uit 1965 is tegelijk compact en intens, en bewijst dat zwijgen soms meer onthult dan woorden ooit kunnen.
Na de film volgt de lezing ‘Ray’s Men’ door Rochona Majumdar.
ENG The film is in Bengali with English subtitles
In KAPURUSH, Satyajit Ray returns to the realm of lost looks, unspoken desires, and unforgivable weakness. A stranded screenwriter is taken in by a stranger, whose wife turns out to be not so unfamiliar. In the short time that follows, a subtle play of memory, distance, and failure unfolds—without major confrontations, but with all-important silences.
Featuring actors Soumitra Chatterjee and Madhabi Mukherjee, in their last joint work with Ray, this seventy-minute film becomes a masterful miniature about lost love and moral cowardice. At once compact and intense, KAPURUSH proves that sometimes silence reveals more than words ever can.
The film will be followed by the lecture ‘Ray’s Men’ by Rochona Majumdar.
Texaanse tiener Billie Jean Davy raakt verstrikt in een strijd voor gerechtigheid, wanneer de dagelijkse intimidatie van de plaatselijke pestkoppen haar jongere broer Binx bereikt. Nadat een confrontatie met de leider van de groep gewelddadig wordt, slaan Billie Jean en Binx op de vlucht voor de politie. De onwaarschijnlijke heldin eist gerechtigheid met haar slagzin “Fair is Fair” en wordt een tienericoon in haar strijd tegen onrecht.
Hoofdactrice Helen Slater heeft de stijl en het charisma van een overtuigende actieheldin, die wordt aanbeden als de nieuwe Jeanne d’Arc en haar eigen legende schrijft. Met een jonge - bleach blonde - Christian Slater (geen familie van) in zijn eerste hoofdrol.
THE LEGEND OF BILLIE JEAN is een belangrijk reliek van de 1980s teen movies waarin vigilante justice een antwoord bood op het logge en discriminerende Amerikaanse rechtssysteem. Billie Jeans rebellie sprak een hele generatie onbegrepen tieners aan, en ook voor de feministische insteek bleek het hoog tijd voor de als ‘out of control’-gelabelde tieners van die tijd. Teen angst, emancipatie en een bruisende rock en synthpop soundtrack (met o.a. Pat Benatars Invincible) onderstrepen de boodschap van de film: we’ve got the right to be angry!
Na de film volgt de lezing ‘Girl Power and Symbolic Action in the 1980s’ door Adrian Martin.
ENG The film is in English without subtitles
Texan teen Billie Jean Davy gets caught up in a fight for justice when the daily harassments of the local bullies turn to her younger brother Binx. After a confrontation with the gang’s leader turns violent, Billie Jean and Binx go on the run from the police. The unlikely heroine demands justice with her catchphrase “Fair is Fair”, and she becomes a teenage icon in her fight against injustice.
Lead actress Helen Slater embodies the style and the charisma of a convincing action hero, who is worshipped as the new Jeanne d’Arc and who writes her own legend. With a young - beach blonde - Christian Slater (not related) in his first starring role.
THE LEGEND OF BILLIE JEAN is an important relic of the 1980s teen movies, where vigilante justice became an answer to the slow and discriminating American legal system. Billie Jean’s rebellion appealed to a whole generation of misunderstood teens, and the film’s feminist approach turned out to be long overdue as well for the teenagers of that era, who were often labelled ‘out of control’. Teen angst, emancipation, and a pumping rock and synthpop soundtrack (with a.o. Pat Benatar’s Invincible) highlight the movie’s message: we’ve got the right to be angry!
After the screening, Adrian Martin will give a lecture on ‘Girl Power and Symbolic Action in the 1980s’.
Satyajit Rays verfilming van Nastanirh, een novelle van Nobelprijswinnaar Rabindranath Tagore, is een subtiel en zinderend portret van een vrouw die wakker wordt in een wereld die haar klein houdt. Charulata leeft als de verwaarloosde echtgenote van een intellectueel die haar liefde en aandacht ontzegt. Wanneer zijn jonge neef Amal in huis komt, vindt ze eindelijk een gesprekspartner – en misschien meer. Maar de romantiek is vluchtig. Wat blijft, is het besef dat ze meer wil dan alleen de rol van muze of echtgenote.
Ray toont, met verfijnde beelden en psychologische diepgang, hoe een vrouw zich losmaakt van haar omgeving en zichzelf hervindt. Een meesterwerk over verlangen, eenzaamheid en de eerste barsten in een patriarchale wereldorde.
Satyajit Ray’s adaptation of Nastanirh, a novel by Nobel Prize winner Rabindranath Tagore, is a subtle and thrilling portrait of a woman who wakes up in a world that keeps her small. Charulata lives as a neglected wife of an intellectual who denies her love and attention. When his younger cousin Amal visits the house, she finally finds a person to talk to - and maybe more. But the romance is fleeting. What remains, is the realisation that she wants more than the role of muse or wife.
Ray shows, with refined imagery and psychological depth, how a woman frees herself from her surroundings and finds herself again. A masterpiece about longing, loneliness and the first cracks in the patriarchal world order.
"You wouldn't recognise me at the job.”
- “What about at home? Would I recognise you at home?"
english below
In MAHANAGAR schetst Satyajit Ray een ontwapenend portret van een vrouw die haar plaats zoekt in een snel veranderende wereld. Terwijl de grootstad Kolkata moderniseert, verschijnen er scheurtjes in de patriarchale orde. Arati, echtgenote van een onderbetaalde bankbediende, besluit het huishouden financieel te ondersteunen en gaat aan de slag als deur-aan-deurverkoopster van breimachines. Haar keuze zet familiale zekerheden onder druk, maar opent tegelijk nieuwe perspectieven.
Ray verweeft deze persoonlijke emancipatie met een scherpe, maar fijnzinnige satire op de Indiase middenklasse en de Anglo-Indiase gemeenschap, die tussen twee werelden in lijkt vast te zitten. Een vroege, maar nog steeds brandend actuele reflectie op gender, arbeid en sociale verandering.
Na de film volgt de lezing ‘Ray Asks the Woman’s Question’ door Ritika Kaushik.
In MAHANAGAR, Satyajit Ray paints a disarming portrait of a woman seeking her place in a rapidly changing world. As the metropolis of Kolkata modernises, cracks appear in the patriarchal order. Arati, wife of an underpaid bank clerk, decides to support the household financially and goes to work as a door-to-door saleswoman selling knitting machines. Her choice puts family securities under pressure, but at the same time, it opens up new perspectives.
Ray interweaves this personal emancipation with a sharp but finely crafted satire of the Indian middle class and the Anglo-Indian community, which seems caught between two worlds. An early but still searingly topical reflection on gender, labour, and social change.
After the film, there is a lecture on ‘Ray Asks the Woman’s Question’ by Ritika Kaushik.
Een valpartij op de trappen van een tempel in een klein, Japans kuststadje zet het leven van de 14-jarige Kazuo en Kazumi op z’n kop. Wanneer ze ontwaken, blijken ze op bovennatuurlijke wijze van lichaam te zijn verwisseld. Beide proberen er alles aan te doen om de druk van het middelbare schoolleven te overleven. Niet gemakkelijk. Zéker niet als je niet enkel van lichaam verandert, maar ook een andere geslacht en seksuele voorkeur krijgt.
Na de film volgt de lezing ‘A Guide to Body-Swapping, Body-Hopping, and Self-Splitting’ door Adrian Martin.
ENG The film is in Japanese with English subtitles
A fall on the stairs in front of a temple in a small Japanese coastal village turns the lives of the 14-year-old Kazuo and Kazumi upside down. When they wake up, they have supernaturally switched bodies. Both of them try to do anything in their power to survive the pressures from high school. Not an easy feat. Especially not when you switch bodies, genders and sexual preference.
After the screening, Adrian Martin will give a lecture on ‘A Guide to Body-Swapping, Body-Hopping, and Self-Splitting’.
Een dromerig, sensueel en genuanceerd portret waarin een jonge vrouw het voorwerp wordt van mystieke verering omdat haar schoonvader beweert dat ze de reïncarnatie is van de godin Kali. Een potentieel waanidee dat mogelijks miserabele gevolgen kan hebben voor de jonge vrouw en de mensen rondom haar. Satyajit Ray richt kritisch de focus op het Indiase bijgeloof van de hedendaagse samenleving in India. Opnieuw een studie over de botsing tussen oude en moderne opvattingen en een vernietigende kritiek op fanatisme.
De film wordt ingeleid door Ritika Kaushik.
ENG The film is in Bengali with English/Dutch/French subtitles
A dreamy, sensual and nuanced portrait in which a young woman becomes the subject of mystical adoration because her father-in-law claims she is the reincarnation of the goddess Kali. A potential delusion that could have miserable consequences for the young woman and the people around her. Satyajit Ray critically focuses on the superstition of contemporary Indian society. With DEVI, Ray has again created a study on the clash between traditional and modern beliefs and a devastating criticism of fanaticism.
APARAJITO is het tweede deel uit Satyajit Rays humanistische trilogie over Apu. Intussen is Apu een jongeman die samen met zijn familie van het platteland naar de bruisende stad Benares verhuist. Zijn evolutie van curieuze kind tot leergierige jongvolwassene leidt hem uiteindelijk weg van huis, om te gaan studeren in Kolkata. In zijn zoektocht naar zelfexpressie en een eigen identiteit dwaalt hij zich tegelijkertijd steeds verder weg van zijn moeder (en haar traditionele waarden). Deze film uit 1956 vertoont op wonderlijke wijze de wrijving tussen modernisme en traditie waarmee Apu worstelt.
“De beroemde Apu-trilogie van Satyajit Ray is het schoolvoorbeeld van een visuele bildungsroman.” Omar Larabi, Humbug
Na de film volgt de lezing ‘Bonds of Family and Tradition in Ray’s Films’ door Ritika Kaushik.
Op 1 oktober vertonen we het laatste deel van de Apu-trilogie: APUR SANSAR.
ENG The film is in Bengali with English subtitles
APARAJITO is the second installment of Satyajit Ray’s humanist trilogy about Apu. Now Apu has become a young man, who moves with his family from the countryside to the buzzing city of Benares. His evolution from a curious child into an inquisitive young adult eventually leads him away from home, to go to college in Kolkata. In his search for self-expression and his own identity he moves further and further away from his mother and her traditional values. This film from 1956 wondrously depicts the friction between modernism and tradition with which Apu struggles.
After the screening, Ritika Kaushik will give a lecture on‘Bonds of Family and Tradition in Ray’s Films'.
On 1 October, we screen the final part of the Apu trilogy: APUR SANSAR.
Wanneer de 15-jarige Mike met school stopt, neemt hij een baantje aan bij een badhuis. Daar wordt hij opgeleid door de tien jaar oudere Susan. Mike ontwikkelt al snel een obsessie voor de aantrekkelijke vrouw, die hem met plezier aan het lijntje houdt. Door deze nieuwe seksuele ontwaking raakt Mike stilaan verstrikt in zijn fantasieën en doet hij er als haar stalker alles aan om haar andere relaties te saboteren.
Filmcriticus Andrew Sarris beschreef de film in zijn Films in Focus-reeks in The Village Voice als “the best of Godard, Truffaut, and Polanski, and then some. Nothing less, in fact, than a work of genius on the two tracks of cinema, the visual and the psychological.”
Na de film volgt de lezing ‘Teen Angst and Impossible Desire in the 1970s’ door Cristina Álvarez López.
ENG The film is in English without subtitles
When the 15-year-old Mike drops out of high school, he takes up a job at a public bath house in London. There, he’s trained by the beautiful Susan, ten years his senior. Mike quickly develops an obsession for the attractive woman, who likes to toy with his feelings. Because of this sexual awakening, Mike quickly becomes entangled in his own fantasies and turns into Susan’s stalker, doing everything in his power to sabotage her other relationships.
Film critic Andrew Sarris described the film in his Films in Focus-series in The Village Voice as: “the best of Godard, Truffaut, and Polanski, and then some. Nothing less, in fact, than a work of genius on the two tracks of cinema, the visual and the psychological.”
Wanneer de mater familias plotseling ziek wordt, moet de familie Vuillard noodgedwongen opnieuw samenkomen na jaren zonder contact. Een onverwachte kerstreünie waar geen van hen op zat te wachten. Onder hetzelfde dak komen hun lang onderdrukte gevoelens van wrok en verlangen opnieuw naar boven. Met Catherine Deneuve en dochter Chiara Mastroianni (tevens ook dochter van Marcello Mastroianni) in de hoofdrol.
In aanwezigheid van regisseur Arnaud Desplechin, die de film zal voorzien van een inleiding en een nagesprek.
ENG The film is in French with English/Dutch subtitles
When the mater familias suddenly becomes ill, the Vuillard family is forced to get together again after years with no contact. An unexpected Christmas reunion none of them were waiting for. Under the same roof, their long suppressed feelings of resentment and longing surface again. With Catherine Deneuve and her daughter Chiara Mastroianni (also the daughter of Marcello Mastroianni) as the lead characters.
Director Arnaud Desplechin will introduce the film and discuss it after the screening.
In zijn regiedebuut toont Satyajit Ray een stille mijmering over de jeugd van een Bengaalse jongen uit een arm gezin, het eerste deel van wat later de befaamde Apu-trilogie zou worden. Via loepzuiver symbolisme, visuele poëzie en humanistisch geloof presenteert Ray een subtiele film die in eigen land het publiek kon bekoren.
PATHER PANCHALI wordt gezien als een van de eerste films van de Parallel Cinema (of New Indian Cinema), geïnspireerd door Italiaans Neorealisme, dat zich tegen de commerciële Indische cinema keerde. De realistische voorstelling van armoede en de schoonheid in het dagelijkse leven staan in beide bewegingen voorop. Ray liep de Gouden Palm mis op Cannes (die dat jaar naar LE MONDE DU SILENCE ging), maar wist toch internationaal door te breken.
Na de film volgt de lezing 'Uniqueness and Universality: An Introduction to Satyajit Ray’ door Ritika Kaushik.
Op 1 oktober vertonen we het laatste deel van de Apu-trilogie: APUR SANSAR.
In his directorial debut, Satyajit Ray shows a quiet reverie of the youth of a Bengal boy from a poor family, the first part of what would later become the famous Apu-trilogy. Through flawless symbolism, visual poetry and humanistic faith, Ray presents a subtle film, which charmed audiences in his own country.
PATHER PANCHALI is considered one of the first films of the Parallel Cinema (or New Indian Cinema), inspired by Italian Neorealism, and wanted to counter the commercial Indian cinema. The realistic depiction of poverty and the beauty of daily life are front and center in both cinematic movements. Ray lost out on the Palme d’Or at Cannes (which went to LE MONDE DU SILENCE that year), but nevertheless the film became an international success.
After the screening, Ritika Kaushik will give a lecture on Ray’s work, 'Uniqueness and Universality: An Introduction to Satyajit Ray'.
On 1 October, we screen the final part of the Apu trilogy: APUR SANSAR.
LOVES OF A BLONDE, waarmee Tjechoslawaaks regisseur Miloš Forman internationaal doorbrak, is een aandoenlijke Czech New Wave-film vol pijnlijke obeservatiehumor.
Met een groot tekort aan mannen in een fabrieksstadje voelt de jonge, onschuldige Andula zich gehinderd in haar zoektocht naar liefde. Tijdens een dansfeest wordt Andula verleid door de pianist van het orkest. Ze beslist om hem naar Praag te volgen, waar duidelijk wordt dat de nacht die ze samen doorbrachten voor hem niet hetzelfde betekende als voor haar.
Forman baseerde LOVES OF A BLONDE op een ontmoeting die hij jaren daarvoor had in Praag, waar hij doelloos rondreed en een jonge vrouw zag zeulen met een zware koffer. Ze kwam uit een dorpje buiten de stad op zoek naar de jonge ingenieur die haar een nieuw leven had beloofd, maar bij aankomst bleek hij haar bedrogen te hebben. Forman liet zich inspireren door de ervaring en creëerde met LOVES OF A BLONDE een tedere en humoristische kijk op Andula’s zoektocht, waar de eerste ontdekkingen van de liefde leiden tot onvermijdelijke teleurstellingen. Een film die werkt als subtiele gedragsstudie vol rake dialogen, waarbij Forman ongezouten kritiek spuit op de banaliteit van de Tsjechische middenklasse. Tegelijkertijd vertelt LOVES OF A BLONDE ook een verhaal dat perfect het generatieconflict in het Tsjechoslowakije van de jaren '60 weergeeft.
Na de film volgt de lezing ‘Realist Love and Whimsy in the 1960s’ door Adrian Martin.
ENG The film is in Czech with English subtitles
LOVES OF A BLONDE, Czech director Miloš Forman’s international breakthrough, is a touching Czech New Wave film filled with awkward observational humour.
Dealing with a great shortage of men in a factory town, the young and innocent Andula feels hindered in her search for love. At a dance party, Andula is seduced by the orchestra’s pianist. She decides to follow him to Prague, where it becomes clear that the night they spent together didn’t mean the same to him as it did to her.
Forman based LOVES OF A BLONDE on a meeting he had years before in Prague, where he was driving around and saw a woman dragging a heavy suitcase. She came from a village outside of town looking for the young engineer who had promised her a new life, but turned out to have lied. Forman was inspired by the experience and created a tender and humorous view of Andula’s search, where the first discoveries of love lead to inevitable disappointments. LOVES OF A BLONDE is a subtle behavioural study full of great dialogue, used by Forman to criticise the banality of the Czech middle class. At the same time, the film also tells a story that perfectly resembles the generational conflict in Czechoslovakia of the 60s.
After the film, Adrian Martin will give a lecture on ‘Realist Love and Whimsy in the 1960s’.
Met TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE keert Arnaud Desplechin terug naar het rijke en complexe emotionele landschap van jeugd en herinnering dat hij eerder onderzocht in UN CONTE DE NOËL en COMMENT JE ME SUIS DISPUTÉ…(MA VIE SEXUELLE). Paul mijmert over zijn kindertijd in Roubaix, over zijn ouders, over die schoolreis naar de Sovjet-Unie toen hij zijn identiteit uitleende aan een ander, over zijn studententijd in Parijs… Maar Paul denkt vooral terug aan Esther, zijn grote jeugdliefde, die nooit helemaal uit zijn gedachten is verdwenen.
In aanwezigheid van regisseur Arnaud Desplechin, die de film zal voorzien van een inleiding, en na de film in gesprek zal gaan met Adrian Martin. Nadien wordt in het café een drankje aangeboden om het Zomerfilmcollege in te luiden.
ENG The film is in French with English subtitles
With TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE, Arnaud Desplechin returns to the rich and complex emotional landscape of youth and memories, which he previously investigated in UN CONTE DE NOËL and COMMENT JE ME SUIS DISPUTÉ…(MA VIE SEXUELLE). Paul reminisces about his childhood in Roubaix, about his parents, about that school trip to the Soviet Union when he lent his identity to another person, about his college years in Paris… But above all, Paul remembers his time with Esther, the great love of his youth, who has never really left his mind.
Director Arnaud Desplechin will give an introduction to the film and will talk about his work with Adrian Martin after the screening. Afterwards, we offer a drink in the cafe to celebrate the start of this year's Zomerfilmcollege.
De twaalfde film van de toen onbekende Ingmar Bergman werd in België aanvankelijk onthaald als een pseudo-erotische productie. Niet helemaal onbegrijpelijk wanneer je de internationale poster bekijkt die zinnen bevat zoals “Men wilt under the touch of her lips” en “The story of a bad girl”. Harriet Andersson, de muze van de film, werd voor een hele generatie het symbool van Zweedse extase. Het was pas later dat dit poëtische betoog over onbegrip in de liefde de waardering kreeg die het echt verdiende.
In SOMMAREN MED MONIKA ontmoet Monika de jonge man Harry. Ze vinden in elkaar een manier om uit het dagelijkse leven te ontsnappen. “Let's go away and never come back. We'll see the whole wide world. Are you game?” Wie kan er nee zeggen tegen zo’n uitnodiging? In één zomer wordt hun relatie volledig verteerd: het jonge koppel beleeft een korte, maar extatische zomer op een afgelegen eiland. Kort daarna worden ze ingehaald door de realiteit, zet de kater in en volgt de ontgoocheling. Dit sensuele verhaal over jonge, allesverterende liefde betekende voor Bergman de grote internationale doorbraak.
Na de film volgt de lezing ‘Love on an Island: Bergman’s Melancholic Vision’ door Adrian Martin & Cristina Álvarez López.
ENG The film is in Swedish with English/Dutch/French subtitles
In Belgium, the twelfth film of the then unknown Ingmar Bergman was initially received as a pseudo erotic production. Not entirely surprising when you look at the international poster, which includes taglines such as “Men wilt under the touch of her lips” and “The story of a bad girl”. Harriet Andersson, the film’s muse, became a generational symbol of Swedish ecstasy. It was only decades later that this poetic film on incomprehension in love received the appreciation it really deserved.
In SOMMAREN MED MONIKA, Monika meets a young man, Harry. They find solace in each other and keeping each other’s company is a way to escape daily life. “Let's go away and never come back. We'll see the whole wide world. Are you game?” Who could say no to such an invitation? Over the course of one summer, their relationship is completely consumed: the young couple experiences a short but ecstatic summer on a remote island. Shortly after, they are caught up by reality, and disappointment follows. This sensual story about young, all-consuming love became Bergman’s international breakthrough.
After the film, there is a lecture on ‘Love on an Island: Bergman’s Melancholic Vision’ by Adrian Martin & Cristina Álvarez López.
Het oeuvre van actrice Michelle Yeoh loopt als een rode draad doorheen onze (S)HEROES-focus. Yeoh is als actieheldin de inspiratiebron en het idool geworden van verschillende generaties. En met reden: Yeoh neemt haar actieprojecten enorm serieus en traint zich – soms letterlijk – te pletter. Sinds het daverende succes van EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE, waarvoor ze als eerste vrouw van Aziatische afkomst een Oscar won, schoot Yeohs populariteit opnieuw de hoogte in.
Voor Ang Lees invloedrijke martial arts epos CROUCHING TIGER, HIDDEN DRAGON werkte Yeoh bewust een jaar niet aan andere projecten om te trainen en Mandarijns te leren voor haar rol. Regisseur Lee overtuigde Yeoh van zijn film met de pitch dat CROUCHING TIGER “SENSE AND SENSIBILITY met martial arts” zou worden. Wat een profetische woorden. Ang Lee slaagt erin om romantiek en hartzeer met elkaar te verbinden in een film waar de personages gebukt gaan onder onderdrukte verlangens, net zoals hij dat overtuigend deed in SENSE AND SENSIBILITY en BROKEBACK MOUNTAIN.
Tegen de achtergrond van een adembenemende vergane wereld – een Chinees dorpje tijdens de Qing dynastie – ontmoeten twee zeer bekwame krijgers, de legendarische Wudang zwaardvechter Li Mu Bai (Chow Yun-fat) en strijdster Yu Shu Lien (Michelle Yeoh), elkaar na lange tijd opnieuw. De twee trouwe bondgenoten koesteren onuitgesproken gevoelens voor elkaar. Mu Bai wil zijn zwaard neerleggen en aan een leven als gewone burger beginnen. Hij vraagt aan Shu Lien om zijn mythische zwaard over te leveren aan hun broodheer, waar het gestolen wordt door Jen Yu (Zhang Ziyi), de ambitieuze dochter van een machtige gouverneur. Dit verandert het lot van iedereen die zwoer het zwaard en de tradities van de Wudang krijgers te beschermen.
De film werd overladen door prijzen en nominaties, waarvan 10 Oscarnominaties en 4 keer winst (voor Beste Buitenlandse Film, Beste Cinematografie, Beste Art Direction en Beste Originele Score).
ENG The film is in Chinese and Mandarin with English subtitles
The oeuvre of actress Michelle Yeoh runs like a thread through our (S)HEROES focus programme. As an action hero, Yeoh has inspired many generations. And with great reason: Yeoh takes her action projects very seriously and – sometimes quite literally – trains herself to pieces. Ever since the resounding success of EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE, for which she was the first ever woman of Asian descent to win an Oscar, Yeoh’s popularity has skyrocketed.
For Ang Lee’s influential martial arts epos CROUCHING TIGER, HIDDEN DRAGON Yeoh decided not to take any other film projects for a year, to focus on her training and learning Mandarin for the part. Director Lee convinced her of the film with the pitch that CROUCHING TIGER would become “SENSE AND SENSIBILITY with martial arts”. These became prophetic words. Ang Lee was able to bind romance and heartache together in a film filled with characters who are carrying the burden of repressed longing, just like he convincingly did in SENSE AND SENSIBILITY and BROKEBACK MOUNTAIN.
Against the backdrop of a breath-taking lost world – a Chinese village during the Qing Dynasty – two very skilled warriors meet each other after a long time: the legendary Wudang swordsman Li Mu Bai (Chow Yun-fat) and warrior Yu Shu Lien (Michelle Yeoh). The two loyal allies have long unspoken feelings for each other. Mu Bai wants to lay down his sword and retire. He asks Shu Lien to take his mythical sword to their patron, where it’s stolen by Jen Yu (Zhang Ziyi), the ambitious daughter of a powerful governor.
The film was lauded with countless awards and nominations, among which 10 Academy Award nominations and 4 wins (for Best Foreign Film, Best Cinematography, Best Art Direction and Best Original Score).
Op een nacht ontmoet de jonge Caleb Colton de mooie en mysterieuze Mae in een klein stadje in het Mid-Westen. Ze spenderen de nacht samen en net voordat de zon opkomt, bijt Mae hem in de nek, waarna ze wegloopt. Wanneer even later het zonlicht hem raakt, begint Calebs huid fel te verbranden. Mae en een groep zwervende vampieren pikken hem net op tijd op in een RV en redden hem van een gewisse dood. De charismatische leider van de groep geeft Caleb een week de kans om hun levensstijl te leren. Met andere woorden: te leren moorden.
Kathryn Bigelow is een van de meest interessante filmmakers van onze tijd. Voor het succes van haar Oscarwinnende THE HURT LOCKER (2008), maakte Bigelow naam als genreregisseur. Of het nu groezelige politiefilm BLUE STEEL (1990), Willem Dafoe bikerfilm THE LOVELESS (1981) of de iconische Keanu Reeves surfthriller POINT BREAK (1991) is, geen genre heeft geheimen voor Bigelow. Met NEAR DARK waagt de regisseur zich aan een neo-Western vampierfilm. Bigelow en co-scenarist Eric Red gebruiken de ruwe en ruige setting van het Amerikaanse Mid-Westen in de jaren '80 om overtuigende vampirische en cinematografische folklore op het grote scherm te toveren. Horror, western en cult mixen mooi in Bigelows eerste soloregieproject.
NEAR DARK wordt bevolkt door een iconische ensemble cast: Bill Paxton is even entertainend als ontspoord in de rol van de bloeddorstige Severen, karakteracteur Lance Henriksen is zoals altijd overtuigend als de patriarch van de vampierbende en Adrian Pasdar als Caleb en Jenny Wright als Mae geven als de star-crossed lovers emotionele diepte aan de gotische western. De eeuwige nacht belooft het eeuwige leven aan de groep gewelddadige vampieren, maar het zonlicht dreigt elke dag.
NEAR DARK is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with English subtitles
One night, the young Caleb Colton meets the beautiful and mysterious Mae in a small Midwestern town. They spend the night together, and just before sunrise, Mae bites Caleb’s neck and she runs off. When the sunlight hits him, Caleb’s skin starts to burn severely. Mae and a group of drifting vampires turn up in an RV just in time to save him from a certain death. The charismatic leader of the group gives Caleb a week to learn their lifestyle. In other words: to learn to kill.
Kathryn Bigelow is one of the most interesting filmmakers of our day. Before the success of the Oscar-winning THE HURT LOCKER (2008), Bigelow made a name for herself as a genre director. Whether it be the gritty cop movie BLUE STEEL (1990), the Willem Dafoe biker film THE LOVELESS (1981) or the iconic Keanu Reeves surf thriller POINT BREAK (1991), no genre has any secrets from Bigelow. With NEAR DARK, the director ventures into the territory of a neo-Western vampire film. Bigelow and co-writer Eric Red use the rough and raw setting of the American Midwest in the 80s to create convincing vampiric and cinematographic lore for the big screen. Horror, western and cult mix and match in Bigelow’s first solo feature debut.
NEAR DARK is populated with an iconic ensemble cast: Bill Paxton is as entertaining as he is deranged in the role of bloodthirsty Severen, character actor Lance Henriksen is convincing as always as the patriarch of the vampire gang and Adrian Pasdar as Caleb and Jenny Wright as Mae give the gothic western emotional depth as the star-crossed lovers. The endless night promises eternal life to this group of violent vampires, but the sunlight threatens them every day.
NEAR DARK is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Berlijn speelt een cruciale rol in Sebastian Schippers VICTORIA, waarin een jonge Spaanse vrouw al flirtend een vriendelijke local leert kennen. Onderhuids sluimert een constant unheimlich gevoel, alsof er elk moment iets groots staat te gebeuren, wat wordt aangescherpt door Nils Frahms bijzondere soundtrack.
Victoria woont pas drie maanden in Berlijn. Bij het verlaten van een club na een nacht dansen en drinken, ontmoet ze vier jonge mannen die de toegang tot de club worden geweigerd. Nadat ze alcohol stelen uit een nachtwinkel, belanden ze op het dak van een flatgebouw waar ze samen marihuana roken, wanneer één van hen onthult dat hij in de gevangenis heeft gezeten.
De film werd opgenomen in één lange take, van 4:30 tot 7:00 uur ’s ochtends in de wijken Kreuzberg en Mitte in Berlijn. Het script bestond uit amper twaalf pagina’s en de meeste dialogen werden geïmproviseerd. Het productiebudget liet slechts drie pogingen tot de one-take toe. Volgens de regisseur was die eerste poging te “saai” omdat de acteurs te bang waren om fouten te maken; de tweede poging was het tegenovergestelde, omdat de acteurs te veel “uit hun dak gingen”. Volgens Schipper was de laatste take geslaagd omdat er een element van “agressie” in zat dat in de andere versies ontbrak.
VICTORIA is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in German with English subtitles
Berlin plays a key role in Sebastian Schipper’s VICTORIA, in which a young Spanish woman gets to know a friendly local while flirting. Underneath lurks a constant, uncanny feeling, as if something big is about to happen at any moment—emphasised by German musician Nils Frahm’s special soundtrack.
Victoria has been living in Berlin for three months. Leaving a club after a night of dancing and drinking, she meets four young men who are denied entry to the club. After stealing some alcohol from an all-night shop, they all get on the roof of an apartment building where they smoke marijuana together, while one of them reveals that he spent time in jail for hurting someone.
The film was shot in a single long take, from 4:30 to 7:00 A.M. in the Kreuzberg and Mitte neighbourhoods of Berlin. The script consisted of twelve pages, with most of the dialogue being improvised. The production budget permitted only three attempts at the one-take. According to director Sebastian Schipper, the first attempt was dull because the actors were too cautious, being afraid to make mistakes; the second attempt was the opposite, as the actors went “crazy”. Schipper believes the final attempt was successful because there was an element of “aggression” that was missing in the other versions.
VICTORIA is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Mickey Barnes (Robert Pattinson) is een expendable: een werknemer die keer op keer gevaarlijke missies uitvoert, wetende dat hij daarbij kan sterven – en telkens gekloond wordt om opnieuw te beginnen. Maar wanneer Mickey 17 terugkeert van de dood en ontdekt dat zijn vervanging al is geactiveerd, ontstaat een identiteitscrisis die het systeem op zijn grondvesten doet daveren.
Na het baanbrekende PARASITE keert regisseur Bong Joon Ho terug naar het sciencefictiongenre waarin hij met SNOWPIERCER en OKJA al ijzersterke maatschappijkritiek wist te verpakken in genrevolksvermaak. Ook in dit nieuwe epos is zijn stijl herkenbaar: satirisch, visueel uitgesproken en thematisch gelaagd.
Bong verkent existentiële thema’s met zwarte humor en visuele flair: wat betekent het om jezelf te zijn in een wereld waarin je lichaam vervangbaar is? Mickey’s strijd met zijn eigen kopie roept morele, filosofische en zelfs romantische vragen op. Onder het glanzende oppervlak van sciencefiction schuilt een messcherpe reflectie op arbeid, identiteit en macht.
ENG The film is in English with Dutch/French subtitles
Mickey Barnes (Robert Pattinson) is an expendable: an employee who carries out dangerous missions over and over again, fully aware he might die—only to be cloned and sent out once more. But when Mickey 17 returns from the dead and discovers his replacement has already been activated, an identity crisis erupts that shakes the entire system to its core.
Following the groundbreaking PARASITE, director Bong Joon Ho returns to the science fiction genre in which he already fused biting social critique with genre entertainment in SNOWPIERCER and OKJA. His signature is unmistakable once again: satirical, visually striking, and thematically layered.
With dark humour and visual flair, Bong explores existential themes: what does it mean to be yourself in a world where your body is replaceable? Mickey’s confrontation with his copy raises moral, philosophical, and even romantic questions. Beneath the glossy surface of science fiction lies a razor-sharp reflection on labour, identity, and power.
“What if you had a second chance with the one that got away?”
english below
SPOILER ALERT: niet verder lezen als je BEFORE SUNRISE nog niet hebt gezien!
9 jaar na hun toevallige ontmoeting in Wenen, treffen Jesse (Ethan Hawke) en Céline (Julie Delpy) elkaar opnieuw, deze keer in Parijs. Jesse heeft een bestseller geschreven over hun memorabele tijd samen en is in Parijs voor een boektournee. Het boek eindigt net zoals hun ontmoeting 9 jaar eerder: met de belofte om 6 maanden later in het treinstation in Wenen af te spreken. Jesse spot Céline in het publiek tijdens zijn lezing en de twee spenderen een uur samen totdat Jesse naar de luchthaven moet vertrekken. Wat is er gebeurd in de 9 jaren na hun ontmoeting? Terwijl ze door Parijs wandelen, praten ze over diep persoonlijke zaken, de liefde, hun werk, passies, politiek en de teleurstellingen in hun leven. Maar dan is de tijd gekomen: wat doen ze met de herkansing die ze hebben gekregen?
Regisseur Richard Linklater schreef het scenario samen met acteurs Delpy en Hawke, alle drie ouder en wijzer, wat maakt dat de dialogen onderbouwd zijn met (pijnlijke) waarheden, die enkel door jaren levenservaring naar boven komen. Lichtjes gekneusd door het leven krijgen de twee in dat uur tijd met elkaar de tweede kans om liefde serieus te nemen.
Niet getreurd! We vertonen ook het derde luik, BEFORE MIDNIGHT, van de BEFORE-trilogie in ons zomerprogramma. Voor de vertoning van de volledige trilogie op zondag 7 september zijn er ook voordelige combotickets beschikbaar.
BEFORE SUNSET is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
SPOILER ALERT: do not continue reading if you haven’t seen BEFORE SUNRISE yet!
9 years after their fateful meeting in Vienna, Jesse (Ethan Hawke) and Céline (Julie Delpy) meet again, this time in Paris. Jesse has written a bestseller about their memorable time together and is in Paris for a book tour. The book ends just like their meeting 9 years earlier did: with the promise to meet again 6 months later in the train station of Vienna. Jesse spots Céline in the audience during his book signing and the two spend the hour he has before having to go to the airport together. What has happened during those 9 years after their meeting? As they walk through Paris, they talk about deeply personal things, love, their work, passions, politics and the disappointments in their lives. But then the time has come: what will they do with the second chance they’ve got now?
Director Richard Linklater wrote the screenplay together with actors Delpy and Hawke, all three of them older and wiser, which substantiates the dialogues with (painful) truths that can only surface after years of life experience. Slightly bruised by life, the two main characters have an opportunity to finally take love seriously.
Don’t worry: we also screen the third instalment, BEFORE MIDNIGHT, of the BEFORE-trilogy in our summer programme. For the marathon screening on Sunday 7 September, there are also combo tickets.
BEFORE SUNSET is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Rachel Talalays cultklassieker TANK GIRL is eens gezien, nooit te vergeten. Zij het de kostuums, de make-up en special effects of de legendarische post-punk soundtrack. Lori Petty belichaamt Tank Girl, een jonge vrouw die in een dystopische wereld leeft waar het tirannieke megaconglomeraat Water & Power, geleid door de wrede Kesslee (prettig gestoorde vertolking van Malcolm McDowell), de watertoevoer in handen heeft. Nadat Tank Girl tot slaaf gemaakt wordt door Kesslee en ontsnapt, gaat ze met een groep zonderlingen – waaronder Ice-T als een mutant kangoeroe-soldaat en Naomi Watts als Jet Girl – de strijd aan tegen de megalomane Kesslee.
De opzwepende actie wordt afgewisseld met geanimeerde sequenties, die refereren naar de comic book serie waarop de film is gebaseerd. De stemmen van Courtney Love, Portishead en Björk begeleiden de punk esthetiek en de vuile humor van de inmiddels iconische en geliefde actieheldin en haar indrukwekkende tank wielding skills.
Deze film is onderdeel van ons programma (S)HEROES, waarmee we vrouwelijke actiehelden doorheen de filmgeschiedenis in de schijnwerper zetten.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
Rachel Talalay’s cult classic TANK GIRL is, once seen, never to be forgotten. Be it the costumes, the make-up and special effects or the legendary post-punk soundtrack. Lori Petty embodies Tank Girl, a young woman who lives in a dystopian world where the tyrannical mega-conglomerate Water & Power, led by the ruthless Kesslee (gleefully disturbed performance by Malcolm McDowell), controls the water supply. After Tank Girl is enslaved and escapes, she and a band of misfits – among whom Ice-T as a mutant kangaroo soldier and Naomi Watts as Jet Girl – fight against the megalomaniac Kesslee.
The quick action is intercut with animated sequences, referencing the comic book series on which the movie is based. The voices of Courtney Love, Portishead and Björk accompany the punk aesthetic and sleazy humour of the iconic and beloved action heroine and her impressive tank-wielding skills.
This is part of our programme (S)HEROES, which puts the spotlight on female action heroes throughout film history.
Mickey Barnes (Robert Pattinson) is een expendable: een werknemer die keer op keer gevaarlijke missies uitvoert, wetende dat hij daarbij kan sterven – en telkens gekloond wordt om opnieuw te beginnen. Maar wanneer Mickey 17 terugkeert van de dood en ontdekt dat zijn vervanging al is geactiveerd, ontstaat een identiteitscrisis die het systeem op zijn grondvesten doet daveren.
Na het baanbrekende PARASITE keert regisseur Bong Joon Ho terug naar het sciencefictiongenre waarin hij met SNOWPIERCER en OKJA al ijzersterke maatschappijkritiek wist te verpakken in genrevolksvermaak. Ook in dit nieuwe epos is zijn stijl herkenbaar: satirisch, visueel uitgesproken en thematisch gelaagd.
Bong verkent existentiële thema’s met zwarte humor en visuele flair: wat betekent het om jezelf te zijn in een wereld waarin je lichaam vervangbaar is? Mickey’s strijd met zijn eigen kopie roept morele, filosofische en zelfs romantische vragen op. Onder het glanzende oppervlak van sciencefiction schuilt een messcherpe reflectie op arbeid, identiteit en macht.
ENG The film is in English with Dutch/French subtitles
Mickey Barnes (Robert Pattinson) is an expendable: an employee who carries out dangerous missions over and over again, fully aware he might die—only to be cloned and sent out once more. But when Mickey 17 returns from the dead and discovers his replacement has already been activated, an identity crisis erupts that shakes the entire system to its core.
Following the groundbreaking PARASITE, director Bong Joon Ho returns to the science fiction genre in which he already fused biting social critique with genre entertainment in SNOWPIERCER and OKJA. His signature is unmistakable once again: satirical, visually striking, and thematically layered.
With dark humour and visual flair, Bong explores existential themes: what does it mean to be yourself in a world where your body is replaceable? Mickey’s confrontation with his copy raises moral, philosophical, and even romantic questions. Beneath the glossy surface of science fiction lies a razor-sharp reflection on labour, identity, and power.
Juni 1967, Californië. Op het Monterey County Fairgrounds barstte een muzikale revolutie los. Drie dagen lang vulden legendarische optredens van Jimi Hendrix, Janis Joplin en Ravi Shankar de lucht met pure energie en creativiteit. Dit festival ontketende de Summer of Love en katapulteerde de hippiebeweging naar de mainstream.
Filmmaker D. A. Pennebaker legde die explosie van stijlen en idealen vast in een opzwepend portret waarin de euforie van de flower power-generatie tastbaar is. Monterey Pop vormde zo de blauwdruk voor latere festivals als Woodstock en groeide uit tot een monument van de pop- en jeugdcultuur.
Naast een onsterfelijk tijdsdocument is Pennebakers swingende concertfilm natuurlijk vooral een uitzinnig rock-'n-rollportret, met de meest iconische live-performances ooit. Van Pete Townshend die zijn gitaar verplettert tot Jimi Hendrix die de zijne in vuur en vlam zet. Wie wil daar nu niet bij zijn?
Be sure to wear some flowers in your hair!
Dinsdag 5 augustus wordt de film in de buitenlucht vertoond bij Cinema Urbana (Kattendijkdok-Oostkaai 25, 2000 Antwerpen).
ENG The film is in English without subtitles
June 1967, California. At the Monterey County Fairgrounds, a musical revolution erupted. For three days, legendary performances by Jimi Hendrix, Janis Joplin, and Ravi Shankar filled the air with pure energy and creativity. The festival ignited the Summer of Love and propelled the hippie movement into the mainstream.
Filmmaker D. A. Pennebaker captured that explosion of styles and ideals in a rousing portrait where the euphoria of the flower power generation is palpable. Monterey Pop became the blueprint for future festivals like Woodstock and evolved into a monument of pop and youth culture.
Beyond being an immortal time capsule, Pennebaker’s swinging concert film is above all a wild rock-’n’-roll portrait, featuring some of the most iconic live performances ever. From Pete Townshend smashing his guitar to Jimi Hendrix setting his on fire—who wouldn’t want to be there?
Be sure to wear some flowers in your hair!
Tuesday 5 August, the film will be screened in the open air at Cinema Urbana (Kattendijkdok-Oostkaai 25, 2000 Antwerpen).
De vrijgevochten 15-jarige Connie Wyatt (Laura Dern) is te jong om zelf te rijden, maar niet te jong om rond te hangen in het plaatselijke shoppingcenter en te flirten met de jongens daar. Dat doet ze vooral om te ontsnappen aan haar saaie thuisleven. Haar wantrouwige moeder – zelf ooit een tienermoeder – wil haar veilig thuis houden. Maar de vrijheid van de lange zomerdagen lonkt en Connie wil plezier maken met haar vriendinnen voordat ze terug naar school moet. Wanneer een mysterieuze James Dean-lookalike interesse toont in Connie en aankondigt dat “I’m watching you”, dreigt er een traumatisch einde te komen aan haar onschuld.
Regisseur Joyce Chopra baseerde zich voor haar fictiedebuut SMOOTH TALK op haar eigen documentaire GIRLS AT 12 (1975), over de transitie van jonge meisjes naar tieners, en het bekroonde kortverhaal Where Are You Going, Where Have You Been? (1966) van Joyce Carol Oates. Laura Dern is in haar doorbraakrol perfect gecast als het zorgeloze 15-jarige meisje dat graag volwassen zou zijn, maar in die wens ook meteen geconfronteerd wordt met de harde realiteiten van het vrouw-zijn.
Wat een idyllische zomer zou moeten zijn vol zon, hang-outs en naïef geflirt, eindigt met de komst van een opdringerige zwerver (akelig memorabel vertolkt door Treat Williams). Met SMOOTH TALK laat Chopra de conventies van een coming-of-age verhaal overlopen in een diepgaand en verontrustend portret van adolescentie, seksuele ontdekking en het verlies van onschuld.
SMOOTH TALK is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with English subtitles
The free-spirited 15-year-old Connie Wyatt (Laura Dern) is too young to drive, but not too young to hang out at the local shopping mall and flirt with the boys there. She mostly does this to pass the time and to escape her boring home life. Her overbearing mother – herself once a teen mom – wants to keep her home safe. But the freedom of the long summer days beckons, and Connie wants to have fun with her friends before she has to go back to school. When a mysterious James Dean lookalike shows interest in Connie and announces that “I’m watching you”, there threatens to come a traumatic end to her innocence.
For her fiction debut, director Joyce Chopra was influenced by her own documentary GIRLS AT 12 (1975) and the award-winning short story Where Are You Going, Where Have You Been? (1966) by Joyce Carol Oates. Laura Dern is perfectly cast in her breakthrough role as the carefree 15-year-old girl who would love to be an adult, but is immediately confronted by the harsh realities of being a woman.
What should have been an idyllic summer full of sun, hang-outs, and flirtations ends with the arrival of an intrusive drifter (menacingly portrayed by Treat Williams). With SMOOTH TALK, Chopra lets the conventions of the coming-of-age story blend into a profound and troubling portrait of adolescence, sexual exploration and the loss of innocence.
SMOOTH TALK is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
He was 25 years old. He combed his hair like James Dean. She was 15. She took music lessons and could twirl a baton. For a while they lived together in a tree house. In 1959, she watched while he killed a lot of people.
english below
Terrence Malicks debuut BADLANDS gaat over de relatie tussen een jong koppel, de 15-jarige Holly en 25-jarige Kit. Het is een verhaal dat we kennen, over een paar criminelen die Amerika doorkruisen en een spoor van destructie achterlaten à la BONNIE AND CLYDE. Het duurt niet lang voor ze achternagezeten worden door de politie en we volgen hen op de vlucht door de woestenij van Amerika.
Malick schreef het scenario voor deze film tijdens een road trip en dat emuleert hij in de sfeer van de film. Hij laat Holly vertellen in derde persoon, gedistantieerd van haar eigen leven. Met BADLANDS zette Malick de toon voor zijn verdere oeuvre als een van de belangrijkste Amerikaans auteurs van zijn tijd.
BADLANDS is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in English with Dutch subtitles
Terrence Malick’s debut BADLANDS tells the story of a relationship between a young couple, the 15-year-old Holly (Sissy Spacek) and the 25-year-old Kit (Martin Sheen). It’s a story we all know, about a couple of criminals who move across America and leave a trail of destruction, like BONNIE AND CLYDE. It doesn’t take long before the police are in hot pursuit, and we follow them on the run across the desert of America.
Malick wrote the screenplay of this film during a road trip, and he emulates that atmosphere in the movie. His character Holly narrates the story in third person, distancing herself from her own life. With BADLANDS, Malick set the tone for the rest of his oeuvre as one of the most important American auteurs of his time.
BADLANDS is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
Mickey Barnes (Robert Pattinson) is een expendable: een werknemer die keer op keer gevaarlijke missies uitvoert, wetende dat hij daarbij kan sterven – en telkens gekloond wordt om opnieuw te beginnen. Maar wanneer Mickey 17 terugkeert van de dood en ontdekt dat zijn vervanging al is geactiveerd, ontstaat een identiteitscrisis die het systeem op zijn grondvesten doet daveren.
Na het baanbrekende PARASITE keert regisseur Bong Joon Ho terug naar het sciencefictiongenre waarin hij met SNOWPIERCER en OKJA al ijzersterke maatschappijkritiek wist te verpakken in genrevolksvermaak. Ook in dit nieuwe epos is zijn stijl herkenbaar: satirisch, visueel uitgesproken en thematisch gelaagd.
Bong verkent existentiële thema’s met zwarte humor en visuele flair: wat betekent het om jezelf te zijn in een wereld waarin je lichaam vervangbaar is? Mickey’s strijd met zijn eigen kopie roept morele, filosofische en zelfs romantische vragen op. Onder het glanzende oppervlak van sciencefiction schuilt een messcherpe reflectie op arbeid, identiteit en macht.
ENG The film is in English with Dutch/French subtitles
Mickey Barnes (Robert Pattinson) is an expendable: an employee who carries out dangerous missions over and over again, fully aware he might die—only to be cloned and sent out once more. But when Mickey 17 returns from the dead and discovers his replacement has already been activated, an identity crisis erupts that shakes the entire system to its core.
Following the groundbreaking PARASITE, director Bong Joon Ho returns to the science fiction genre in which he already fused biting social critique with genre entertainment in SNOWPIERCER and OKJA. His signature is unmistakable once again: satirical, visually striking, and thematically layered.
With dark humour and visual flair, Bong explores existential themes: what does it mean to be yourself in a world where your body is replaceable? Mickey’s confrontation with his copy raises moral, philosophical, and even romantic questions. Beneath the glossy surface of science fiction lies a razor-sharp reflection on labour, identity, and power.
Bereid je voor op een stevige realitycheck. Dit boek is niet voor watjes. Hamza Ouamari spaart niemand, ook jou niet. Hij neemt je mee op een ongefilterde trip door de wondere wereld van inclusieve marketing en communicatie, waar goedbedoelde intenties meestal eindigen in stockfoto diversiteit en een regenbooglogo.
In Inclusieve marketing loodst Hamza je door het volledige marketingproces, van briefing tot evaluatie. Onderweg fileert hij alles wat misloopt, zonder geduld voor bullshit. Want Inclusieve marketing is niet zomaar een add-on, het is een keiharde strategische keuze om echt iedereen te bereiken. Een confronterend en tegelijk meeslepend boek met rants, praktijkvoorbeelden, antwoorden op vragen die je liever ontwijkt én concrete methodes om mee aan de slag te gaan.
Voor marketeers, communicatiespecialisten en mensen die het zich kunnen permitteren om nooit over inclusieve marketing na te denken. Van briefing tot evaluatie. Van intenties naar echte impact. 7 stappen. 35 learnings. Eén welgemikte schop onder je kont.
Tijdens de boekpresentatie is Dalilla Hermans host van dienst. Naast een one-on-one gesprek met Hamza Ouamari, zal er ook een panelgesprek plaatsvinden met met Sana Sellami, Johan van Mol, Katrien Heughebaert & Jihad Van Puymbroeck.
Over Hamza Ouamari
Hij is expert in inclusieve marketing en heeft een groot talent voor het zeggen van dingen die je liever niet hoort. Hij ontwikkelt campagnes die merken uitdagen en versterken, met inclusie als strategisch uitgangspunt. Zijn werk creëert verbinding tussen organisaties en diverse doelgroepen, met minder buzzwords en meer realiteit. Hij geeft trainingen in tal van bedrijven en deelt zijn expertise ook als gastdocent in de opleiding Media & Entertainment Business aan de Thomas More-hogeschool in Mechelen.
“Ik ben niet koppig. Het leven is koppig”, betreurt Delphine haar situatie in Éric Rohmers Gouden Leeuw-winnende LE RAYON VERT. Wanneer haar plannen voor de zomer in duigen vallen, weet ze niet wat met zichzelf aan te vangen. Verstikt door sociale angst, voelt Delphine zich overal als een buitenstaander en ook de zomerliefde lijkt niet voor haar weggelegd. Totdat ze op weg naar huis een man ontmoet op het station.
LE RAYON VERT is de vijfde film in Rohmers “Comedies and Proverbs”-reeks die gekenmerkt wordt door serene beelden en praatgrage personages. Ondertussen had Rohmer een gebruikelijke manier van werken ontwikkeld waarbij hij het project in preproductie uitvoerig besprak met de cast en hen zelf hun dialogen liet bepalen. Zo verklaarde hij dat hoofdactrice Marie Rivière grotendeels verantwoordelijk is voor de film: “Marie is the one one who called the shots, not only by what she said, but by the way she’d speak, the way she’d question people, and also by the questions her character evoked from the others.”
LE RAYON VERT is deel van De Cinema’s zomerprogramma ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, waarin zonovergoten ontdekkingen in contrast staan met het opzwepende hedonisme van de nacht.
ENG The film is in French with English subtitles
“I’m not stubborn. Life is stubborn”, Delphine laments her situation in Éric Rohmer’s Golden Lion-winning LE RAYON VERT. When her summer plans fall apart, she doesn’t know what to do with herself. Stifled by social anxiety, Delphine feels like an outsider everywhere, and summer love isn’t coming anytime soon either. Until, on her way home, she meets a man at the train station.
LE RAYON VERT is the fifth film in Rohmer’s “Comedies and Proverbs” series, characterised by serene imagery, love-smitten protagonists, and chatty characters. By then, Rohmer had developed a customary way of working in which he discussed the project at length with the cast members in pre-production and let them decide on their dialogues. He stated that lead actress Marie Rivière was primarily responsible for the film: “Marie is the one who called the shots, not only by what she said, but by the way she'd speak, the way she'd question people, and also by the questions her character evoked from the others.”
LE RAYON VERT is part of De Cinema’s summer programme ETERNAL SUMMER, ENDLESS NIGHTS, in which sunlit discoveries are contrasted with the inciting hedonism of the night.
